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Apre a San Lazzaro di Savena la Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, una nuova istituzione privata italiana che nasce sulla base di un archivio storico dedicato alla cultura italiana del XX secolo, avviato a New York nel 1984 dai suoi fondatori, Massimo e Sonia Cirulli e che oggi conta una collezione di alcune migliaia di pezzi.

Contestualmente all’apertura dello spazio inaugura la mostra Universo Futurista, a cura di Jeffrey T. Schnapp e Silvia Evangelisti, focalizzata sul nucleo della collezione dedicato a questo periodo storico (1909 -1939) su cui non cessa di rinnovarsi l’attenzione degli studiosi, attraverso mostre e pubblicazioni, e del pubblico. La mostra presenta una selezione di opere dalla collezione della Fondazione Cirulli e pone l’accento su tematiche centrali dell’estetica futurista come l’inno alla vitalità creativa, alla giocosità e alla fantasia di un’arte che rallegra il mondo ricreandolo integralmente, riprendendo le parole del Manifesto “Ricostruzione Futurista dell’Universo” redatto nel 1915 da Giacomo Balla e Fortunato Depero. L’estetica futurista muove i suoi passi da un nuovo modo di concepire la creazione artistica, che supera i confini delle arti tradizionali e coinvolge la vita quotidiana nella sua totalità per diventare “arte totale”, creando un legame strettissimo tra arte e vita.

Universo Futurista approfondisce questa nuova concezione estetica attraverso l’accurata selezione di dipinti, sculture, oggetti di design, disegni progettuali, fotografie e fotomontaggi, manifesti pubblicitari e documenti autografi di ogni genere realizzati da artisti futuristi dal 1909 fino alla fine degli anni ‘30 del Novecento.

Attraverso una straordinaria varietà di opere della Fondazione Cirulli, il percorso espositivo propone "ambientazioni" dedicate a tematiche care ai futuristi come la velocità, l’energia, il progresso, l’uomo meccanizzato e il design domestico.

Come spiega lo studioso americano Jeffrey T. Schnapp, co-curatore della mostra, il progetto non segue un’impostazione storico-artistica tradizionale ma propone “un percorso esplorativo attraverso l’abbondanza e la molteplicità dei materiali conservati nella collezione della Fondazione, evidenziando raggruppamenti, costellazioni, ritmi diversi di opere e variazioni di misura dal grande al piccolo, dal pieno al vuoto”.

In mostra un nucleo di oltre 200 opere realizzate in diversi materiali, forme e misure create da artisti quali Balla, Boccioni, Bonzagni, Bucci, Casarini, Chiattone, D’Albisola, Depero, Diulgheroff, Guerrini, Korompay, Licini, Marchi, Marinetti, Masoero, Munari, Prampolini, Russolo, Schawinsky, Sant’Elia, Sironi, Tato, Thayaht.

Orari

mart-ven: 10-17
sabato e domenica: 11-20

(contatti: info@fondazionecirulli.org, oppure tel. 051 6288300)

Biglietti
Intero € 10,00

Ridotto € 8,00
Gruppi da 10 fino a 20 persone
Visitatori over 65
Card Musei Metropolitani Bologna

Ridotto € 5,00
Gruppi da 21 a 25 persone
Studenti dai 6 ai 18 anni
Studenti universitari con tessera in corso di validità
Scolaresche

Sconto del 10% sul costo del catalogo per i possessori della Card Musei Metropolitani.

Foto tratta da Artribune

La promessa di regalare al visitatore suggestioni uniche e originali del nostro territorio viene ampiamente mantenuta nel collage di emozioni in bianco e nero che il Consorzio CER ha ideato ed organizzato con la collaborazione di numerosi partner per valorizzare non solo una delle opere idrauliche più importanti del paese, ma per celebrare l’attività dell’uomo laborioso.

L’esposizione fotografica, curata da Sonia Lenzi, consegna al nostro presente la rilevanza del Canale per le economie agroalimentari di parte dell’Emilia e di gran parte della Romagna. Al contempo ci fa compiere un salto all’indietro, in un universo composito fatto di essenzialità, cruda, reale, quasi documentaristica, rappresentato dal maestro di neorealismo di Castel Guelfo, nato in quella fetta di terra bagnata dal Sillaro spesso indicata come spartiacque di confine tra l’Emilia e la Romagna, che ha iniziato il “mestiere di fotografo a Medicina.

In mostra viene esposta una scelta significativa dei lavori di Enrico Pasquali degli anni ‘50-’60 e un video con una ricca serie di testimonianze orali e interviste a lavoratori, tecnici, progettisti e dirigenti, protagonisti dell’avviamento dei lavori del Canale Emiliano Romagnolo, realizzate nel 2014 da Sonia Lenzi, con la regia di Enza Negroni.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

That’s IT! è una mostra collettiva generazionale a cura di Lorenzo Balbi. 
L’esposizione, ospitata all'interno della Sala delle Ciminiere del MAMbo, presenta i lavori di 56 tra artisti e collettivi nati dal 1980 in avanti, esplorando differenti media e linguaggi.

That’s IT! (IT come codice dell’Unione Europea che individua la sigla dell’Italia) non si sviluppa, volutamente, intorno a un concept unitario e monolitico, ma propone interrogativi e possibili letture della contemporaneità in una prospettiva aperta, dialettica e magmatica. Ha ancora senso oggi definire un artista “italiano”? Cosa contribuisce a determinare la definizione di “italianità”? Tale definizione ha delle conseguenze sull’autorappresentazione dell’artista? Dove e come poniamo il confine geografico e generazionale? La mostra propone alcune tra le possibili risposte.

Ingresso € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso ridotto a 3 euro

Visite guidate

domenica 9 e 30 dicembre, h 16
Prenotazione obbligatoria allo 051 6496627 (mercoledì dalle 10 alle 17 e giovedì dalle 13 alle 17) oppure mamboedu@comune.bologna.it.

Realizzata nell’ambito del Festival Francescano, la mostra presenta una nutrita selezione dei vari cicli liturgici, realizzati tra il XIII e il XV secolo per la basilica bolognese di San Francesco, che attualmente fanno parte della ricca collezione di codici miniati del Museo Civico Medievale.

Tra questi si segnala la serie di preziosi graduali francescani riccamente miniati dal cosiddetto Maestro della Bibbia di Gerona, protagonista assoluto della decorazione libraria bolognese della fine del Duecento. Prossimi a questa anche la serie poco più tarda degli antifonari, anch'essi ampiamente decorati, ispirandosi in parte alle più antiche esperienze del Giotto assisiate, evidentemente filtrate in città attraverso lo stesso ordine dei frati minori.

A queste prime serie di corali ne seguirono altre nel corso del Quattrocento, quando i frati minori si affidarono a vari miniatori coordinati dal bolognese Giovanni di Antonio, per decorare intorno al 1440-50 alcuni dei loro libri liturgici, anch'essi presentati in occasione della mostra.

Visite guidate

sabato 22 settembre 2018 h 10.30, giovedì 11 ottobre 2018 h 17, domenica 21 ottobre h 16.30, giovedì 22 novembre 2018 h 17, giovedì 20 dicembre 2018 h 17, domenica 13 gennaio 2019 h 16.30, giovedì 14 febbraio 2019 h 17, giovedì 7 marzo 2019 h 17

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Provocatore, padre del realismo e uomo dalla personalità complessa, Courbet fu anche un eccellente paesaggista, che considerava la natura la sua principale fonte di ispirazione: non a caso due terzi della sua produzione sono costituiti da panorami, vedute, scorci, orizzonti, lande campestri, in cui il protagonista è l’elemento naturale.

Per la prima volta dopo circa cinquant’anni dall’ultima rassegna a lui dedicata, Gustave Courbet torna in Italia. Palazzo dei Diamanti gli rende omaggio con un’importante retrospettiva che racconterà la carriera del grande maestro francese approfondendo, in particolare, la sua ampia produzione di paesaggi e il suo singolare rapporto con la natura.

L’esposizione presenterà circa cinquanta tele provenienti dai più importanti musei internazionali e condurrà il visitatore in un percorso emozionante: dalle vedute della natia Franca Contea alle spettacolari marine spesso scosse dalla tempesta, dalle misteriose grotte da cui scaturiscono sorgenti alle cavità carsiche che si spalancano nei torrenti, dai sensuali nudi immersi in una rigogliosa vegetazione alle suggestive scene di caccia, fino ai potenti capolavori realisti della maturità. 

Dotato di una rara sensibilità, la sua visione personale ma realistica del mondo lo ha portato a innovare profondamente la pittura. Le sue opere, mantenendosi in bilico fra gli echi del Romanticismo e i riflessi di un Impressionismo che proprio in quegli anni muoveva i primi passi, rappresentarono un sicuro modello di riferimento per Manet, Monet, Degas e compagni.

Con Courbet e la natura il pubblico italiano potrà quindi riscoprire l’opera di uno dei più grandi pittori dell’Ottocento, un artista che ha lasciato un segno indelebile sulla sua epoca riuscendo a traghettare l’arte francese dal sogno romantico alla cruda pittura di realtà, e da questa a un nuovo amore per la natura.

Mostra a cura di Vincent Pomarède, Dominique de Font-Réaulx, Isolde Pludermacher, Maria Luisa Pacelli e Barbara Guidi
Organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara. 

Per gli abbonati Card Musei Metropolitani ingresso ridotto al prezzo speciale di 11€ invece che 13€ 

I biglietti delle mostre con la riduzione Card Musei non possono essere acquistati online: vanno comprati direttamente presso le sedi delle mostre.

Aperto tutti i giorni dalle 9.00 alle 19.00
Aperto anche 1 novembre, 8, 25 e 26 dicembre, 1 e 6 gennaio

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Aperture serali straordinarie

31 ottobre, 8 dicembre, 4 e 5 gennaio fino alle 22.30;
31 dicembre fino alle 23.30

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Informazioni e prenotazioni
tel. 0532 244949 | diamanti@comune.fe.it

Con circa 200 fotografie in bianco e nero stampate in diversi formati, la rassegna ospitata dai Musei San Domenico di Forlì attraversa l’intera carriera del fotografo siciliano e si sviluppa lungo un articolato percorso narrativo, costruito su diversi capitoli e varie modalità di allestimento.

