Bologna Agenda Cultura

La mostra, a cura di Federico Macchi, espone legature di produzione bolognese dal XV al XX secolo di particolare pregio e interesse. Tra le centinaia di esemplari inediti, presenti nella Biblioteca dell’Archiginnasio, sono stati scelti alcuni volumi che esemplificano l’evoluzione dei manufatti lungo un arco temporale di sei secoli, rivelando la persistenza del modello bolognese e di alcune sue specifiche caratteristiche.

La mostra coincide con la conclusione di un importante lavoro di censimento realizzato - in collaborazione con alcune bibliotecarie dell'Archiginnasio - da Federico Macchi, uno dei più noti studiosi italiani di storia della legatura e, in questo caso, anche curatore della mostra. Sono state censite, fotografate e descritte ben 1.650 legature provenienti da centri di produzione italiani e stranieri: tutto il materiale - a partire dall'inaugurazione della mostra - sarà disponibile nella banca dati online Legature storiche, che consentirà di effettuare ricerche per data, area geografica e parole comprese nei commenti descrittivi.

Nata per proteggere e conservare il blocco cucito di carte, membranacee prima, cartacee poi, la legatura rende il libro unico e irripetibile: frutto del paziente e faticoso lavoro del legatore, introduce nell’atmosfera di un’epoca o nella vita di un personaggio; prodotto artistico, simbolo di appartenenza sociale. La Biblioteca ha avviato nel 2016 il censimento, condotto da Federico Macchi tra i suoi oltre novecentomila volumi per identificare tutti gli esemplari con legature storiche di pregio.

Presentazione e inaugurazione lunedì 25 marzo alle ore 12

orari mostra

dal 25 Marzo al 23 Giugno 2019

• lunedì - sabato: 9>19; domenica: 10>14

Federico Macchi (1959), bibliofilo, specializzato nello studio delle legature, inizia nel 1994 il censimento delle legature realizzate nei secoli X-XX, di interesse per la storia della legatura presenti nelle maggiori biblioteche milanesi (Brera, Sormani, Università Cattolica, Trivulziana), successivamente esteso prima a quelle lombarde, poi a quelle emiliane (Estense di Modena, Palatina di Parma, Panizzi di Reggio Emilia e Passerini Landi di Piacenza. Per Bologna il suo ha censito le legature della Biblioteca dell’Archiginnasio e ha in corso il censimento presso la Biblioteca Universitaria.
É autore di un centinaio di pubblicazioni fra articoli e cataloghi a stampa e online e di numerosi interventi in convegni in Italia e all’estero.

Informazioni Biblioteca dell'Archiginnasio Tel. 051 276811

ingresso libero

All’interno della rasssegna Il mondo delle meraviglie

Apre a San Lazzaro di Savena la Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, una nuova istituzione privata italiana che nasce sulla base di un archivio storico dedicato alla cultura italiana del XX secolo, avviato a New York nel 1984 dai suoi fondatori, Massimo e Sonia Cirulli e che oggi conta una collezione di alcune migliaia di pezzi.

Contestualmente all’apertura dello spazio inaugura la mostra Universo Futurista, a cura di Jeffrey T. Schnapp e Silvia Evangelisti, focalizzata sul nucleo della collezione dedicato a questo periodo storico (1909 -1939) su cui non cessa di rinnovarsi l’attenzione degli studiosi, attraverso mostre e pubblicazioni, e del pubblico. La mostra presenta una selezione di opere dalla collezione della Fondazione Cirulli e pone l’accento su tematiche centrali dell’estetica futurista come l’inno alla vitalità creativa, alla giocosità e alla fantasia di un’arte che rallegra il mondo ricreandolo integralmente, riprendendo le parole del Manifesto “Ricostruzione Futurista dell’Universo” redatto nel 1915 da Giacomo Balla e Fortunato Depero. L’estetica futurista muove i suoi passi da un nuovo modo di concepire la creazione artistica, che supera i confini delle arti tradizionali e coinvolge la vita quotidiana nella sua totalità per diventare “arte totale”, creando un legame strettissimo tra arte e vita.

Universo Futurista approfondisce questa nuova concezione estetica attraverso l’accurata selezione di dipinti, sculture, oggetti di design, disegni progettuali, fotografie e fotomontaggi, manifesti pubblicitari e documenti autografi di ogni genere realizzati da artisti futuristi dal 1909 fino alla fine degli anni ‘30 del Novecento.

Attraverso una straordinaria varietà di opere della Fondazione Cirulli, il percorso espositivo propone "ambientazioni" dedicate a tematiche care ai futuristi come la velocità, l’energia, il progresso, l’uomo meccanizzato e il design domestico.

Come spiega lo studioso americano Jeffrey T. Schnapp, co-curatore della mostra, il progetto non segue un’impostazione storico-artistica tradizionale ma propone “un percorso esplorativo attraverso l’abbondanza e la molteplicità dei materiali conservati nella collezione della Fondazione, evidenziando raggruppamenti, costellazioni, ritmi diversi di opere e variazioni di misura dal grande al piccolo, dal pieno al vuoto”.

In mostra un nucleo di oltre 200 opere realizzate in diversi materiali, forme e misure create da artisti quali Balla, Boccioni, Bonzagni, Bucci, Casarini, Chiattone, D’Albisola, Depero, Diulgheroff, Guerrini, Korompay, Licini, Marchi, Marinetti, Masoero, Munari, Prampolini, Russolo, Schawinsky, Sant’Elia, Sironi, Tato, Thayaht.

Orari:

Apertura al pubblico
sabato e domenica ore 11-20 (ultimo ingresso ore 19.00)

Gruppi prenotazione obbligatoria
martedì-domenica
(le visite sono possibili anche in orari diversi da quelli di apertura al pubblico. Contattare direttamente la segreteria per informazioni).

Per prenotazioni: info@fondazionecirulli.org

Biglietti
Intero € 10,00

Ridotto € 8,00
Gruppi da 10 fino a 20 persone
Visitatori over 65
Card Musei Metropolitani Bologna

Ridotto € 5,00
Gruppi da 21 a 25 persone
Studenti dai 6 ai 18 anni
Studenti universitari con tessera in corso di validità
Scolaresche

Ingresso gratuito per Card Arte Fiera e ridotto € 5 per possessori biglietto Arte Fiera

Sconto del 10% sul costo del catalogo per i possessori della Card Musei Metropolitani.

Foto tratta da Artribune

Una nuova mostra temporanea va ad arricchire il percorso espositivo permanente del MUV, che espone al pubblico sia reperti di eccellenza provenienti dagli scavi di Marano di Castenaso, fra cui la famosa Stele delle spade del VII sec. a.C., sia la ricostruzione di una capanna villanoviana in dimensioni reali e completamente arredata, che campeggia nel giardino del Museo.

La mostra Oggetti dal quotidiano: un giorno all’interno di un villaggio villanoviano rappresenta per il visitatore un viaggio nel tempo fino alla prima età del Ferro italiana e si pone come integrazione ideale alla visita guidata alla capanna villanoviana.

In esposizione attrezzi e utensili legati sia ad attività femminili per eccellenza, come la filatura, la tessitura, la preparazione, la conservazione e la cottura dei cibi, sia a pratiche tipiche del genere maschile, come l’agricoltura, l’allevamento, la caccia e la pesca. Si tratta di un’importante occasione per ospitare al MUV una ricca selezione di materiali emersi da scavi di abitato, solitamente poco esposti nei musei, provenienti dall’Etruria padana e non solo, così da permettere un confronto con le coeve civiltà dell’Italia centro-meridionale.