Ferdinando Scianna è uno tra i più grandi maestri della fotografia non solo italiana. Ha iniziato ad appassionarsi a questo linguaggio negli anni Sessanta, raccontando per immagini la cultura e le tradizioni della sua regione d’origine, la Sicilia. Il suo lungo percorso artistico si snoda attraverso varie tematiche – l’attualità, la guerra, il viaggio, la religiosità popolare – tutte legate da un unico filo conduttore: la costante ricerca di una forma nel caos della vita. In oltre 50 anni di racconti non mancano di certo le suggestioni: da Bagheria alle Ande boliviane, dalle feste religiose - esordio della sua carriera - all’esperienza nel mondo della moda, iniziata con Dolce & Gabbana e Marpessa. Poi i reportage (fa parte dell’agenzia foto giornalistica Magnum), i paesaggi, le sue ossessioni tematiche come gli specchi, gli animali, le cose e infine i ritratti dei suoi grandi amici, maestri del mondo dell’arte e della cultura come Leonardo Sciascia, Henri Cartier-Bresson, Jorge Louis Borges, solo per citarne alcuni.

Avendo deciso di raccogliere in questa mostra la più ampia antologia dei suoi lavori fotografici, con la solita e spiccata autoironia, Ferdinando Scianna, in apertura del percorso espositivo, sceglie un testo di Giorgio Manganelli: "Una antologia è una legittima strage, una carneficina vista con favore dalle autorità civili e religiose. Una pulita operazione di sbranare i libri che vanno per il mondo sotto il nome dell’autore per ricavarne uno stufato, un timballo, uno spezzatino..."

Ferdinando Scianna del suo lavoro scrive: "come fotografo mi considero un reporter. Come reporter il mio riferimento fondamentale è quello del mio maestro per eccellenza, Henri Cartier-Bresson, per il quale il fotografo deve ambire ad essere un testimone invisibile, che mai interviene per modificare il mondo e gli istanti che della realtà legge e interpreta. Ho sempre fatto una distinzione netta tra le immagini trovate e quelle costruite. Ho sempre considerato di appartenere al versante dei fotografi che le immagini le trovano, quelle che raccontano e ti raccontano, come in uno specchio. Persino le fotografie di moda le ho sempre trovate nell’azzardo degli incontri con il mondo."

Biglietti

intero: 13.50€ 
ridotto Card Musei Metropolitani Bologna: 10€ 

Arte, magia ed esoterismo sono i protagonisti della mostra che Palazzo Roverella ospiterà dal 29 settembre 2018 al 27 gennaio 2019.

Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con l’Accademia dei Concordi ed il Comune di Rovigo e curata da Francesco Parisi, l’esposizione ripercorre i rapporti tra le correnti esoteriche in voga tra il 1880 e gli anni immediatamente successivi al primo conflitto mondiale e la loro influenza sulle arti figurative europee, dal movimento simbolista alle successive avanguardie storiche. 

Tra gli artisti in mostra: Odilon Redon, Paul Ranson, Eugene Grasset, Jean Delville, Felicien Rops, Austin Osman Spare, Paul Sérusier, Alberto Martini, Carlos Schwabe, Wassily Kandinsky, Auguste Rodin, Edvard Munch, Frantisek Kupka, Giorgio Kienerk, Leonardo Bistolfi, Ferdinand Hodler, Albert Trachsel, Mikalojus Constantitnas Ciurlionis, Hugo Höppener (Fidus), Peter Behrens, Bruno Taut, Ernesto Basile, Paul Klee, Johannes Itten, Luigi Russolo, Willelm Morgner, Kazimir Malevič, Gaetano Previati, George Frederic Watts, Giacomo Balla, Piet Mondrian, Frantisek Kupka, Romolo Romani.

Orari

Feriali 9.00-19.00
Sabato e festivi 9.00-20.00
Aperta 7 giorni su 7

Biglietti

Intero: 12 €
Ridotto Card Musei Metropolitani: 8 €

Arriva per la prima volta a Bologna un’importante retrospettiva sull’opera di Alphonse Mucha, uno tra i più grandi interpreti dall’Art Nouveau. Dal 29 settembre 2018 al 20 gennaio 2019 le sale settecentesche di Palazzo Pallavicini faranno da cornice a 80 tra le più celebri opere dell’artista ceco, di cui 27 esposte per la prima volta in Italia.

La mostra, organizzata da Chiara Campagnoli, Rubens Fogacci e Deborah Petroni della Pallavicini srl in collaborazione con Mucha Foundation e con la curatela di Tomoko Sato, pone uno sguardo inedito sull’opera del grande artista.

Alphonse Mucha (1860-1939) fu uno dei più celebrati e influenti artisti della Parigi fin-de-siècle, conosciuto ai più per le sue grafiche, come i cartelloni teatrali realizzati per l’attrice ‘superstar’ Sarah Bernhardt e le sue immagini pubblicitarie con donne eleganti ed attraenti. Mucha creò un suo stile ben definito – le style Mucha – caratterizzato da composizioni armoniose, forme sinuose, riferimenti alla natura e colori pacati, che divenne sinonimo dell’emergente stile decorativo del periodo, l’Art Nouveau.

Nonostante il potente impatto del suo stile, però, poco si è mai saputo delle idee sull’arte e l’estetica all’origine del suo lavoro. Il percorso espositivo, dal titolo Alphonse Mucha, esamina gli aspetti teorici delle sue opere, soprattutto il concetto di bellezza, principio centrale della sua arte.

Con circa 80 opere, selezionate tra quelle della Fondazione Mucha, la mostra include alcuni tra i più iconici lavori dell’artista, poster e cartelloni del suo periodo parigino, e getta inoltre uno sguardo al linguaggio artistico con cui Alphonse Mucha espresse il suo nazionalismo una volta ritornato nella sua patria negli ultimi anni della sua vita.

Orari di apertura

Aperto da giovedì a domenica dalle 11.00 alle 20.00
Chiuso il lunedì, martedì e mercoledì.

La biglietteria chiude 1h prima (ore 19 ultimo ingresso)

Biglietto d'ingresso

Intero: euro 13,00 
Ridotto per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna: 9 € anziché 13 €

I biglietti delle mostre con la riduzione Card Musei non possono essere acquistati online: vanno comprati direttamente presso le sedi delle mostre.

La Fondazione MAST espone oltre 250 immagini storiche e contemporanee di 65 artisti di tutto il mondo sul tema Industria e Lavoro: Gabriele Basilico, Luca Campigotto, Mario De Biasi, Robert Doisneau, Vincent Fournier, David Goldblatt, Jacqueline Hassink, Lewis Hine, Rudolf Holtappel, Emil Hoppé, Mimmo Jodice, Peter Keetman, Dorothea Lange, Helen Levitt, Winston Link, Don McCullin, Tina Modotti, Ugo Mulas, Alexey Titarenko, Jakob Tuggener.

La nuova mostra, a cura di Urs Sthael, propone una riflessione, a più voci, sul tema della velocità che caratterizza l’attuale società globale. Il pendolo simboleggia questo moto perenne del mondo e dei suoi abitanti nello spazio e nel tempo. Il suo oscillare è sinonimo di cambiamenti improvvisi d’opinione, di convinzioni che si ribaltano nel loro esatto contrario. Inoltre, la sua immagine evoca il traffico pendolare, i milioni di persone che la mattina presto per lavoro raggiungono il centro delle città e la sera tornano stanche ai loro quartieri dormitorio. Ma il pendolo è anche un simbolo valido per i traffici in genere, per quel perenne scambio di merci a fronte di altre merci, di denaro, di promesse.
La mostra illustra visivamente le energie contrastanti e diametralmente opposte che si sprigionano da questi due fenomeni: da una parte la forza prorompente dei motori, l’enorme accelerazione, i mezzi di trasporto trasformati in feticcio del nostro tempo e dall’altra il rallentamento, la brusca, violenta frenata, il blocco dei flussi di persone che migrano.

Orari di apertura
Martedì - Domenica 10.00 - 19.00

Ingresso libero

Foto: Mimmo Jodice 
Napoli, Manifestazione a Piazza Garibaldi, 1967
Stampa ai sali d’argento, 19,3 x 29 cm
© Mimmo Jodice

La mostra presenta al pubblico, per la prima volta, il ricco corpus di opere entrate nella collezione della Raccolta Lercaro grazie alla donazione disposta nel 1997 dall’artista Sandro Cherchi (Genova 1911-1998) e, successivamente, dalla moglie Anna.

Oltre a disegni, incisioni, ceramiche e vetri realizzati dall’artista stesso, il nucleo comprende opere della sua collezione privata: due splendidi disegni su carta di Marino Marini, una cera graffita di Felice Casorati, una fragile quanto preziosa ceramica smaltata di Lucio Fontana, seguita da un grande foglio di carta ancora “impastato” di argilla su cui sono tracciati studi e bozzetti per sculture diverse. Poi ancora, un carboncino di Ennio Morlotti, diversi disegni di Mino Maccari, al confine tra umorismo vignettistico e satira, un delicatissimo ritrattino femminile di Pietro Marussig, una natura morta su carta di Giuseppe Santomaso, due litografie di Pablo Picasso, una di Jean Dubuffet, e un’altra di Virgilio Guidi, un olio di Piero Ruggeri e un lavoro di Emilio Scanavino. Infine, due opere antiche: un’icona e un disegno a penna su carta del XVIII secolo. Ad eccezione di queste ultime, che testimoniano l’ampio respiro degli interessi figurativi di Cherchi, tutte le altre opere provengono dalle ricerche di artisti a lui coetanei e riflettono la rete di relazioni che lo circondava. Si tratta, infatti, di lavori entrati nella sua casa e nel suo studio grazie a quello scambio di pezzi che è prassi costante fra intellettuali che si stimano e che hanno occasione, anche per un breve periodo, di lavorare insieme. Una raccolta che assume un particolare significato culturale in quanto testimonianza non solo delle frequentazioni dello scultore ligure, della ricchezza e della continuità dei suoi rapporti artistici, ma anche della vivacità del clima culturale che, nel dopoguerra, ha caratterizzato quell’ampio “triangolo” territoriale compreso tra Milano, Torino e Genova in cui Cherchi ha lavorato.

Sandro Cherchi, artista interessante, avvia la propria attività di scultore a Genova, ma nel 1936 si trasferisce a Milano, dove conosce Renato Birolli, Giacomo Manzù, Bruno Cassinari, Giuseppe Migneco, Aligi Sassu, Duilio Morosini, Raffaele De Grada ed Ernesto Treccani, con i quali entra a far parte del gruppo Corrente. Nel 1942, in pieno conflitto, ritorna nella sua città natale e inizia ad interessarsi alla lavorazione plastica della ceramica su stimolo di Lucio Fontana, che lo invita ad Albisola. Da questo momento e fino alla fine della vita la ceramica rimarrà una costante nella sua ricerca artistica. A metà del secolo si verifica, lentamente, un’evoluzione del suo linguaggio espressivo, che procederà sempre più verso la bidimensionalità della pittura e che troverà il suo apice negli anni Sessanta, quando Cherchi si trasferirà a Torino per insegnare all’Accademia Albertina. Qui, immerso in un ambiente culturale che sta vivendo una stagione sperimentale giocata tra arte informale e “poverismo”, egli allarga ulteriormente la rete dei suoi contatti. La sua collezione oggi esposta in mostra è testimonianza di quell’atmosfera vivacissima, connotata da scambi, commistioni tra politica, spettacolo, critica e impegno culturale, e animata dal ruolo attivo delle gallerie d’arte.

Mostra a cura di Andrea Dall’Asta SJ

Mercoledì 3 ottobre 2018, ore 18 > inaugurazione mostra

Orari di apertura
giovedì e venerdì, 10-13
sabato e domenica, 11-18.30
Il 4 ottobre (San Petronio) e il 1° novembre il museo resterà aperto con orario ordinario

Ingresso libero

Il museo Magi‘900 di Pieve di Cento dedica una mostra a quelle ricerche artistiche meno note che affiancarono sottotraccia le correnti artistiche più spiccatamente rivoluzionarie degli anni ‘60.

L’esposizione è a cura di Valeria Tassinari.

Nell’immaginario di tutti l’arte internazionale degli anni Sessanta parla di sperimentazione e reazione all’eredità del passato. Ma, se è vero che ovunque tra Stati Uniti e Europa si sono espressi nuovi modi di concepire la visione e il rapporto arte e vita, è innegabile che la cesura rispetto all’eredità del dopoguerra non fu sempre radicale e che, rispetto ai fenomeni più noti, ve ne furono molti altri, rimasti nell’ombra ma non meno rappresentativi di quel clima.

Se dunque da un lato si vuole porre l’accento sugli anni ’60 come fucina della sperimentazione, dall’altro si vuole anche sottolineare come - in particolare nel contesto italiano - si sovrapposero ricerche molto differenti, talvolta persino conservatrici.

Attraverso una ricognizione nella sua vasta collezione, il MAGI’900 rilegge e mette in relazione tra loro tutte le opere realizzate in quel mitico decennio, in un’esposizione a tema che esplora senza pregiudizi gli aspetti della ricerca artistica, per sottolineare la varietà dei percorsi e degli intenti che caratterizzavano il ricchissimo fermento culturale di un momento in cui gli artisti e gli intellettuali si misero al centro della società, tra esplorazioni, contraddizioni e ripensamenti.

A cinquant’anni dal ’68, considerato per antonomasia l’anno della ribellione e della provocazione ma anche del boom economico e del potere della fantasia portato nella quotidianità, questo allestimento vuole sottolineare la polifonia delle voci che, per gruppi o singolarmente, ora contribuisce a farci rileggere il fermento di quel periodo con curiosità e rinnovata attenzione.

In occasione della mostra saranno organizzati eventi collaterali e incontri di approfondimento interdisciplinare su temi di cultura, economia e costume.

Ingresso libero

Il Museo Civico Archeologico di Bologna ospita le opere dei due più grandi Maestri del Mondo Fluttuante: Katsushika Hokusai (1760-1849) e Utagawa Hiroshige (1797-1858).

La mostra espone, per la prima volta in Italia, una selezione straordinaria di circa 250 opere provenienti dal Museum of Fine Arts di Boston.

Il progetto di mostra, diviso in 6 sezioni tematiche, curato da Rossella Menegazzo con Sarah E. Thompson, è una produzione MondoMostre Skira con Ales S.p.A Arte Lavoro e Servizi in collaborazione con il Museo di Boston, promosso dal Comune di Bologna | Istituzione Bologna Musei e patrocinato dall’Agenzia per gli Affari Culturali del Giappone, dall’Ambasciata del Giappone in Italia e dall’Università degli Studi di Milano.

L’esposizione prosegue le iniziative avviate nel 2016 per il 150° anniversario delle relazioni bilaterali Italia‐Giappone.

Gli anni trenta dell’Ottocento segnarono l’apice della produzione ukiyoe nota come Immagini del Mondo Fluttuante. In quel periodo furono realizzate le serie silografiche più importanti a firma dei maestri che si confermarono come i più grandi nomi dell’arte giapponese in Occidente.

Tra questi spiccò da subito Hokusai, artista e personalità fuori dalle righe che seppe rappresentare con forza, drammaticità e sinteticità insieme i luoghi e i volti, oltre che il carattere e le credenze della società del suo tempo. Egli è considerato uno dei più raffinati rappresentanti del filone pittorico dell’ukiyoe.

Più giovane di circa vent’anni rispetto a Hokusai, Hiroshige divenne un nome celebre della pittura ukiyoe poco dopo l’uscita delle Trentasei vedute del monte Fuji del maestro grazie a una serie, nello stesso formato orizzontale, che illustrava la grande via che collegava Edo (l’antico nome di Tokyo) a Kyoto. 

Per gli abbonati Card Musei Metropolitani ingresso ridotto al prezzo speciale di 7€ invece che 14€ 

Una nuova mostra temporanea va ad arricchire il percorso espositivo permanente del MUV, che espone al pubblico sia reperti di eccellenza provenienti dagli scavi di Marano di Castenaso, fra cui la famosa Stele delle spade del VII sec. a.C., sia la ricostruzione di una capanna villanoviana in dimensioni reali e completamente arredata, che campeggia nel giardino del Museo.

La mostra Oggetti dal quotidiano: un giorno all’interno di un villaggio villanoviano rappresenta per il visitatore un viaggio nel tempo fino alla prima età del Ferro italiana e si pone come integrazione ideale alla visita guidata alla capanna villanoviana.

In esposizione attrezzi e utensili legati sia ad attività femminili per eccellenza, come la filatura, la tessitura, la preparazione, la conservazione e la cottura dei cibi, sia a pratiche tipiche del genere maschile, come l’agricoltura, l’allevamento, la caccia e la pesca. Si tratta di un’importante occasione per ospitare al MUV una ricca selezione di materiali emersi da scavi di abitato, solitamente poco esposti nei musei, provenienti dall’Etruria padana e non solo, così da permettere un confronto con le coeve civiltà dell’Italia centro-meridionale.

Il percorso di visita è incentrato su alcuni reperti di grandi dimensioni collocati su una pedana al centro della sala: tre doli, ovvero tre grandi vasi ceramici di forma sferica, utilizzati per immagazzinare provviste alimentari come cereali e legumi tostati ed essiccati, ed un anello di terracotta pertinente alla camicia di un pozzo. Attorno a questi reperti di grandi dimensioni, posizionati al centro della stanza e fuori dalle vetrine, sono disposte le teche con gli strumenti e gli utensili relativi alle attività tipiche di una giornata all’interno di un villaggio villanoviano. 

La mostra, che resterà aperta fino al 9 giugno 2019, arricchisce e qualifica il percorso museale del MUV, favorendo dal punto di vista didattico la conoscenza di usi e costumi di questo remoto aspetto culturale della prima Italia, tipico dell'area bolognese e non solo. Affiancheranno la mostra e la consueta attività didattica sia le visite guidate a tema per gruppi di adulti, sia i percorsi laboratoriali rivolti alle scuole, incentrati sulla capanna, sui Villanoviani in generale e sulle tematiche affrontate nell’esposizione, includendo approfondimenti specifici sulle attività domestiche.

Inaugurazione
sabato 13 ottobre 2018 - ore 16.30
saluti istituzionali
visita guidata alla mostra
brindisi

domenica 14 ottobre
ingresso gratuito con visite guidate alle ore 16 e 17

La mostra è stata realizzata dal Comune di Castenaso in collaborazione con altre istituzioni.

Orari di apertura
martedì e domenica: 15.30-18.30; dal mercoledì al sabato: 9.00-13.00

Ingresso gratuito per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Nello spazio espositivo della Project Room il MAMbo presenta VHS + video/animazione/televisione e/o indipendenza/addestramento tecnico/controllo produttivo 1995/2000.

Il progetto espositivo, nato da un'idea di Saul Saguatti (Basmati Film) e Lucio Apolito (Opificio Ciclope) con la curatela di Silvia Grandi e realizzato in collaborazione con il Dipartimento di Arti dell'Università di Bologna, si configura come un dispositivo di pulsazioni audio-visive che nascono dall’ibridazione di differenti linguaggi, formati e pratiche di comunicazione video sperimentata in Italia tra il 1995 e il 2000.

Venti anni circa durò il regno del VHS e venti anni circa ci separano da quel periodo in cui si verifica una simultaneità di produzioni a tecnica mista con un ricorrente confluire di performativo, videografica e mixed media. In quei nastri accumulati sugli scaffali e ormai obsoleti, oltre ai Bellissimi di Rete 4, alle partite di Italia ‘90, ai film de l’Unità, ci sono anche contenuti originali, il sogno elettronico di una stagione in cammino tra l’analogico e il digitale.