Il percorso di visita è incentrato su alcuni reperti di grandi dimensioni collocati su una pedana al centro della sala: tre doli, ovvero tre grandi vasi ceramici di forma sferica, utilizzati per immagazzinare provviste alimentari come cereali e legumi tostati ed essiccati, ed un anello di terracotta pertinente alla camicia di un pozzo. Attorno a questi reperti di grandi dimensioni, posizionati al centro della stanza e fuori dalle vetrine, sono disposte le teche con gli strumenti e gli utensili relativi alle attività tipiche di una giornata all’interno di un villaggio villanoviano. 

La mostra, che resterà aperta fino al 9 giugno 2019, arricchisce e qualifica il percorso museale del MUV, favorendo dal punto di vista didattico la conoscenza di usi e costumi di questo remoto aspetto culturale della prima Italia, tipico dell'area bolognese e non solo. Affiancheranno la mostra e la consueta attività didattica sia le visite guidate a tema per gruppi di adulti, sia i percorsi laboratoriali rivolti alle scuole, incentrati sulla capanna, sui Villanoviani in generale e sulle tematiche affrontate nell’esposizione, includendo approfondimenti specifici sulle attività domestiche.

Inaugurazione
sabato 13 ottobre 2018 - ore 16.30
saluti istituzionali
visita guidata alla mostra
brindisi

domenica 14 ottobre
ingresso gratuito con visite guidate alle ore 16 e 17

La mostra è stata realizzata dal Comune di Castenaso in collaborazione con altre istituzioni.

Orari di apertura
martedì e domenica: 15.30-18.30; dal mercoledì al sabato: 9.00-13.00

Ingresso gratuito per gli abbonati Card Musei Metropolitani

L’esposizione presenta al pubblico una parte significativa delle collezioni del Museo Indiano cittadino, inaugurato nel palazzo dell'Archiginnasio nel 1907, grazie alla compartecipazione delle autorità comunali e universitarie, e chiuso nel 1935, in seguito alla morte del suo fondatore, Francesco Lorenzo Pullè.

Il nome del Museo lascia immaginare la presenza di raccolte unicamente legate al panorama artistico e culturale dell'India, ma in realtà le collezioni si componevano di materiali provenienti da India, Cina e Giappone, oggi conservati presso il Museo Civico Medievale e il Museo di Palazzo Poggi, che collabora all'iniziativa con alcuni prestiti. Particolare rilievo è dato alla presenza di statue del pantheon buddhista himalayano e cinese, così come alla ricchissima collezione fotografica, che risulta essere una delle più cospicue e dettagliate raccolte di riproduzioni riferite all'arte del Gandhara presente in Europa e, con tutta probabilità, nel mondo, superando per importanza analoghe collezioni depositate presso il British Museum e il Victoria & Albert Museum.

L'esposizione ha quindi l'obiettivo di presentare il ricco patrimonio di materiali di matrice buddhista disponibili, compresi alcuni importanti oggetti recentemente restaurati, senza dimenticare di considerare le espressioni artistiche della cultura hindu propria dell'India.

Visite guidate

sabato 24 novembre h 10.30, domenica 2 dicembre h 16.30, sabato 15 dicembre h 10.30, mercoledì 19 dicembre h 17, domenica 30 dicembre h 16.30, domenica 13 gennaio h 10.30, sabato 19 gennaio h 10.30, giovedì 11 aprile h 17, mercoledì 21 aprile h 17

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

In occasione del cinquantesimo anniversario del Sessantotto studentesco, il Museo Europeo degli Studenti ha dedicato a questo tema un percorso espositivo all’interno delle sue sale. Il filo conduttore della mostra è legato all’espansione planetaria del movimento che, oltre a diffondersi nello spazio geografico, funse da volano a una serie di proteste e rivendicazioni sviluppatesi in parallelo al di fuori dell’Università.

Il movimento, nato originariamente a metà degli anni Sessanta negli Stati Uniti in opposizione alle discriminazioni razziali e alla guerra in Vietnam, raggiunse la sua massima espansione nel 1968 nell’Europa occidentale, col suo apice nel Maggio francese.

Se le università furono indubbiamente il contesto di formazione del movimento, di fatto la contestazione fuoriuscì ben presto da campus e atenei per attraversare luoghi di lavoro, città, istituzioni culturali e altri spazi ancora. Documenti, libri, foto, audio e video presentati all’interno del percorso espositivo intendono rendere conto della straordinaria estensione territoriale raggiunta dalla contestazione, coinvolgendo svariati contesti sociali.

L’esposizione, curata da Maria Teresa Guerrini e Marica Tolomelli, è stata realizzata dal Sistema Museale di Ateneo in collaborazione con il Dipartimento di Storia Culture Civiltà e con l'Archivio Storico dell’Università di Bologna.

Orari di apertura
da mercoledì a venerdì: 10.00 - 13.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 - 18.00

chiusure: 24 e 25 dicembre, 1 gennaio, 1 maggio

Biglietti
Intero: 5€
Card Musei Metropolitani: 3€

Gratuito: studenti Unibo; 0-6 anni

La mostra, organizzata da Fondazione Carisbo e Genus Bononiae – Musei nella città, in collaborazione con Eredi Bonvicini, è un omaggio all’esercito di fumetti più famoso al mondo, le Sturmtruppen che quest’anno compiono appunto 50 anni di vita.

Era il 1968 quando Bonvi, al secolo Franco Bonvicini, presentò la prima striscia delle sue Sturmtruppen a Lucca vincendo il premio di Paese Sera come miglior esordiente.

Il materiale esposto a Palazzo Fava, oltre 250 opere originali, tutte messe a disposizione dall’Archivio Bonvicini e in gran parte inedite, illustra i meccanismi creativi della striscia italiana più famosa al mondo, mostrandone lo spirito caustico sempre attuale.

Sono previste visite guidate e iniziative per famiglie e adulti. Scopri tutte le proposte dei servizi educativi nelle sezioni dedicate.

Orari di apertura:

da martedì alla domenica ore 10.00-20.00
La biglietteria chiude un’ora prima della chiusura del Palazzo

Info biglietti

Biglietto ridotto € 6 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Il MAMbo presenta la prima personale in un’istituzione museale italiana di Mika Rottenberg, a cura di Lorenzo Balbi.

L’artista di origine argentina, cresciuta in Israele e oggi di base a New York, tra le principali protagoniste della scena contemporanea mondiale, si appropria degli imponenti volumi della Sala delle Ciminiere per animare, attraverso un percorso labirintico senza soluzione di continuità, dieci delle sue più recenti produzioni – oggetti scultorei e installazioni video appositamente costruite - celebri per il loro registro narrativo sarcastico e bizzarro.

Rottenberg utilizza i diversi linguaggi del film, dell'installazione architettonica e della scultura per esplorare le idee di classe, lavoro, genere e valore attraverso immaginifici dispositivi visivi che illuminano le connessioni e i processi nascosti dietro economie globali apparentemente non correlate fra loro.

In occasione della mostra vengono esposti tre nuovi lavori appositamente commissionati da MAMbo in collaborazione con due importanti istituzioni museali europee, Goldsmiths Centre for Contemporary Art London e Kunsthaus Bregenz.

Mostra a cura di Lorenzo Balbi
Promossa da Istituzione Bologna Musei | MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna

Ingresso: gratuito nel weekend di ART CITY Bologna | € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso ridotto € 3,00

Sabato 2 febbraio h 11 Germano Celant in conversazione con Mika Rottenberg.

Visite guidate:

domenica 14 aprile h 16

Orari di apertura:

martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica e festivi h 10-18.30; giovedì h 10-22

La pubblicazione in due volumi del Catalogo ragionato dei dipinti di Sergio Romiti, a cura di Guido Salvatori, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, riaccende l’attenzione sull’artista tragicamente scomparso nel 2000 e sulla donazione delle sue opere, risalente al 2006, da parte della moglie Giovanna Grassi Romiti.