Montaggi video che raccontano un metodo produttivo, un esito estetico, un’utopia collettiva a bassi formati, bassa fedeltà e con tecnologie giocattolo; testimoniano come si lavorava con l’hardware ormai estinto e i primordi del software, iniziando un faticoso discorso tra simili e un difficile dialogo con la televisione allora imperante.

La produzione del periodo esorbita dall’autorialità individuale per estendersi a una dimensione collettiva, costituendosi in gruppi indipendenti di ricerca media-culturali che diventano veri e propri marchi come Opificio Ciclope, Fluid Video Crew, Ogino Knauss, Otolab e Sun Wu Kung di cui la mostra documenta i peculiari approcci espressivi.

In un mondo ancora senza bacheche, chat, social media e YouTube, questi laboratori pionieristici hanno materialmente costruito schermi di proiezione nelle loro rispettive residenze - Link Project a Bologna, Forte Prenestino a Roma, CPA ExLonginotti a Firenze, Garigliano e Pergola a Milano – sviluppando fucine creative sintonizzate con le coeve sperimentazioni più avanzate a livello europeo.

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 4,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Anna Di Prospero (Roma, 1987) è un'artista appena trentenne, formatasi a New York, che sta riscuotendo continui successi: ha vinto due tra i maggiori premi mondiali di fotografia, e di recente Concita De Gregorio l'ha scelta per la controcopertina del suo libro “Chi sono io?”. Il famoso autoritratto in cui è abbracciata alla madre è stata l'immagine della mostra “L'altro sguardo” alla Triennale di Milano, e un altro suo autoritratto è stato scelto come immagine della stessa mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma. A CUBO espone alcune opere della nota serie degli autoritratti familiari e altre della serie delle architetture contemporanee, in cui dove la figura esile e sinuosa di Anna si relaziona con edifici di architettura contemporanea di tutto il mondo.

Visita guidata per abbonati Card Musei: giovedì 8 novembre ore 17.30. Prenotazione qui

Orari di apertura

A 100 anni dalla fine del primo conflitto mondiale, la mostra intende presentare i risultati del progetto La Grande Guerra a Bologna tra Storia e Memoria, realizzato grazie al contributo della Presidenza del Consiglio dei Ministri: l’implementazione del portale www.storiaememoriadibologna.it, volto a creare e rendere accessibile a tutti gli utenti web una memoria collettiva, cittadina e nazionale sugli avvenimenti legati al primo conflitto mondiale, con particolare riferimento alla memoria dei caduti bolognesi.

All’interno della mostra, sarà possibile esplorare il modello 3D del Lapidario della Basilica di Santo Stefano, così come si presentava nell'anno dell'inaugurazione (1925), con 64 lapidi poste all'interno del chiostro recanti i nomi dei 2.536 caduti del Comune di Bologna.

Sono poi esposti documenti e cimeli originali relativi alla città di Bologna, normalmente non visibili al pubblico, che l'implementazione del portale www.storiaememoriadibologna.it ha permesso di fare conoscere e contestualizzare, riproducendone le immagini e raccontandone la storia: manifesti di propaganda dei prestiti nazionali, recentemente restaurat; fotografie di guerra provenienti da archivi pubblici e privati, e i tanti ritratti dei caduti rinvenuti nel corso dei lavori.

Visite guidate

domenica 21 ottobre 2018 h 11, domenica 4 novembre 2018 h 11, sabato 10 novembre 2018 h 11, domenica 25 novembre 2018 h 11, domenica 9 dicembre 2018 h 11, domenica 20 gennaio 2019 h 11

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Ducati ospita nel proprio Museo a Borgo Panigale “Road Map”, una mostra temporanea dedicata a Leopoldo Tartarini e Giorgio Monetti con l’esposizione delle due moto originali con cui fecero il giro del mondo sessant’anni or sono, nel 1957-1958.

Un’impresa incredibile quella di Monetti e Tartarini, soprattutto se si pensa alla modalità del viaggiare, ai supporti logistici e tecnologici disponibili oggi che non erano disponibili allora. Dall’Europa al medio ed estremo Oriente, dagli sterminati deserti australiani alla Nuova Zelanda, dalle foreste dell’Amazzonia alle vette delle Ande e all’Africa Sahariana, Tartarini e Monetti hanno aiutato Ducati a promuovere il marchio e a costruire una rete di concessionari nelle nazioni dove la casa di Bologna non era ancora conosciuta.

La mostra con le due moto originali che compirono il giro del mondo sarà visitabile nel Museo Ducati fino al 7 gennaio 2019. Per informazioni sulle tariffe e gli orari del Museo è possibile consultare il sito del Museo

Biglietto ridotto per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani

Per la realizzazione di Most Were Silent Anush Hamzehian e Vittorio Mortarotti hanno trascorso, tra aprile e maggio 2016, più di un mese ad Alamogordo, in New Mexico. In questa assolata e sonnolenta cittadina alle propaggini del deserto della Jornada del Muerto, nulla sembra oggi evocare il ricordo di eventi bellici. Eppure è qui, nel segreto di una base militare, che l’energia atomica venne usata per la prima volta come strumento di distruzione. L’esplosione avvenne il 16 luglio 1945 e nulla sarebbe più stato come prima. “We knew the world would not be the same” disse Robert Oppenheimer, il fisico a capo dello sviluppo della prima bomba nucleare, che proseguì l’intervista riportando le reazioni dei suoi colleghi del Manhattan Project, un ricordo da cui gli artisti traggono il titolo della mostra: “A few people laughed, a few people cried, most people were silent”. In questo scenario storico e geografico, Alamogordo è la città più vicina al luogo dove ebbe inizio l’era atomica nella sua potenza distruttiva (Hiroshima e Nagasaki) e dissuasiva (guerra fredda). Dal territorio che ha fatto da sfondo a questo evento epocale, gli artisti fanno partire la riflessione che affronta i temi atavici della violenza umana e della memoria storica. Temi che nel corso dei millenni sono stati indagati da ogni forma di espressione intellettuale (arti visive, letteratura, giornalismo) e che gli artisti affrontano da una prospettiva inaspettata e profonda. Alle immagini in mostra sono infatti affiancati video d’archivio, oggetti e brevi documentari realizzati dal duo artistico; i riferimenti tra i contenuti sono indiretti e rimandano ad altre sfere sensoriali ed emotive, ricreando nuove prospettive, evitando la rincorsa alla verità ma mantenendo ben salda l’onestà del racconto.

incontro con gli autori: sabato 27 ottobre, ore 18

28 ottobre ore 12: visita guidata alla mostra condotta dagli autori. Evento gratuito con prenotazione obbligatoria su EventBrite (cliccare qui ).

AFTER PARTY: 27 ottobre 2018, ore 21, presso il nuovo spazio di produzione artistica "Spazio Labo' | Zanolini". Evento gratuito con prenotazione obbligatoria (cliccare qui).

In occasione dell’inaugurazione verrà presentato il libro Most Were Silent (Skinnerboox,
2018) da cui la mostra trae la sua origine. 

Orari di apertura:
lunedì-venerdì, 11-13 e 15-19

La Fondazione MAST, per il novantacinquesimo anniversario di G.D, una delle aziende storiche del Gruppo Coesia, presenta una mostra che ne racconta la lunga e affascinante vicenda industriale attraverso una ricca documentazione di immagini e filmati d’epoca provenienti dai propri archivi aziendali. Con un intervento di ricerca e di raccolta di documenti eseguito dallo staff di Kinè e Home Movies e con l’allestimento di Urs Stahel, viene offerto al pubblico uno spaccato, attraverso quasi un secolo di storia, non solo di una singola impresa, ma di un intero territorio che emerge in primo luogo dalle lastre fotografiche di vetro, protagoniste indiscusse della mostra: esposte nella loro veste migliore, retroilluminate e circondate dalle stampe a cui hanno dato origine. Filmati d’epoca, motorini degli anni trenta, una sfavillante videoinstallazione immersiva a 360°, un ciclorama che partendo dal singolo ingranaggio conduce il visitatore in un viaggio dentro le macchine G.D e nella straordinaria capacità e competenza di chi le progetta e le produce. Sulle pareti del cilindro che contiene la visone ciclorama, il wall painting di centoventi metri quadri, che riprende in grande formato la tecnica utilizzata per scontornare i negativi delle lastre originali dell’archivio fotografico di G.D: un omaggio all’operosità degli scontornatori e fotoritoccatori del passato, inconsapevoli pittori.

Completano il percorso espositivo, le proiezioni di due filmati istituzionali, commissionati in quegli stessi anni dall’azienda, che narrano il decennio tra gli anni ’60 e’70: l’ingresso e la specializzazione nel packaging del tabacco, l’avvento dell’elettronica, l’inizio del ricambio generazionale, nel contesto di un’Italia che stava vivendo uno dei suoi periodi più complessi e turbolenti. Il tutto rappresenta una traccia tangibile dei vari passaggi tecnologici, produttivi, strategici nella vita di una azienda radicata nel territorio dell’Emilia Romagna, che è stata una delle prime a dare inizio alla Packaging Valley ed è divenuta nei decenni una protagonista del mercato mondiale.

ln questi materiali, oggetto di una lungo lavoro di ricerca, di inventariazione, di digitalizzazione e di conservazione, le macchine G.D storiche presentano l’aspetto di oggetti eleganti, distribuiti nei grandi spazi della fabbrica e accudite da signori e signore che non mostrano nessun segno di alienazione.

Immagini che documentano un mondo esatto, dove ogni particolare riveste un ruolo essenziale: la luce che circola negli spazi e si riflette nelle cromature delle macchine sembra echeggiare la bellezza sobria degli ambienti borghesi dove il lavoro viene considerato un concetto con tratti nobili.

La storia di G.D inizia a Bologna in una piccola officina, produttrice di motocicli, dove l’azienda muove i primi passi nei difficili anni tra il 1920 e il 1930, supera la guerra e grazie al coraggio, alla determinazione e alla lungimiranza di Enzo e Ariosto Seràgnoli entra nel packaging - un settore che meglio di altri cavalca il boom economico italiano grazie alla forte richiesta di involucri leggeri, resistenti e colorati - fino ad approdare all’industria globalizzata dei giorni nostri.

La mostra si articola in un percorso espositivo ricco e multiforme composto di immagini, visioni e documenti per recuperare la memoria e portare alla luce dimensioni del lavoro che sfuggono normalmente alla rappresentazione ma da cui potranno nascere riflessioni, quesiti, confini, dimensioni per provare a sognare o a raffigurare il futuro.

Orari di apertura
Martedì - Domenica 10.00 - 19.00

Ingresso libero

Il riallestimento di una parte delle Collezioni Comunali d’Arte, necessaria per consentire lavori alle coperture di Palazzo d’Accursio, è stata trasformata in un’occasione per accostare diversamente le opere del museo e per farle dialogare in un percorso tematico.

Attraverso i soggetti cari alla cultura figurativa dei secoli passati, si racconta il cambiamento dal XIII al XVIII secolo dell’uso della figura umana nell’arte occidentale, per narrare sia l’essenza del divino, sia la vita e i sentimenti quotidiani. Nell’esposizione si alternano le sale dedicate ai due aspetti, mettendo in mostra la ricca collezione di sculture e di dipinti medievali, le preziose tavole di Francesco Francia, Amico Aspertini e Luca Signorelli, le tele di Prospero Fontana, Ludovico Carracci, Guido Cagnacci, Donato Creti, Gaetano Gandolfi, Pelagio Palagi.

Il Medioevo ricorre alla rappresentazione del corpo per dare un’identità alla dimensione religiosa nelle sue differenti manifestazioni (Padre Eterno, Cristo, la Vergine, i santi), mentre nel Rinascimento il corpo rappresentato in modo naturalistico diviene fondamentale per dare un volto alla santità e facilitare la divulgazione della dottrina cattolica.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Visite guidate

sabato 10 novembre h 16.30, domenica 18 novembre h 16.30, domenica 25 novembre h 10.30, domenica 16 dicembre h 16.30, sabato 22 dicembre h 10.30, sabato 12 gennaio h 10.30, giovedì 17 gennaio h 17, giovedì 7 febbraio h 17, domenica 24 febbraio h 10.30

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

La mostra riscopre una selezione dell'archivio fotografico lasciato da Umberto Bonfini, medico condotto a Grizzana, che ebbe occasione di frequentare Giorgio Morandi.

Bonfini nasce a Pisa nel 1918. Arriva a Grizzana Morandi alla fine degli anni ‘40, per esercitare la sua professione di medico-chirurgo. In questo paese Bonfini conosce Giorgio Morandi. Le frequentazioni amichevoli tra i due avvicinano Bonfini alla pittura morandiana, propedeutica di quella che sarà la sua vera arte: la fotografia.

Bonfini infatti s’interessa al mondo della fotografia solo dopo la morte di Morandi, iniziando a ritrarre composizioni di oggetti ispirate alle nature morte del maestro bolognese. Successivamente Bonfini si sposta a Lagaro, paesino limitrofo a Grizzana, per esercitare la professione di medico e vi resterà fino alla sua scomparsa, il 10 agosto 1980.

Bonfini amava la fotografia e ne era riamato, i premi, le pubblicazioni contenenti le sue immagini riempivano la sua casa e il suo studio medico. Le sue fotografie dai significati a volte cupi, ermetici, provocatori, erano pronte ad apparire nelle mostre di tutto il mondo. Fu membro onorario dei foto club di Buenos Aires, Forlì e Modigliana. Ha esposto in circa 600 mostre nazionali ed estere, ottenendo oltre un centinaio di riconoscimenti in tutto il mondo.

Il regista Claudio Spottl, curatore della mostra, racconta che le foto di Bonfini sono state da sempre appese alle pareti della casa del nonno paterno. Ha così avuto la fortuna di ereditare diverse delle sue opere e con gli anni ha operato una vera e propria organizzazione dell’archivio Bonfini, riuscendo a ricostruirne la storia.

Dopo un lavoro di ricerca, durato dieci anni, le fotografie di Umberto Bonfini sono oggi pronte per essere riviste, dopo più di 40 anni di silenzio, in una mostra carica di emozioni.

Orari di apertura

fino al 6 gennaio:
sabato h 14-16
domenica h 11-13
venerdì su appuntamento h 14-16

dall’11 gennaio al 3 febbraio
solo su prenotazione nelle seguenti giornate: venerdì e sabato h14-16; domenica: h 11-13

L’esposizione presenta al pubblico una parte significativa delle collezioni del Museo Indiano cittadino, inaugurato nel palazzo dell'Archiginnasio nel 1907, grazie alla compartecipazione delle autorità comunali e universitarie, e chiuso nel 1935, in seguito alla morte del suo fondatore, Francesco Lorenzo Pullè.

Il nome del Museo lascia immaginare la presenza di raccolte unicamente legate al panorama artistico e culturale dell'India, ma in realtà le collezioni si componevano di materiali provenienti da India, Cina e Giappone, oggi conservati presso il Museo Civico Medievale e il Museo di Palazzo Poggi, che collabora all'iniziativa con alcuni prestiti. Particolare rilievo è dato alla presenza di statue del pantheon buddhista himalayano e cinese, così come alla ricchissima collezione fotografica, che risulta essere una delle più cospicue e dettagliate raccolte di riproduzioni riferite all'arte del Gandhara presente in Europa e, con tutta probabilità, nel mondo, superando per importanza analoghe collezioni depositate presso il British Museum e il Victoria & Albert Museum.

L'esposizione ha quindi l'obiettivo di presentare il ricco patrimonio di materiali di matrice buddhista disponibili, compresi alcuni importanti oggetti recentemente restaurati, senza dimenticare di considerare le espressioni artistiche della cultura hindu propria dell'India.

Visite guidate

sabato 24 novembre h 10.30, domenica 2 dicembre h 16.30, sabato 15 dicembre h 10.30, mercoledì 19 dicembre h 17, domenica 30 dicembre h 16.30

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

La prima mostra monografica di Francesco Cattani è un tentativo di sbrogliare l’intricato percorso artistico di uno degli autori più rilevanti del fumetto italiano contemporaneo. Il lavoro di Cattani si snoda lungo gli spazi della Pinacoteca Nazionale di Bologna – che ospitano anche la mostra di Mat Brinkman – , attraverso sequenze di tavole, da leggere come se i muri fossero pagine di fumetto, poi schizzi, bozzetti e illustrazioni, piccole finestre aperte sul caos ordinato da cui nascono le storie dell’autore.
Oltre a svelare il suo processo creativo e l’evoluzione del suo stile nel corso del tempo, la mostra dà spazio ai nodi tematici su cui Cattani torna a insistere di storia in storia: l’amore e la lotta, la violenza e il sesso, il lavoro e la quotidianità, la dimensione reale e quella onirica dell’esistenza. E il rapporto con l’acqua, l’idea dell’immersione come azione concreta – un tuffo nel mare – e come simbolo – una discesa nell’inconscio.

In collaborazione con Coconino Press – Fandango.

Orari di apertura
da martedì a domenica dalle 10 alle 19

Dal 1995 al 2001, Brinkman ha partecipato all’esperienza del Fort Thunder: uno spazio occupato nella città di Providence da cui si è irradiato un profondo mutamento nella scena musicale e visiva nordamericana.
Nel campo del fumetto, l’estetica Fort Thunder proponeva una terza via tra l’avventura dei comics e la letterarietà esibita del graphic novel, che in quegli anni raggiungeva il suo apice creativo. Gli artisti di Providence guardavano all’art brut, alle derive americane del surrealismo, alla cultura del videogioco, alla musica contemporanea come alle derive del punk: un’avanguardia che univa alla raffinata sperimentazione visiva un approccio ludico e iconoclasta al riuso dell’immaginario pop.
Dei suoi colleghi di Fort Thunder, Mat Brinkman è il più sfuggente, tanto da rifiutare per anni di ristampare i propri libri o esporre le sue opere. Fino a oggi.
La personale inaugurata a BilBOlbul è il ritorno sulla scena artistica di Brinkman, nonché la sua prima mostra retrospettiva in assoluto.
Un percorso che nasce nel profondo dell’underground, e che arriva a contaminare le gallerie d’arte, da un lato, e l’intrattenimento di massa dall’altro ( serie di successo come Adventure Time dichiarano esplicitamente il loro debito con  Brinkman).

In collaborazione con Coconino Press – Fandango.

Orari di apertura
da martedì a domenica dalle 10 alle 19

Se c’è un maestro della costruzione di mondi fantastici, quello è Jack Kirby, tra i principali edificatori dell’immaginario popolare contemporaneo e artista dall’inconfondibile identità stilistica. Non solo ha creato, da solo o in coppia con lo sceneggiatore Stan Lee, i supereroi degli attuali blockbuster cinematografici e televisivi, ma la forza visionaria dei suoi disegni, insieme all’originale commistione di fantascienza, tecnologia e temi sociali delle sue storie, ha influenzato generazioni di artisti e scrittori.

Mostri, uomini, dei  è un modo per offrire ai lettori italiani di Jack Kirby uno sguardo inedito sulla carriera del “King of comics” e porre l’accento sulla complessità del suo lavoro, al confine tra slancio visionario e stilemi del pop.
Nel momento in cui le creazioni di Jack Kirby riaffermano con forza la loro influenza sull’immaginario mainstream (basti pensare al successo dei blockbuster cinematografici dedicati ai supereroi), è importante sottolineare il suo genio di artista visionario, capace di trascendere gli stilemi del pop e lasciare un segno indelebile nella cultura (non solo fumettistica) del presente.