Di qui l’occasione per riproporre l’esposizione di oltre cinquanta opere, tra dipinti e disegni: dalle nature morte alle “composizioni” ai numerosi autoritratti alle riconoscibili striature; esempi di una ricerca che muove da forme picassiane ed evolve nell’osservazione critica della lezione di Morandi con accostamenti all’informale, in una cifra peculiare di sostanziale autonomia rispetto alle correnti artistiche del tempo.

A cura di Angelo Mazza
Promosso da Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna in collaborazione con Genus Bononiae. Musei nella Città

Orario di apertura:

martedì - venerdì ore 15-18; sabato, domenica e festivi ore 10-18

Ingresso gratuito

Installazione unica di una fotografia intagliata a grandezza naturale che rappresenta l’artista Orlan nel drappeggio barocco. La fotografia viene estratta dalla sua performance storica realizzata negli anni Settanta a Palazzo Grassi di Venezia “La Drapé - La Baroque”.

L’opera fa anche parte dell’installazione “la Baiser de l’Artiste” (“il Bacio dell’Artista”) esposta nella collezione del Centre Pompidou di Parigi. Nella Cappella Santa Maria dei Carcerati, Orlan, che è a sua volta uno pseudonimo che si è perfettamente amalgamato con la sua persona, affronta Sainte Orlan, il suo alter ego provocatorio che richiama l’Estasi di Santa Maria Teresa di Bernini, un’opera paradigmatica della Roma barocca post tridentina. L’artista pone l’enfasi sulla combinazione tra tensione spiritual, potere emotivo e sensualità, imbarcandosi in un lungo viaggio artistico-esistenziale per reinterpretare l’iconografia religiosa occidentale.

A cura di THE SLOUGHIS – Marie Munhoven & Steven Riff promosso da Alliance Française di Bologna in collaborazione con Dipartimento delle Arti dell’Università di Bologna e Renato Barilli

Installazione sempre visibile dalla vetrina esterna

Come scrive il curatore si tratta di un’esposizione di cinque autori messi insieme in quanto hanno tutti studiato Architettura al Politecnico della metropoli Milano, ma con l’intento di non votarsi puramente, o per nulla all’architettura. Per varie ragioni alcuni di loro non hanno mai fatto apparentemente l’architetto (Basilico, Garutti), mentre altri (La Pietra, Levi, Mendini), sì, ma in maniera eterodossa tant’è che di loro non si può dire che siano semplicemente architetti, ma, come Garutti e Basilico, più ampiamente e/o polivalentemente artisti ed è in tale veste che sono chiamati ad esporre in questa mostra polimorfa. Per questo l’esposizione si caratterizza anche come una riflessione sullo statuto delle Arti che molto spesso in Italia, soprattutto in passato, era polimorfa, non vivendo la divisione alla quale ci ha abituato la specializzazione contemporanea.

A cura di Giacinto Di Pietrantonio

Orari di apertura:

lunedì-venerdì ore 9-13 / 15 -19, sabato e domenica su appuntamento

Ingresso gratuito

A cura di Gabriele Salvaterra.

​Orari di apertura:

martedì-sabato ore 15.30-19.30, lunedì e festivi su appuntamento

Ingresso gratuito

Thomas Struth è divenuto celebre in tutto il mondo grazie alle sue fotografie di vedute urbane, ai ritratti individuali e di famiglia, alle immagini di grande formato scattate nei musei e alle fotografie della serie Paradise. Negli ultimi anni ha affrontato e illustrato un tema nuovo: la scienza e la tecnologia.

Molte delle sue fotografie a soggetto scientifico e tecnologico, spesso di grande formato e composte con minuziosa precisione, sembrano a prima vista ritrarre una gran confusione di oggetti, un caos. In Measuring, Stellarator Wendelstein, Tokamak Asdex Upgrade, Laser Lab o Grazing Incidence Spectrometer, per esempio, lo sguardo si perde in un groviglio di cavi, sbarre, giunzioni, coperture metalliche, rivestimenti plastici e dispenser di nastro adesivo. Con queste immagini, Thomas Struth si muove in mondi il cui accesso ci è solitamente precluso e ci mostra una serie di sperimentazioni scientifiche e ipertecnologiche, di nuovi sviluppi, ricerche, misurazioni e interventi che in un momento imprecisato, nel presente o nel futuro, in modo diretto oppure mediato, faranno irruzione nella nostra vita e ne muteranno il corso.

Mostra a cura di Urs Stahel

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

martedì – domenica h 10-19

Orari di apertura ART CITY Bologna:

sabato 2 febbraio h 10-24; domenica 3 febbraio h 10-20

Nell’ambito della rassegna Ospiti Inattesi, i Musei Civici d’Arte Antica, in collaborazione con il Museo di Belle Arti di Gand, espongono presso il Museo Davia Bargellini un dipinto, il Ritratto di Signora in abito bianco e orecchini di perle di William Hogarth (1697-1764).
Per la prima volta in assoluto, Bologna ospita un’opera del celebre artista inglese.

Conosciuto e ammirato per la sua pittura dal realismo narrativo, dai contenuti moralizzanti e satirici, William Hogarth assurse al rango di pittore della Corte inglese solo negli ultimi anni della sua vita. Tradotti a stampa in copiose tirature, i suoi dipinti criticano eventi politici, descrivono e denunciano abitudini sociali e vizi della società inglese del tempo.
Sino a circa la metà del XIX secolo, una sorta di Hogarthomania contrassegnò il grande successo riscosso dall’opera del pittore, per molti versi rivoluzionaria. Rinomato ritrattista, Hogarth si dedicò inizialmente a un pubblico prevalentemente aristocratico, ma dal 1740 circa estendeva il suo interesse verso una clientela appartenente all’emergente ricca borghesia commerciale, per la quale forgiava un nuovo lessico della ritrattistica inglese dell’epoca.

Nella tela qui presentata, realizzata attorno al 1740, Hogarth raffigura la donna in un paesaggio architettonico caratterizzato da un’elegante balaustra classicheggiante. La posa e la resa fisionomica, più intime e naturali rispetto ai ritratti d’apparato dell’aristocrazia del tempo, alludono alla condizione semplice e nel contempo di affluente benessere della giovane signora borghese, abbigliata d’un lussuoso vestito di seta bianca con riflessi argentei. Nell’esecuzione, il tocco delicato e spontaneo, ricco di materia, è caratteristico della sua produzione.

Visite guidate

domenica 10 febbraio h 16.30, venerdì 22 febbraio h 17, venerdì 8 marzo h 17, domenica 31 marzo h 16.30, venerdì 12 aprile h 17, sabato 20 aprile h 17

Dal 16 febbraio, Palazzo dei Diamanti a Ferrara apre le sue porte a Giovanni Boldini, il pittore ferrarese che ha dato vita ad una formula ritrattistica chic e “alla moda” con la quale ha immortalato i protagonisti e le celebrities di un’epoca mitica.

La mostra indaga, per la prima volta, il lungo e fecondo rapporto tra Boldini e il sistema dell’alta moda parigina e il riverbero che questo ebbe sulla sua opera di ritrattista oltre che su quella di pittori come Degas, Sargent, Whistler e Paul Helleu.

Ordinata in sezioni tematiche, ciascuna patrocinata da letterati che hanno cantato la grandezza della moda come forma d’arte, da Baudelaire a Wilde, da Proust a D’Annunzio, la rassegna propone un percorso avvincente tra dipinti, meravigliosi abiti d’epoca e preziosi oggetti dalla valenza iconica che racconteranno i rapporti tra arte, moda e letteratura nella Belle Époque e immergeranno il visitatore nelle atmosfere raffinate e luccicanti della metropoli francese, in tutto il suo elegante edonismo.