Inaugurazione sabato 24 novembre ore 12.00

Orario: dal lunedì al sabato 10.00-19.00
Domenica 25 novembre apertura straordinaria 10.00-19.00
Chiuso dal 24 dicembre 2018 al 2 gennaio 2019

La mostra è parte della XII edizione di BilBOlbul Festival Internazionale di Fumetto. Un progetto speciale sostenuto da Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, Unicredit.

Martedì 4 dicembre alle ore 17,30 visita guidata alla mostra riservata agli abbonati Card Musei Metropolitani (dettagli)

Ad un anno dalla sua riapertura al pubblico dopo l’intervento di restauro finanziato da Regione Emilia-Romagna e Comune di Bologna, il Padiglione de l’Esprit Nouveau ospita la mostra PHOENIX. Il Padiglione de l’Esprit Nouveau tra ricostruzione e restauro curata da Maria Beatrice Bettazzi, Jacopo Gresleri e Paolo Lipparini con l’alta consulenza di Giuliano Gresleri.

L’esposizione, allestita su progetto dell’architetto Jacopo Gresleri, offre allo spettatore la possibilità di ripercorrere la storia della costruzione dell’edificio, una replica - fedele in ogni dettaglio - del prototipo di unità abitativa che l’architetto Le Corbusier aveva proposto a Parigi nel 1925 in occasione dell’Exposition des Arts Decoratifs et Industriels Modernes, poi demolito a conclusione dell’evento.

All’interno del Padiglione sono esposti i progetti, i disegni, le immagini e le testimonianze che documentano il processo di realizzazione di quella che è l’unica opera del maestro svizzero-francese presente in Italia, dall’ideazione e studio alle varie fasi di lavoro.

I disegni, provenienti dal Fondo dell’Archivio Storico dell’Università di Bologna e da quello privato del professor Giuliano Gresleri, mettono in luce il processo di ricerca alla base della ricostruzione e della scelta di tutti i dettagli - infissi, porte, pavimenti e colori -, ai quali Le Corbusier dedicava particolare attenzione, in una visione di spazio cromatico e funzionale in costante rapporto tra interno ed esterno.

In esposizione alcuni materiali della Collezione Cassina dell’Archivio Storico di Cassina a Meda, i plastici eseguiti dagli allievi dell’Atelier di Giuliano Gresleri alla Syracuse University e l’eccezionale allestimento di volumi storici provenienti dalla Collezione Gresleri, dedicati in particolare alle tematiche dell’alloggio a basso costo, delle cromie architettoniche e della didattica dell’architettura.

Sono visibili anche filmati originali del 1977 in cui illustri protagonisti del mondo dell’architettura italiana dialogano sulle specificità del Padiglione, primo edificio nella storia dell’architettura ad introdurre un grande elemento vegetale all’interno della costruzione, e sull’importanza della sua ricostruzione.

Orari di apertura

sabato e domenica h 15-17

Alle h 15 del sabato e della domenica è possibile partecipare ad una visita guidata a cura del Dipartimento educativo MAMbo (su prenotazione, tel. 051 6496611).

Amandine Meyer, illustratrice e fumettista francese, è creatrice di strambi universi, giardini dell’Eden in versione pop, colorati ed eccessivi, in cui i protagonisti, nella quasi totalità bambine e bambini, si confondono con la natura in un gioco di metamorfosi costante.

La mostra Mosca Cieca, realizzata in occasione di BilBOlbul e prodotta con il sostegno di Fondazione Nuovi Mecenati, è un’occasione per scoprire un’artista che merita di essere conosciuta per la sua visione fresca e controversa dell’infanzia, ma anche per scoprire i suoi libri, ancora introvabili in Italia.

Entrare dentro la mostra di Amandine Meyer vuol dire fare un passo nel suo giardino lussurioso e pop, abitato da bambine perturbanti e colorate, bambini senza volto, piante carnivore e goffi animaletti. E una volta dentro, rimanere invischiati nell’universo seducente di Meyer è un attimo: i colori pastello, le decorazioni eleganti, l’estetica un po’ kitsch dei suoi personaggi invitano a guardare con occhi bambini, a smettere di farsi domande, lasciarsi andare e giocare. Tra dadi, pedine e caselle tra cui saltare, infatti, la mostra stessa diventa un gioco.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

La raccolta di oltre 70 fotografie a colori (8 maxi macro), realizzate da Alberto Jona Falco, accompagnano in viaggio il visitatore lungo la penisola, alla scoperta del patrimonio architettonico ebraico. Da nord a sud, da occidente a oriente le sinagoghe italiane si svelano, attraverso lo sguardo appassionato e curioso di chi ha avuto il privilegio di poter sostare e contemplare quei meravigliosi luoghi. Arricchisce il viaggio immaginario del visitatore non solo di una testimonianza storica e documentale dei più importanti siti ebraici del nostro paese, ma dell’espressione artistica più vitale dell’ebraismo italiano. Le immagini che regala al visitatore l’occhio fotografico di Alberto Jona Falco mostrano sinagoghe, arredi, oggetti legati alle feste e alla vita familiare capaci di far rivivere storie, tradizioni, vicende di personaggi e gruppi di persone, che raccontano aspetti della storia del nostro paese da una prospettiva tanto più interessante quanto meno nota.

Catalogo Marsilio, Guida all’Italia ebraica (2003), di Annie Sacerdoti e Alberto Jona Falco

Per visite guidate anche con l’autore: info@museoebraicobo.it

Una mostra fatta di sguardi contro ogni forma di discriminazione, con 40 grandi ritratti del fotografo americano Steve McCurry – scattati tra Oriente, sud e centro America – che raccontano l’unicità di ogni individuo e il rispetto per la vita, che non ha colore.

India, Tibet, Pakistan, Afghanistan, Cuba: le fotografie di Steve McCurry ritraggono una serie di volti in cui riconoscersi al di là di confini e barriere. Fotografie che educano alla conoscenza e alla visione senza pregiudizi dell’altro, per salvaguardare il patrimonio delle differenze tra le culture nel mondo. Perché è proprio la cultura l’unico mezzo per salvarci in quanto esseri umani.

Da qui il titolo della mostra che, parafrasando uno dei valori cardine del cooperare, ossia la parità di ciascuno nel prendere decisioni, lo ripropone nei termini universali dell’equità: una testa, un voto diventa così Una testa, un volto, il pensiero e i tratti che rendono ogni persona irripetibile. E che, coniugati al plurale, generano una comunità che produce il domani.

La mostra realizzata in occasione della prima Biennale della Cooperazione italiana è promossa dall’Alleanza delle Cooperative italiane, il coordinamento delle centrali Confcooperative, Legacoop e Agci, in collaborazione con Istituzione Bologna Musei.

A cura di SudEst 57 e Biba Giacchetti, con Monica Fantini e Fabio Lazzari, scenografie di Peter Bottazzi, video di Matteo Lolletti e Juan Martin Baigorria per Sunset Comunicazione, grafica di Nicola Lazzari, allestimenti di Sistema Lab.

L’attività didattica e di mediazione culturale è a cura dei Servizi educativi dell'Istituzione Bologna Musei, in collaborazione con “Senza titolo” Srl.
Informazioni e prenotazioni: biglietteria Collezioni Comunali d'Arte (tel. 051 2193998, negli orari di apertura della mostra).

Orari di apertura:

da martedì a domenica h 10-18.30 (chiusura biglietteria h 18)
apertura straordinaria: lunedì 24 dicembre e Capodanno
Chiuso: lunedì e Natale

Ingresso € 10,00 intero / € 8,00 e € 5,00 ridotto (mostra + museo)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso ridotto € 5,00

Visite guidate:

> mercoledì 5 dicembre h 17
> venerdì 7 dicembre h 17
> mercoledì 12 dicembre h 17
> venerdì 14 dicembre h 16
> giovedì 27 dicembre h 16 e h 17
> venerdì 28 dicembre h 16 e h 17
> mercoledì 2, giovedì 3 e venerdì 4 gennaio h 16 e h 17
Ingresso: € 4,00 + biglietto mostra

La mostra, Il mondo delle meraviglie, è articolata in due sezioni distinte ma coordinate, I monumenti della storia universale di J.B. Fischer von Erlach, a cura di Marco Folin e Monica Preti, allestita in Archiginnasio e Antonio Basoli e J.B. Fischer von Erlach, visitabile presso l'Accademia di Belle Arti di Bologna fino al 19 gennaio e curata da Marco Folin, Eleonora Frattarolo e Monica Preti.

L'esposizione ruota intorno all'esemplare posseduto dalla Biblioteca dell'Archiginnasio di un'opera celebre: il Saggio di un'architettura storica (Entwurff einer historischen Architectur, 1725) dell'architetto austriaco Johann Fischer von Erlach (1656-1723), uno dei maggiori esponenti del barocco viennese.

Inaugurazione giovedì 29 novembre:
alle ore 16.30 verrà inaugurata, con una visita dei curatori Marco Folin e Monica Preti, Il mondo delle meraviglie. I monumenti della storia universale di J.B. Fischer von Erlach, allestita in Archiginnasio

alle ore 18, presso l'Accademia di Belle Arti di Bologna, sarà inaugurata la sezione Il mondo delle meraviglie. Antonio Basoli e J.B. Fischer von Erlach con visita guidata dei curatori Marco Folin, Eleonora Frattarolo e Monica Preti.

Orari mostra nella biblioteca dell’Archiginnasio:
dal 30 Novembre 2018 al 3 Marzo 2019
lunedì - sabato: 9>19; domenica: 10>14
8, 26, dicembre, 6 gennaio: 10>19; 1° gennaio: 14>19; 24 e 31 dicembre: chiusura ore 18. 25 dicembre: chiuso

ingresso libero

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Villa delle Rose ospita la mostra monografica Whatever They Do May It All Turn Out Wrong di Dina Danish & Jean-Baptiste Maitre, a cura di Giulia Pezzoli.

Il duo artistico, vincitore dell'edizione 2018/2019 del Programma di Residenze ROSE e ospite della Residenza per Artisti Sandra Natali, ha realizzato nuove opere concepite per gli spazi di Villa delle Rose.