Mostra a cura di Barbara Guidi con la collaborazione di Virginia Hill. Organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara.

Orari:
aperto tutti i giorni 9.00 – 19.00
Aperto anche Pasqua, Lunedì dell’Angelo, 25 aprile, 1 maggio e 2 giugno
(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Aperture serali straordinarie:
8 marzo, 21 aprile, 31 maggio, 1 e 2 giugno fino alle 22.30
18 maggio fino a mezzanotte
(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Info biglietti e prevendita

Biglietto ridotto con Card Musei Metropolitani

La mostra forlivese ai Musei San Domenico è dedicata alla grande arte italiana dell’Ottocento nel periodo che intercorre tra l’ultima fase del Romanticismo e le sperimentazioni artistiche del nuovo secolo, tra l’Unità d’Italia e la Grande Guerra.
La locuzione attribuita a uno dei protagonisti del nostro Risorgimento, Massimo d’Azeglio, «Fatta l’Italia, bisogna fare gli italiani», rimane in sé un’espressione chiave di riflessione sulla nostra storia: come sia stata costruita e creata l’identità nazionale negli anni che hanno fatto seguito all’Unità d’Italia, come sia stata raffigurata l’autobiografia di una nazione, come gli italiani, prima divisi in diverse realtà politiche, sociali e culturali locali, abbiano vissuto l’aspirazione e la realtà di diventare un solo popolo, condividendo una storia comune.

Ricostruire attraverso la pittura e la scultura le vicende dell’arte italiana nel mezzo secolo che ha preceduto la rivoluzione del Futurismo consente di capire criticamente come l’arte sia stata non solo un efficace strumento celebrativo e mediatico per creare consenso, ma anche il mezzo più popolare per far conoscere agli italiani i percorsi esaltanti e contraddittori di una storia antica e recente caratterizzata da slanci comuni e da forti tensioni e divisioni. L’arte è stata un formidabile laboratorio per far conoscere e riscoprire le meraviglie naturalistiche del “bel paese” e quelle artistiche delle città che le esigenze della modernità stavano irrimediabilmente trasformando, per presentare la varietà e il fascino degli usi e costumi delle diverse identità locali, per trasmettere l’eccellenza di tecniche artistiche di epoca rinascimentale, ancora richieste in tutto il mondo.

Grazie a una selezione di opere eccellenti le sezioni della mostra ricostruiscono, attraverso un viaggio immersivo nel tempo e nello spazio, i percorsi dei diversi generi: quello storico, la rappresentazione della vita moderna, l’arte di denuncia sociale, il ritratto, il paesaggio e la veduta, temi culturali e sociali nuovissimi, di impatto popolare e dal significato universale.
La varietà dei linguaggi con cui sono stati rappresentati consentono di ripercorrere le sperimentazioni stilistiche che hanno caratterizzato il corso dell’arte italiana nella seconda metà dell’Ottocento e alle soglie del nuovo secolo, in una coinvolgente dialettica tra tradizione e modernità. Si passa dall’ultima fase del Romanticismo e del Purismo al Realismo, dall’Eclettismo storicista al Simbolismo, dal Neorinascimento al Divisionismo presentando i capolavori, molti dei quali ancora da riscoprire, dei protagonisti di quei tormentati decenni.

L’esposizione presenta anche una sezione sulla mostra fiorentina Ritratto italiano dalla fine del secolo XVI all’anno 1861, che a Palazzo Vecchio nel 1911, in occasione del cinquantenario dell’Unità d’Italia, propose una straordinaria narrazione di come si fosse delineata l’immagine degli italiani nei secoli precedenti l’unità nazionale, attraverso la testimonianza di un genere meno vincolato alle regole quale il ritratto. Per evocare questa epocale rassegna la mostra ai Musei San Domenico presenta per la prima volta un confronto tra alcuni capolavori esposti allora a Firenze e i nuovi protagonisti della scena artistica dell’epoca.

Sono presenti, nella loro più importante produzione, pittori come Induno, Molmenti, Faruffini, Maccari, Muzzioli, Costa, Fattori, Signorini, Ciseri, Corcos, Michetti, Lojacono, Previati, Morbelli, Nomellini, Tito, Sartorio, De Nittis, Pellizza da Volpedo, Boccioni, Balla; e scultori come Vela, Cecioni, Monteverde, Gemito, Canonica, Bistolfi e Medardo Rosso.
I due fuochi, iniziale e finale del percorso espositivo, Francesco Hayez e Giovanni Segantini, tracciano un confine simbolico tra il recupero della classicità e il rinnovamento di un secolo.
Hayez è il primo e l’ultimo dei romantici, è il pittore protagonista del Risorgimento dell’arte italiana, colui che ha saputo elaborare un modello figurativo nazionale nella forma della pittura europea rimeditando i canoni del Cinquecento e del Seicento attraverso la lezione di Raffaello, Tiziano, Reni e Tiepolo.
Segantini, dopo il primo confronto con Millet, si allinea progressivamente con i grandi europei post-impressionisti vivendo pienamente la rivoluzione moderna del Divisionismo, che in mostra sarà evocata anche dalle opere di Pellizza da Volpedo, Previati e Michetti.

ORARI:
da martedì a venerdì: 9:30 – 19:00
sabato, domenica, giorni festivi: 9:30 – 20:00
La biglietteria chiude un’ora prima
Lunedì chiuso. 22 e 29 Aprile apertura straordinaria

BIGLIETTI:
Intero € 12,00
Ingresso ridotto € 10,00 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Dal 2 marzo al 5 maggio 2019 ci si potrà immergere nelle emozionanti e nostalgiche atmosfere del sogno americano, sfogliando le pagine di una delle love story più affascinanti di sempre: quella tra Jacqueline Lee Bouvier e John Fitzgerald Kennedy.

A 65 anni dal sigillo di questa iconica unione - spezzata nel 1963 dall'omicidio di John F. Kennedy - la coppia viene omaggiata a Palazzo Belloni con la mostra THE KENNEDY YEARS.
Il percorso è curato da uno dei più importanti biografi della famiglia, Frédéric Lecomte-Dieu.

Nelle storiche sale di Palazzo Belloni, si snoda il racconto formato da frammenti indimenticabili impressi su 320 fotografie provenienti dagli archivi Kennedy. La mostra è realizzata grazie alla collaborazione con il JFK Museum di Boston e sarà, inoltre, arricchita da alcuni oggetti iconici, tra i quali spiccano l’originale sedia a dondolo di John F. Kennedy e la fedele riproduzione del vestito da sposa della First Lady, firmato da Ann Lowe. Gli appassionati potranno leggere alcune lettere originali scritte e autografate dai due protagonisti della storia. Infine, sarà esposta una selezione di articoli, custoditi nell'archivio de il Resto del Carlino, che accompagneranno il visitatore lungo la linea del tempo di un periodo storico indimenticabile.

ORARI:
da mercoledì a domenica 11 - 20
lunedì e martedì visita riservata a gruppi e scuole

PREZZI BIGLIETTO:

-Intero: 10 Euro
-Ridotto: 8 Euro
-Studenti: 5 Euro (under 18)
-Bambini fino ai 6 anni: gratuito
-Possessori Bologna Welcome Card: 6 Euro
-Possessori Card Musei Metropolitani: 6 Euro

Visite estemporanee
Visita adulti (max 25 pax)
Ogni domenica ore 17.00 (escluse festività)
Bambini 7 Euro
Adulti 15 Euro

Laboratorio famiglie
Ogni domenica ore 11.00 (escluse festività)
Bambini 5 Euro
Adulti 10 Euro
Visita guidata Euro 7 cad.
Biglietto gratuito per ogni bambino che entra accompagnato da un adulto pagante

Per Info:
info@palazzobelloni.it
Tel. +39 348 8801100 dal lunedì al venerdì 9.00/13.00 - 14.00/18.00

Oreste non era un collettivo, non era un sindacato ma, come spesso hanno ribadito i suoi ideatori, era “un insieme variabile di persone”, di artisti che si sono scelti e trovati per un determinato tempo per condividere una certa maniera di vedere il mondo.

Il progetto Oreste non produceva opere e non faceva mostre, creava piuttosto spazi di relazione, di libertà e operatività. Cosa resta oggi di Oreste? La Project Room del MAMbo, così come allora, si trasformerà in uno spazio di relazioni. L’esposizione avrà come fulcro i materiali che hanno riguardato la vita e la storia di Oreste: gli artisti con le loro vite e le loro ricerche e l’archivio composto da materiale audio-video e cartaceo. Di ogni momento si esporranno testi, fotografie, libri, cataloghi e riviste per ricostruire il grande network che l’invisibile Oreste, in pochi anni, ha intrecciato con il mondo dell’arte. Mostra a cura di Serena Carbone.

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso gratuito

L’esposizione costituisce il primo appuntamento di un più ampio progetto dedicato al tema Lavoro, formazione e cultura tecnica femminile, nato da una partnership tra il Museo del Patrimonio Industriale e l’Unione Donne in Italia (UDI), sede di Bologna, e che vede, per questa mostra, la collaborazione della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna e dell’Organizzazione Internazionale del Lavoro (ILO), Ufficio per l’Italia e San Marino.

Al centro del percorso vi è il tema dell’istruzione professionale e del lavoro femminile nei contesti industriali, con un focus sul territorio bolognese.

Bologna, e l’Emilia-Romagna nel suo complesso, conobbero un’impetuosa espansione industriale negli anni del miracolo economico (1958-1963), della quale anche le donne furono protagoniste. All’importante crescita quantitativa dell’occupazione femminile industriale, non corrispose tuttavia una qualificazione del lavoro delle donne.

L’istruzione professionale divenne così un tema di discussione e azione politica per le associazioni femminili, impegnate a promuovere l’ingresso delle donne in istituti tecnico-industriali come l’Aldini Valeriani per offrire nuove opportunità di lavoro qualificato e una formazione non orientata esclusivamente ai lavori femminili tradizionali.

Le fotografie esposte abbracciano l’arco cronologico compreso tra la seconda metà degli anni Quaranta e la fine degli anni Sessanta del Novecento e provengono dagli Archivi fotografici dell’UDI di Bologna, del Museo del Patrimonio Industriale di Bologna (Fondi Aldini Valeriani e Fototecnica Bolognese) e della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna (Fondo dello Studio fotografico Villani).

Nella parte iniziale spiccano due nuclei principali: le immagini relative ai corsi di cucito e sartoria, in particolare per ragazze disoccupate, e quelle dell’Istituto Tecnico Industriale Femminile, una nuova scuola afferente all’Aldini Valeriani. Nella seconda parte, dedicata al lavoro in fabbrica, si distinguono alcune serie relative ad ambienti e reparti di aziende storiche bolognesi, come Farmac-Zabban, Weber, Ducati Elettronica e Arco.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Visite guidate:

domenica 10 marzo h 16

​Valeria Foschetti e Anna Masini, amiche e artiste, appendono le loro opere a un filo. In mostra, oltre ai disegni e ai ricami realizzati per l’occasione, anche i libri d’artista e le creature di stoffa di Valeria, e gli albi illustrati di Anna.

Orari: lunedì, giovedì h 9.30-16.30; martedì, mercoledì, venerdì e sabato h 9.30-19.30

Valeria e Anna, amiche e artiste, appendono le loro opere a un filo, mentre Trame tesse le fila del loro incontro. Ricami e disegni che insieme raccontano storie e segreti, frutto di un lavoro di scambio e di sguardi incrociati, realizzati appositamente per la libreria bolognese su quaderni pronti ad accogliere e custodire nuove parole e nuovi pensieri. Nella parte di esposizione personale, si potranno inoltre trovare i libri d’artista ricamati a mano e le creature di stoffa di Valeria, e i libri illustrati di Anna.

Tutte le opere esposte sono in vendita.

Anna Masini (in arte Ninamasina) vive e disegna a Milano, dove si occupa di illustrazione, libri e tessuti. Lavora principalmente con pennelli, inchiostri e tecniche di stampa manuali. Per l’editoria progetta e disegna albi illustrati, e dal 2014 porta avanti Red Boots, la sua personale etichetta di libri illustrati autoprodotti. Il suo lavoro esce spesso dai confini della carta stampata, con incursioni nel mondo del tessile e dell’artigianato. Ninamasina è il suo nome d’arte, un gioco di lettere che mescola e fonde nome e cognome in una sola parola.

Valeria Foschetti dopo aver ha ottenuto il diploma presso il Liceo Artistico ha conseguito la qualifica professionale come orafa e più tardi, a Londra, ha acquisito il titolo di tecnico di arte contemporanea cinese. Una volta tornata in Italia ha frequentano corsi di fotografia, serigrafia, ricamo e recentemente di arazzo contemporaneo. The Lonely Sock è il progetto artistico che racchiude i suoi anni di formazione, grazie ai quali da forma alle sue idee utilizzando le tecniche artigianali apprese fino ad ora, sviluppando libri d’artista, creature in stoffa, telai ricamati e fanzines fotografiche.

Il ricavo delle vendite di questo progetto va all’Associazione culturale no profit La Pipette Noir per sostenere il progetto La Fanzinoteca: un archivio di fanzines e libri autoprodotti fondato da Valeria Foschetti e consultabile presso la Biblioteca Zara di Milano.

A cura di Libreria Trame

La prima italiana della retrospettiva dedicata ad una delle fotografe più importanti del Novecento, a Palazzo Pallavicini, dal 14 marzo al 9 giugno 2019.
La mostra “Surrealist Lee Miller”, organizzata da Palazzo Pallavicini e curata da ONO arte contemporanea, si compone di 101 fotografie che ripercorrono l’intera carriera artistica della fotografa, attraverso quelli che sono i suoi scatti più famosi e iconici, compresa la sessione realizzata negli appartamenti di Hitler, raramente esposte anche a livello internazionale e mai diffuse a mezzo stampa per l’uso improprio fattone negli anni da gruppi neonazisti.