Il titolo della mostra, un'antica maledizione che gli artisti hanno scelto giocando sulla linea dell'equivoco interpretativo, sintetizza il loro interesse per l'ambiguità dei codici linguistici e per la riapproprazione e alterazione di forme espressive acquisite da storia e da tradizioni culturali differenti. Attraverso un voluto slittamento temporale, spaziale e funzionale, Dina Danish & Jean-Baptiste Maitre creano nuove associazioni di significati e nuove connessioni con il presente.

Orari di apertura

venerdì h 14-18
sabato e domenica h 12-18

Ogni domenica dalle h 14 alle 18 mediazione culturale alla mostra a cura del Dipartimento educativo MAMbo.

La sala grande del Museo della Sanità e dell’Assistenza e l’attiguo Oratorio secentesco ospitano Felsina Antiquaria II. Dipinti, disegni, sculture, oggetti d’arte, la mostra curata da Pietro Di Natale e organizzata dall’Associazione Antiquari Bolognesi Confcommercio Ascom Bologna.
Sono esposte cinquanta opere concesse da sette antiquari bolognesi: Antichità Santoro, Bottegantica Milano-Bologna, Fondantico di Tiziana Sassoli, Galleria Antichità all’Oratorio, Galleria Antiquaria Giovanni Asioli Martini, Galleria d’Arte del Caminetto, Maurizio Nobile Bologna-Paris.

La ricca selezione di dipinti, disegni, sculture e oggetti consente al visitatore di compiere un viaggio nella storia dell’arte non solo locale, dal Quattrocento alla metà del Novecento e al contempo di avvicinarsi all’affascinante mondo dell’antiquariato e del collezionismo.

La scelta delle opere in mostra riflette la cultura e il gusto di ciascun antiquario che, se da un lato si profila quale interprete di un commercio dettato da sensibilità e intuito, dall’altro svolge una funzione pedagogica nei confronti del mercato e del collezionismo, apportando un decisivo contributo nella formazione di raccolte private. La mostra, di carattere esclusivamente culturale, è dunque un’occasione per riflettere sul mestiere del mercante d’arte che, oltre a requisiti indispensabili quali mobilità e conoscenza, deve possedere quell’istinto, maturato anche attraverso l’esperienza, che gli permette di riconoscere la differenza fra un capolavoro e un’opera minore.

Gli antiquari che partecipano alla mostra raccontano la propria storia – e le proprie predilezioni, che li hanno portarti a specializzarsi in un determinato settore – attraverso le opere messe a disposizione del pubblico, “tesori” che hanno ricercato, inseguito, scovato, studiato, acquisito, custodito e, sopratutto, amato.

Orari: da martedì a domenica ore 10.00-19.00 (ultimo ingresso un’ora prima della chiusura)

Aperture Museo e Oratorio durante le festività natalizie 2018
Sabato 8 dicembre: ore 10.00 – 19.00
Lunedì 24 dicembre: ore 10.00 – 16.00
Martedì 25 dicembre: ore 10.00 – 19.00
Mercoledì 26 dicembre: ore 10.00 – 19.00
Lunedì 31 dicembre: ore 10.00 – 16.00
Martedì 1 gennaio: ore 10.00 – 19.00
Domenica 6 gennaio: ore 10.00 – 19.00
 

Ingresso incluso nel biglietto Museo e Oratorio:
intero € 6
ridotto € 4

Ingresso ridotto € 4 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Giovanni Paolo Bedini. Il fascino della spensieratezza 1844-1924, a cura di Giuseppe Mancini, è la prima grande antologica focalizzata sull’intera produzione dell’artista emiliano. Presenta circa sessanta opere di provenienza pubblica e privata, a cui verranno affiancati i dipinti di maestri contemporanei a lui vicini, con l’intento di mettere in luce non solo il percorso artistico del singolo ma di offrire un più ampio “spaccato” del suo tempo.
Quella di Giovanni Paolo Bedini fu un’arte allegra e vivace, molto apprezzata dalla critica e lontana da qualsiasi retorica romantica, che maturò le sue peculiarità nel filone del gusto neo-rococò e medio borghese. Lavoratore instancabile, Bedini realizzò moltissime opere tra dipinti ad olio e acquerelli che trovarono largo mercato sia in Italia che all’estero.
L’artista si formò all'Accademia di Belle Arti di Bologna, dove si distinse per la sua versatilità aggiudicandosi premi in Architettura (1863), Decorazione e Figura (1864), Prospettiva (1865), Pittura (1866), Figura delle statue e Anatomia (1867).
I suoi esordi risalgono al 1867, quando presentò due opere alla II Esposizione triennale delle Accademie dell’Emilia. In seguito partecipò alle esposizioni di Torino (1872), Genova (1876), Firenze (1877) e Milano (1876, 1893, 1895, 1906).
Dapprima avviato alla pittura di tema storico, ben presto la abbandonò per dedicarsi alla rappresentazione della quotidianità più spensierata: le opere, caratterizzate da un tocco spedito ed efficace, si popolano di figure piene di vita, dai colori gioiosi e modellate con cura, spesso ambientate nei secoli passati, con una particolare predilezione per il XVIII secolo.
Artista ormai affermato, nel 1894 Bedini fu chiamato a coprire la cattedra di Elementi di figura presso l'Accademia bolognese e, tra il 1907 e il 1922, fu docente e Capo di Istituto presso la Scuola Professionale per le Arti Decorative di Bologna.

La mostra inaugura sabato 1 dicembre alle ore 17.30 presso la Sala d’Ercole di Palazzo d’Accursio a Bologna ed è aperta al pubblico dal 2 dicembre 2018 al 3 febbraio 2019.

Orari: martedì, mercoledì, giovedì, sabato e domenica dalle ore 10.00 alle ore 18.30 e venerdì dalle 15 alle 18.30. Lunedì chiuso.

Ingresso gratuito

Una collaborazione fra Accademia di Belle Arti e ANPI Bologna
A cura di Mili Romano e Gino Gianuizzi

Attraverso una serie di incontri e ricerche di archivio, passeggiate e interviste, ascoltando e rielaborando le storie di chi c’è ancora, in un dialogo continuo fra l'Accademia e la città, i giovani artisti allievi del laboratorio di arte pubblica Dalla rappresentazione all’azione si sono misurati con la storia della Resistenza a Bologna, e con due temi rimasti un po’ in ombra: la presenza e l’azione della stampa clandestina e il ruolo in essa delle donne.
La memoria, riattualizzata attraverso i linguaggi artistici più diversi, non soltanto fa riemergere dall’oblio tracce dimenticate ma si propaga, come un’onda di energia, anche negli spazi pubblici della città. Dal 5 dicembre alle azioni e alle opere presenti nelle sale dell’Istituto Parri faranno eco una serie di segni, effimeri e permanenti, e alcuni cartelli stradali nelle aree verdi antistanti le Biblioteche di Bologna e dell’area metropolitana che hanno aderito al progetto.
Segni di Resistenza sarà attivo fino a giugno 2019 con altri interventi artistici e sempre nuove adesioni e coinvolgimenti.
Interventi di Francesca Acerbi, Sara Ayesa, Roberta Cacciatore, Alessandra Carta, Matteo Alessandro D'Antona, Ana Ferriols Montanana, Gabriella Presutto, Margherita Tony Raponi.

Orari:
lunedì-venerdì: 15.30-18.30
sabato: 10-13

Inaugurazione mercoledì 5 dicembre ore 17

Ingresso libero

In occasione del cinquantesimo anniversario del Sessantotto studentesco, il Museo Europeo degli Studenti ha dedicato a questo tema un percorso espositivo all’interno delle sue sale. Il filo conduttore della mostra è legato all’espansione planetaria del movimento che, oltre a diffondersi nello spazio geografico, funse da volano a una serie di proteste e rivendicazioni sviluppatesi in parallelo al di fuori dell’Università.

Il movimento, nato originariamente a metà degli anni Sessanta negli Stati Uniti in opposizione alle discriminazioni razziali e alla guerra in Vietnam, raggiunse la sua massima espansione nel 1968 nell’Europa occidentale, col suo apice nel Maggio francese.

Se le università furono indubbiamente il contesto di formazione del movimento, di fatto la contestazione fuoriuscì ben presto da campus e atenei per attraversare luoghi di lavoro, città, istituzioni culturali e altri spazi ancora. Documenti, libri, foto, audio e video presentati all’interno del percorso espositivo intendono rendere conto della straordinaria estensione territoriale raggiunta dalla contestazione, coinvolgendo svariati contesti sociali.

L’esposizione, curata da Maria Teresa Guerrini e Marica Tolomelli, è stata realizzata dal Sistema Museale di Ateneo in collaborazione con il Dipartimento di Storia Culture Civiltà e con l'Archivio Storico dell’Università di Bologna.

Orari di apertura
da mercoledì a venerdì: 10.00 - 13.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 - 18.00

chiusure: 24 e 25 dicembre, 1 gennaio, 1 maggio

Biglietti
Intero: 5€
Card Musei Metropolitani: 3€

Gratuito: studenti Unibo; 0-6 anni

Come avviene da oramai più di dieci anni, i Musei Civici d’Arte Antica realizzano al Museo Davia Bargellini una mostra dedicata al presepio tradizionale, in collaborazione con il Centro Studi per la Cultura Popolare.

Quest’anno l’esposizione – organizzata insieme ai Musei Civici di Genova e curata da Mark Gregory D’Apuzzo, Simonetta Maione e Giulio Sommariva con l’apporto di Fernando e Gioa Lanzi – presenta al pubblico due presepi di straordinaria importanza, provenienti dal Museo Giannettino Luxoro, databili fra la seconda metà e la fine del XVIII secolo, che consentono al visitatore di porre a confronto due tradizioni artistiche diverse, entrambe molto significative nella produzione di questo particolare tipo di scultura, generalmente di destinazione domestica, di ridotte dimensioni, ma di grande pregio.