Lanciata da Condé Nast sulla copertina di Vogue nel 1927, Lee Miller diventa una delle modelle più apprezzate e richieste dalle riviste di moda, ritratta da fotografi come Edward Steichen, George Hoyningen-Huene o Arnold Genthe. Innumerevoli i servizi fotografici di cui è stata protagonista, fino a quando non decide di passare dall’altra parte dell’obiettivo.
Profondamente colpita dalle immagini del fotografo e artista Man Ray, ne diventa modella e musa ispiratrice e instaura con lui un duraturo sodalizio artistico e professionale che li porterà a sviluppare la tecnica della solarizzazione. Amica di Picasso, Ernst, Cocteau, Mirò e di tutta la cerchia dei surrealisti, Miller apre a Parigi il suo primo studio affermandosi come ritrattista e fotografa di moda, anche se il nucleo più importante di opere in questo periodo è certamente rappresentato dalle immagini surrealiste: le celebri Nude bent forward, Condom e Tanja Ramm under a bell jar, opere presenti in mostra, accanto ad altri scatti che mostrano appieno come il percorso artistico di Lee Miller sia stato, non solo autonomo, ma tecnicamente maturo e concettualmente sofisticato.
Nel 1932 torna a New York per aprire un nuovo studio fotografico, ma due anni dopo si trasferisce al Cairo con il marito, l’uomo d'affari egiziano Aziz Eloui Bey. I lunghi viaggi nel deserto dove fotografa villaggi e rovine, l’avvicinano alla fotografia di reportage, un genere che porta avanti anche negli anni successivi quando viaggia nel sud e nell’est Europa con l’artista surrealista Roland Penrose (poi suo secondo marito). Nel 1939 si trasferisce a Londra e inizia a lavorare come fotografa freelance per Vogue. Nel 1944 è corrispondente accreditata al seguito delle truppe americane e collaboratrice del fotografo David E. Scherman per le riviste “Life” e “Time”. Fu lei l’unica fotografa donna a seguire gli alleati durante il D-Day e a documentare le attività al fronte e durante la liberazione. Alla scoperta degli appartamenti di Hitler a Monaco di Baviera scatta quella che probabilmente è la sua fotografia più celebre: l’autoritratto nella vasca da bagno del Führer.
Dopo la guerra Lee Miller ha continuato a collaborare con Vogue per altri due anni, ritirandosi poi lentamente dalla scena artistica. Fondamentale il suo apporto alle biografie scritte da Penrose su Picasso, Mirò, Man Ray e Tapies.

Orari:
da giovedì a domenica 11-20 (ore 19 ultimo ingresso)
Chiuso il lunedì, martedì e mercoledì

Aperture straordinarie:
22 e 25 aprile 11-20 (ore 19 ultimo ingresso)
1 maggio 11-20 (ore 19 ultimo ingresso)
2 giugno 11-20 (ore 19 ultimo ingresso)

Info biglietti d’ingresso
Biglietto intero € 14. Per gli abbonati Card Musei Metropolitani biglietto ridotto € 9

Immagine: "© Lee Miller Archives England 2018. All Rights Reserved. www.leemiller.co.uk”

La mostra ospitata nella Sala del Francia di Ca' la Ghironda “Manet - Incisioni”  –  curata da Vittorio Spampinato, direttore del Ca’ la Ghironda - ModernArtMuseum e da Walter Marchionni, direttore del Museo MAGMMA - presenta 30 incisioni provenienti dalla Collezione Ceribelli di Bergamo e realizzate da Manet tra il 1860 e il 1882 utilizzando le tecniche dell’acquaforte, dell’acquatinta e della puntasecca.
Acquistate nel 1905 da Alfred Strölin per essere tirate in 100 esemplari, le 30 lastre rappresentano una raccolta esaustiva della produzione dell’artista. Furono, infatti, selezionate come le opere più indicative della sua ricerca sul mezzo per dar vita ad una delle tre maggiori edizioni postume dedicate all’esperienza grafica del Maestro. Nel caso di Manet, infatti, le pubblicazioni postume risultano indispensabili per lo studio della sua ricerca grafica, non essendo mai state realizzate da lui o dagli stampatori con cui all’epoca lavorava vere e proprie edizioni panoramiche della sua produzione.

Con questo secondo appuntamento, a seguito anche della mostra  “Rembrandt – Incisioni” (febbraio- aprile 2018), il MAGMMA di Villacidro e il Modern Art Museum di Ca’ la Ghironda – Città Metropolitana di Bologna confermano la volontà di proseguire nella presentazione di artisti di spessore internazionale che abbiano realizzato nell’incisione un loro percorso artistico significativo e storico di eccellenza.

Le incisioni in mostra, precedentemente ospitate alla Casa Natale di Raffaello di Urbino, verranno poi esposte presso il Museo MAGMMA di Villacidro (SU) dal 4 maggio al 10 giugno 2019.

“Manet - Incisioni” rappresenta il focus per la realizzazione di laboratori didattici aperti a scuole e  famiglie dove verrà utilizzato il torchio proveniente dal laboratorio dell’artista pittore/incisore Piero Turchetti. Durante i laboratori i partecipanti scopriranno tutti gli aspetti dell’incisione e del percorso artistico e storico che ha caratterizzato l’artista. Ai laboratori didattici parteciperanno inoltre artisti incisori, appartenenti ad ALI (Associazione Liberi Incisori), che proporranno delle performance sull’incisione calcografica e xilografica.

Orarii: da martedì a venerdì ore 15.00-18.00; sabato e domenica ore 10.00-12.00 + 15.00-18.00; festivi ore 15.00-18.00. Chiuso lunedì.

Lunedì 22 aprile 2019 apertura straordinaria ore 10.00-12.00 + 15.00-18.00

Inaugurazione domenica 17 marzo, ore 16.00

info biglietti

Biglietto ridotto € 5 per i possessori Card Musei Metropolitani.

Il progetto raccoglie sculture, fotografie, disegni appositamente realizzati da più di 60 artisti israeliani ed italiani sul tema dell'infanzia.

Unforgettable Childhood è un esempio prezioso di come artisti di culture e paesi diversi possono dialogare tra di loro circa la fase più delicata e importante delle nostre vite.

La mostra, dopo il successo ottenuto a Matera, di seguito al Museo Nazionale di Ravenna e infine a Tel Aviv nel novembre scorso, giunge ora negli spazi espositivi del Museo Ebraico di Bologna. Più di sessanta artisti italiani e israeliani dialogano sul tema dell’infanzia, fase indimenticabile della vita, sia per i ricordi piacevoli e lieti sia per quelli più dolorosi e tristi

Mostra curata da Ermanno Tedeschi, realizzata in collaborazione con il MEB, con il contributo dell'Associazione Culturale Acribia.

Orari mostra:
da domenica a giovedì 10.00-18.00 | venerdì 10.00-16.00
sabato e festività ebraiche chiuso

Sfaccettata, divertente e riflessiva, la mostra Giostre! Storie, immagini, giochi ospitata nelle sale di Palazzo Roverella a Rovigo accompagna il visitatore nel fantastico mondo delle giostre, dove i ricordi dell’infanzia si intrecciano con il destino e la vita che gira e va avanti.

Una grande mostra fotografica, con scatti di Gabriele Basilico, Henri Cartier-Bresson, Robert Doisneau, Eliot Erwitt, Luigi Ghirri, Paolo Gioli, David Seymour. Ma non solo: ci saranno anche opere d’arte, tele, illustrazioni grafiche, giocattoli e cimeli rarissimi.
I significati, le forme e i colori che nel tempo hanno caratterizzato la giostra e che tuttora la caratterizzano, hanno prodotto una vasta iconografia che si è sviluppata in tutte le arti.

Biglietto intero € 5. Ingresso ridotto € 3,50 per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna

Info orari e biglietti

La mostra, a cura di Giuseppina Benassati, Roberta Cristofori con le fotografie di Marco Caselli Nirmal e i disegni di Gae Aulenti, è promossa dall'Istituto per i Beni artistici, Culturali e naturali della Regione Emilia-Romagna in collaborazione con la Fondazione Teatro Comunale di Ferrara, l'Associazione Ferrara Musica e il Museo della Musica.

L’esposizione è l’occasione per ricordare, dopo le celebrazioni del 2018, il grande Gioachino Rossini e in particolare Il viaggio a Reims, opera lirica in un atto su libretto di Luigi Balocchi composta per l'incoronazione di Carlo X Re di Francia.