Il primo, in legno interamente intagliato e policromato, è datato al 1763, anno riportato sotto una base, unitamente alla scritta “Neue”, forse riconducibile alla firma di un ignoto artefice o ad un committente/proprietario. Propone una rara tipologia di figure da presepe genovesi, prossima alla tradizione delle grandi casse processionali diffuse in tutto il territorio dell’antica Repubblica di Genova. Se più ricorrente è infatti la tipologia di statuette di dimensioni fra i 30 e i 50 cm di altezza, gli esemplari che compongono l’insieme in mostra, di piccole dimensioni (fra i 15 e i 20 cm), costituiscono una rarità non solo per la tecnica utilizzata, ma anche per la completezza del gruppo, con la Sacra Famiglia, l’asino, il bue e figure maschili e femminili di pastori.

Il secondo invece è composto da statuette di dimensioni decisamente superiori, intagliate in legno, ma rivestite poi di abiti in stoffa, finemente cuciti, ricamati e rifiniti, e accessoriate con dettagli di preziosa manifattura: straordinarie le figure del corteo dei Magi, una vera parata di potenti in miniatura, che dovevano manifestare la ricchezza dei loro aristocratici proprietari, committenti e collezionisti.

La mostra è quindi l’occasione per conoscere più a fondo le caratteristiche della tradizione presepiale genovese, le sue specificità tecniche, le tipologie dei suoi “figuranti”, le identità dei suoi più abili artefici.

A differenza della produzione presepiale napoletana, in cui le statuette sono costituite da manichini con la testa in terracotta dipinta, le estremità preferibilmente in legno, l’anima di ferro dolce e il riempimento di stoffa, poi debitamente abbigliate con costumi e accessori veri, le figure sia del presepe bolognese che genovese sono interamente realizzate in un unico materiale: alla modellazione in terracotta della plastica bolognese si sostituisce tuttavia la scultura in legno, evidentemente un materiale di più facile reperibilità nell’ambiente e nelle colline genovesi.

Visite guidate

sabato 8 dicembre h 10.30, giovedì 13 dicembre h 17, martedì 18 dicembre h 17, sabato 22 dicembre h 16.30, mercoledì 26 dicembre h 15.30 e h 16.30, domenica 6 gennaio h 10.30, sabato 12 gennaio h 16.30, domenica 20 gennaio h 16.30

La mostra, organizzata da Fondazione Carisbo e Genus Bononiae – Musei nella città, in collaborazione con Eredi Bonvicini, è un omaggio all’esercito di fumetti più famoso al mondo, le Sturmtruppen che quest’anno compiono appunto 50 anni di vita.

Era il 1968 quando Bonvi, al secolo Franco Bonvicini, presentò la prima striscia delle sue Sturmtruppen a Lucca vincendo il premio di Paese Sera come miglior esordiente.

Il materiale esposto a Palazzo Fava, oltre 250 opere originali, tutte messe a disposizione dall’Archivio Bonvicini e in gran parte inedite, illustra i meccanismi creativi della striscia italiana più famosa al mondo, mostrandone lo spirito caustico sempre attuale.

Orari: da martedì alla domenica ore 10.00-20.00
La biglietteria chiude un’ora prima della chiusura del Palazzo

Orari di apertura nelle festività natalizie:
Sabato 8 dicembre ore 10.00 – 20.00
Lunedì 24 dicembre ore 10.00 – 16.00
Martedì 25 dicembre ore 10.00 – 20.00
Mercoledì 26 dicembre ore 10.00 – 20.00
Lunedì 31 dicembre ore 10.00 – 16.00
Martedì 1 gennaio ore 10.00 – 20.00
Domenica 6 gennaio ore 10.00 – 20.00

Sono previste visite guidate e iniziative per famiglie e adulti. Scopri tutte le proposte dei servizi educativi nelle sezioni dedicate.

Info biglietti

Biglietto ridotto € 6 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Il Premio Fabbri per l'arte, ideato in occasione del centenario dell'azienda, è una manifestazione triennale a cui dal 2005 hanno partecipato artisti di fama internazionale che hanno realizzato opere con tecniche e mezzi espressivi vari. Il legame con l'arte nasce fin dai primi anni di vita della Fabbri: è il fondatore stesso, Gennaro Fabbri, a commissionare a un ceramista il celebre vaso bianco e blu diventato icona aziendale. Un legame, quello con l'arte, che si rinnova negli anni '60, l'epoca del Carosello, con un "Pittore alla settimana", una serie di filmati pubblicitari in cui artisti emergenti, tra i quali anche un giovanissimo Guttuso, vengono ripresi nell'intento di creare le loro opere.  Una tradizione di mecenatismo che si rinnova nel tempo assumendo connotati moderni.

Diciannove artisti in gara per la sesta edizione del Premio, interamente dedicata alla fotografia e curata da Nino Migliori, hanno interpretato e raccontato la storia, la tradizione, le simbologie dell'azienda conosciuta nel mondo per la celebre Amarena Fabbri, celebrando così, ciascuno a suo modo, i 13 anni e un secolo di un dolce mito italiano.

La mostra è realizzata in collaborazione tra "Fabbri 1905" e Polo Museale Emilia Romagna - Pinacoteca Nazionale di Bologna.

Orari di apertura: dal martedì alla domenica  9:00 - 19:00. Chiuso lunedì

Nell’ambito delle Celebrazioni Rossiniane 2018 del Conservatorio di Musica Giovan Battista Martini "L’inquilino di Strada Maggiore e Piazza Rossini - Rossini a Bologna nel 150° della scomparsa" la Biblioteca di San Giorgio in Poggiale ospita la mostra Da Parigi a Bologna: in viaggio con Liszt e Rossini.

Il percorso espositivo mostra documenti d’archivio, provenienti dalla Fondazione Istituto Liszt e da San Giorgio in Poggiale, come le due lettere autografe di Listz e Rossini, e 25 pannelli che raccontano i viaggi di Liszt che, giovanissimo, parte da Vienna, passando per Parigi fino al suo arrivo in Italia: il focus della mostra sarà incentrato sul soggiorno bolognese del 1838 e sul rapporto di amicizia con Rossini.

Per tutta la durata della mostra sono previste visite guidate, conferenze, concerti.

Mostra ed eventi sono a cura di Rossana Dalmonte, Emanuela Marcante, Daniele Tonini.

Sabato 15 dicembre 2018 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 15.30, visita guidata con i curatori
ore 17.00, Rossana Dalmonte, Rossini - Liszt: un’amicizia imprevedibile?

Domenica 16 dicembre 2018 – Istituto Liszt, via Righi 30
ore 17.00, concerto di Alessandro Commellato, pianoforte. Musiche di Rossini e Liszt

Sabato 22 dicembre 2018 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00,  Maurizio D’Alessandro e Claudia Colombati, Liszt ad Albano

Domenica 23 dicembre 2018 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Carla Bernardini, Liszt a Bologna: Santa Cecilia e la musica. Con Emanuela Marcante e Daniele Tonini

Sabato 29 dicembre 2018 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Emanuela Marcante, Incontro con Marie D’Agoult, compagna di Liszt: una viaggiatrice europea tra arte e politica. Con Anna Zareba

Domenica 30 dicembre 2018 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 15.30, visita guidata
ore 17.00, Daniele Tonini, Rossini e Liszt: due talenti precoci? Immagini e narrazioni

Sabato 5 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, visita guidata alla mostra a cura di Fausta Molinari

Domenica 6 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Nicolas Dufetel, Liszt e Rossini tra opera e chiesa

Sabato 12 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Angelo Mazza, Viaggiatori d’arte in Italia: la quadreria della famiglia Sampieri

Domenica 13 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Luca Baccolini, Viaggiare nella Bologna di ieri e di oggi: le tracce di Liszt e Rossini e della loro musica

Mercoledì 16 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Pierangelo Bellettini e Daniela Schiavina, Viaggiare in San Giorgio in Poggiale con Liszt e Rossini: storia, archivi, arte. Con Emanuela Marcante e Daniele Tonini

Sabato 19 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 15.30, Mariateresa Storino, A passeggio per Pisa con Liszt

Sabato 19 gennaio 2019 - San Colombano-Collezione Tagliavini, via Parigi 5
ore 17.00, concerto di Costantino Catena, pianoforte. Musiche di Liszt e Rossini
nell’ambito di Pomeriggi musicali a San Colomabno

Domenica 20 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Alessandro Taverna, Improvvisazione e rapsodia: atlante musicale e filosofico seguendo Liszt

Mercoledì 23 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Jadranka Bentini e Piero Mioli, Viaggiare in San Giorgio in Poggiale con Liszt e Rossini: storia, archivi, arte. Con Emanuela Marcante e Daniele Tonini

Sabato 26 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 17.00, Elena Musiani e Mirtide Gavelli, Donne, intellettuali, artiste: viaggio tra le protagoniste della storia, dell’arte e della politica tra Parigi e Bologna. Con un intervento di Emanuela Marcante su Marie d’Agoult

Domenica 27 gennaio 2019 - Biblioteca di San Giorgio in Poggiale
ore 16.30, Bianca Maria Antolini e Annalisa Bini, Il magistero pedagogico di Liszt: da Parigi a Roma

Domenica 27 gennaio 2019 - San Colombano-Collezione Tagliavini, via Parigi 5
ore 18.00, concerto di Paola Mazzoli, mezzosoprano e di Carlo Mazzoli, pianoforte. Musiche di Liszt e Rossini
nell’ambito di Pomeriggi musicali a San Colomabno

Giovedì 31 gennaio 2019 - Museo della Musica, strada Maggiore 34
ore 17.00, Rossana Dalmonte, Emanuela Marcante, Daniele Tonini, Alla fi ne del viaggio. Parole e musica sul pianoforte Pleyel di Gioachino Rossini

Orario apertura mostra:
lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì ore 9-13
martedì ore 9-17
sabato e domenica ore 15-30-18.30
mercoledì 16 e 23 gennaio 2019 ore 16-19