La mostra riprende la famosa messa in scena dello spettacolo realizzato a Pesaro nel 1984 con la direzione di Claudio Abbado, la regia di Luca Ronconi e le scene di Gae Aulenti, riproposto nel febbraio del 1992 a Ferrara con Claudio Abbado alla guida della Chamber Orchestra of Europe e con un cast di altissimo livello.

Le immagini del fotografo Marco Caselli Nirmal sono state selezionate a partire dal lavoro di catalogazione e digitalizzazione finanziato e coordinato dall’IBC sul prezioso archivio fotografico di proprietà della Fondazione Teatro Comunale di Ferrara.
Grazie al riordino di questo imponente archivio è stato possibile procedere alla selezione di oltre 2.000 fotografie, di cui una selezione è esposta in mostra, realizzate durante l’allestimento e le recite del 1992.

Le immagini ritraggono Claudio Abbado, Luca Ronconi e Gae Aulenti insieme alle maestranze, agli orchestrali e a un cast che vedeva in scena eccellenze quali Cecilia Gasdia, Ruggero Raimondi, Carlos Chausson, Lucia Valentini Terrani, Enzo Dara, Cheryl Studer, Frank Lopardo, William Matteuzzi e Lucio Gallo sino ad arrivare a Placido Domingo, “figurante” del tutto eccezionale, divertito e sorprendente interprete del ruolo di Re Carlo X nell’allestimento ferrarese.

Le foto documentano il complesso processo di creazione dello spettacolo, ma raccontano anche il lavoro quotidiano della “macchina teatro” e l’emozione creata sulla scena da quella indimenticabile edizione dell’opera di Rossini.

Mercoledì 27 marzo h 18 inaugura la mostra Cecilia Gasdia, Sovrintendente Fondazione Arena di Verona.

Interventi di:
Roberto Grandi, Presidente Istituzione Bologna Musei
Claudio Leombroni, IBACN
Gianfranco Mariotti, Presidente Onorario del Rossini Opera Festival
Luigi Ferrari, già direttore artistico Teatro Comunale di Bologna (ora presidente Istituto Nazionale Studi Verdiani)

Ex Africa semper aliquid novi, così scriveva Plinio il Vecchio nella sua Naturalis Historia, e da qui parte la nostra mostra per raccontare come si intreccino vicende africane ed europee dall’antichità a oggi attraverso “storie” d’arte, di identità, di viaggi e di incontri partendo dalle cronache dei viaggi e dei primi contatti tra europei e africani.

Un’esposizione articolata in più sezioni: dalla qualità formale espressa in opere di grande e piccola dimensione, agli oggetti antichi dei celebri regni africani insieme alle maschere, allefigure rituali e di potere. Sono inoltre proposte le nuove frontiere della ricerca sull’arte africana: l’antichità di quelle manifestazioni e l’identificazione di alcune “mani dei maestri” e con una sezione di indagine sull’estetica diversa del vodu, un’arte accumulativa impregnata di sacralità nel suo persistente divenire con opere che vengono esposte in Italia per la prima volta.

Una mostra curata da Ezio Bassani e Gigi Pezzoli, con il contributo di studiosi italiani e stranieri, e in memoria dello stesso Bassani, scomparso improvvisamente durante i lavori del progetto e figura alla quale si deve la diffusione della conoscenza dell’arte africana nel nostro Paese.
Non una mostra etnografica bensì una grande esposizione che supera la dicotomia generalista/specialistica, puntando a raccontare storie d’arte, di identità, di potere, di sacralità, di incontri e dialoghi.

Ex Africa è resa possibile grazie alla collaborazione di alcuni dei più importanti musei e collezioni internazionali.

Ex Africa presenta il valore dell’arte africana, ricostruendone il contesto storico e culturale da cui essa trae origine, giungendo alla eredità e influenza nella pittura europea d’inizio Novecento con il primitivismo e la cosiddetta Art Nègre, fino a toccare gli ambiti dell’arte contemporanea africana.

Una mostra unica e irripetibile, per una storia da conoscere per riconoscere.
Per l’eccezionalità dei prestiti la mostra è pensata appositamente e unicamente per Bologna e non potrà quindi avere altre sedi.

La mostra è prodotta e organizzata da CMS.Cultura e promossa da Comune di Bologna e Istituzione Bologna Musei | Museo Civico Archeologico, nell’ambito di Italia Culture Africa.

Biglietto per abbonati Card Musei Metropolitani: 7€ (intero 14€)

Mostra delle tavole dell’artista greca Daniela Stamatiadi per il libro Europa, di Grazia Gotti.
Il libro è l’apripista di una campagna a favore di un’Europa unita dalla cultura.
Per ricominciare un cammino a partire dal Mito, dalla Storia e dai libri.
Edizioni Primavera ha la propria casa nel territorio dove ha sede il Museo Archeologico del Sannio Caudino, nelle cui sale è ospitato il “Cratere con ratto d’Europa”, il vaso greco più bello al mondo che raffigura il mito.

Inaugurazione: 2 aprile h 20.30

Orari: lunedì > sabato h 9.30-19.30; domenica h 10-13 / 15.30-19.30;
chiuso durante le festività

In collaborazione con Edizioni Primavera, Museo Archeologico del Sannio Caudino

Una parte della collezione della Fondazione di Etienne Delessert arriva a Bologna: oltre 35 artiste e artisti, da Heinz Edelmann a Roberto Innocenti, da Monique Felix a David Wiesner sono esposti a Palazzo d’Accursio, in un percorso che racconta alcuni dei più grandi creatori d’immagini (e di immaginari) degli ultimi cinquant’anni.

Fin dal suo esordio negli anni ‘70 Etienne Delessert – illustratore svizzero trapiantato negli Stati Uniti – lavora con un segno innovativo, diverso dallo stile grafico dell’epoca.
Qualcuno lo conoscerà per Yok Yok, il folletto col cappello a forma di fungo protagonista dei suoi albi illustrati. Ma Delessert è celebre anche per aver partecipato a tante importanti avventure editoriali: è lui la mente dietro la collana “Monsieur Chat” dell’editore svizzero Grasset, ed è sempre lui che per primo ha pubblicato grandi autori e autrici per l’infanzia, da Monique Felix a David Macaulay, fino a Roberto Innocenti. Collezionista e filantropo, nel 2017 Delessert ha creato a Losanna Les Maîtres de l’Imaginaire, una fondazione che, oltre a essere un punto d’incontro per artisti, critici e studiosi della letteratura per l’infanzia, raccoglie una collezione di opere originali di grandi illustratori da tutto il mondo. 

​Inaugurazione: 31 marzo h 19
Orari: martedì > giovedì h 10-19; venerdì h 14.30-19; sabato, domenica h 10-19

A cura di Etienne Delessert.

In collaborazione con Hamelin Associazione Culturale, Fondation Les Maîtres de l’Imaginaire.
Con il patrocinio di Comune di Bologna. Con il sostegno di Pro Helvetia, Consolato generale di Svizzera a Milano

La carrozza di testa della metropolitana di New York, ricreata per l'occasione come spazio espositivo, ospiterà le illustrazioni di Emiliano Ponzi del libro The Great New York Subway Map, La Grande Mappa della Metropolitana di New York (MoMA – FATATRAC, 2018), dedicato al grande designer italiano Massimo Vignelli, che di quella metropolitana ha disegnato la mappa.

Inaugurazione: 31 marzo h 18
Orari: 1 aprile h 15-20; 2 e 3 aprile h 10-19; 4 aprile h 10-22; orari di apertura ordinari: martedì > mercoledì h 10-18.30; giovedì h 10-22; venerdì > domenica h 10-18.30

A cura di Dipartimento educativo MAMbo. In collaborazione con MoMA, FATATRAC

Una mostra dedicata al grande grafico americano Seymour Chwast in occasione dell'uscita del suo ultimo libro L'uomo sulla luna. Corraini Edizioni presenta una selezione di libri, illustrazioni e manifesti contro la guerra realizzati da Chwast dagli anni '50 ad oggi. Autore di alcuni dei più incisivi manifesti sociali e politici del Novecento, Seymour Chwast è uno dei fondatori di Push Pin Studios, che ha raccolto le menti più innovative della grafica americana. L'uomo sulla luna è un libro per bambini che parla di guerra e di pace... e di un uomo che arriva dalla luna con la ricetta per una fantastica crostata alla frutta.

Inaugurazione: 31 marzo h 18
Orari: 1 aprile h 15-20; 2 e 3 aprile h 10-19; 4 aprile h 10-22; orari di apertura ordinari: martedì > mercoledì h 10-18.30; giovedì h 10-22; venerdì > domenica h 10-18.30

A cura di Corraini Edizioni. In collaborazione con Dipartimento educativo MAMbo

Eva è una bambina come tante: vivace e curiosa, si perde tra i banchi del mercato, tra gli ombrelloni di una spiaggia e tra i quadri di un museo seguendo il filo dei suoi pensieri e osservando l’umanità fitta e variopinta che anima questi luoghi. I suoi occhi sono innocenti e impietosi; le sue parole scavano la normalità per mettere in evidenza le stranezze e le idiosincrasie di un mondo sconosciuto ma accogliente, allegro e complicato, quotidiano e incomprensibile. Vessela Nikolova segue Eva, una bambina che porta lo stesso nome di sua figlia, con garbo e attenzione e ne registra le avventure semplici e quotidiane con un segno sintetico ma delicato: quasi uno sketch-book ad altezza di bambino, pieno di serietà e di umorismo, di interesse, di studio e di genuino spirito di avventura. Le tavole dei due albi illustrati In spiaggia, Al mercato e i primi schizzi preparatori di Al museo (che sarà pubblicato nel 2020), accompagnate dai testi di Susanna Mattiangeli, costituiscono il corpo di questa mostra, realizzata da ZOO in collaborazione con Topipittori.

Inaugurazione: 1 aprile h 19
Orari: lunedì > domenica h 11-18

A cura di Topipittori, ZOO

Mostra delle illustrazioni originali dell'ultimo libro di Andrea Antinori La Grande Battaglia. Una storia di pioggia, impermeabili gialli e grandi battaglie. “Affacciatevi alla finestra e osservate il cielo: sta piovendo? Sì? Bene (si fa per dire), è il momento giusto per sedersi sul divano, trovare una posizione comoda e leggere questo libro”. Con La Grande Battaglia, Andrea Antinori ci racconta come a volte cercare di sconfiggere un “nemico” incontrollabile come la pioggia non serva proprio a niente. Si può però imparare a conviverci...

Inaugurazione: 31 marzo h 18
Laboratorio con l’autore: 1 aprile h 16.30
Orari:domenica 31 marzo h 18-20; 1 aprile h 15-20; 2 e 3 aprile h 10-19; 4 aprile h 10-22; orari di apertura ordinari: martedì > mercoledì h 10-19; giovedì h 10-22; venerdì > domenica h 10-19

A cura di CorrainiMAMbo artbookshop

Dal 1 al 30 aprile in via dell’Abbadia saranno appese delle bacheche che racconteranno la storia di Maria Sibylla Merian, l’ultimo libro di Anna Paolini.
Nata a Francoforte nel 1647, fin da bambina Maria Sibylla viene affascinata da insetti, bruchi e farfalle: non il genere di interessi che si confà a una giovane donna dell’epoca, considerando anche il pregiudizio diffuso sugli insetti come creature malvagie: ma Maria Sibylla non smette di osservare e disegnare quelle creature, le uniche che portano colore alla sua vita. Viaggerà, dipingerà e diventerà una delle fondatrici dell’entomologia... ma in queste tavole vediamo la Maria Sibylla bambina, in bilico tra ciò che la società vorrebbe di lei, e un battito d’ali di farfalla.

A cura di #logosedizioni.
In collaborazione con CHEAP Street Poster Art Festival

I poster di CHEAP raccontano la storia di Helen Keller, sordocieca dalla nascita, e della sua insegnante Anne Sullivan, che inventò per lei un alfabeto manuale. Le due donne sono le protagoniste di Anna dei miracoli (#logosedizioni), l’ultimo libro di Ana Juan, e dei manifesti esposti nelle bacheche di via Indipendenza.

A cura di CBM Italia Onlus, #logosedizioni.
In collaborazione con CHEAP Street Poster Art Festival

Non mi piace aspettare la fine della fila, la sigla del telegiornale, il giorno del mio compleanno, i poliziotti arrabbiati, i parcheggi a pagamento. Noemi Vola e Martina Tonello raccontano con il pongo, il legno e i disegni ciò che a loro non piace.

Inaugurazione: 31 marzo h 18.30
Orari: 1 > 4 aprile h 14-20; orari ordinari: martedì > sabato h 14-19

A cura di Officina Margherita

Negli anni ‘60 Elena Poirier, tra le autrici più importanti dell’illustrazione cilena, è emigrata in Italia, dove ha vissuto e disegnato fino alla morte, nel 1988.
Ora la sua opera torna a Bologna con una mostra che ne ripercorre la carriera artistica.

Inaugurazione: 1 aprile h 21

Orari: lunedì > sabato h 10-24; domenica h 16-22

A cura di Claudio Aguilera, Direttore dell’Archivio di Tavole e Stampe della Biblioteca Nacional del Cile.

Organizzata dal Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile

Nata nel 1921, Elena Poirier ha collaborato come illustratrice nella rivista El Peneca, realizzando innumerevoli copertine e immagini e con la rivista Simbad. Ha illustrato titoli per ragazzi per conto della casa editrice Zig-Zag, molti dei quali della scrittrice Alicia Morel. Negli anni ‘60 emigrò in Europa scegliendo l’Italia, dove portò avanti una feconda carriera. Muore a Roma nel 1998.

L'illustratrice Zouchao Zuo – Daisy Zuo – è arrivata dalla Cina per scoprire Bologna. Scelta tra gli oltre 130 artisti che hanno partecipato al concorso indetto da Bologna Città della Musica Unesco e Collegio di Cina nel 2018, in occasione della Cina ospite d’onore di Bologna Children’s Book Fair, ha osservato la città nel suo fluire quotidiano, e ne ha disegnato luoghi noti o sconosciuti, scorci, vedute iconiche.
Il risultato è un albo d’artista in bianco e nero, Bologna a testa in su, che ha lo scopo di raccontare Bologna ai moltissimi turisti cinesi che ogni anno decidono di far visita alla città.
Le illustrazioni originali, gli schizzi e gli appunti che Daisy Zuo ha realizzato per l’albo Bologna a testa in su sono esposti nelle sale di uno dei luoghi più bizzarri e incantevoli della città: il Museo Davia Bargellini.
In un imponente palazzo che affaccia su Strada Maggiore, eretto tra il 1638 e il 1658, il museo è allestito come un appartamento arredato del Settecento bolognese, nel quale accanto a mobili e suppellettili di pregio si trovano oggetti rari, come uno scenografico teatrino per marionette e l’incantevole riproduzione in miniatura dell’interno di un'abitazione privata del XVIII secolo - tutti elementi che si sono inseriti tra le pagine dell’albo.
Le tavole di Daisy Zuo dialogano con alcuni pezzi della collezione, e diventano strumento per far scoprire al pubblico cinese, agli ospiti internazionali della Fiera e ai bolognesi curiosi uno degli spazi più incredibili della città.

Inaugurazione: 2 aprile h 19.30
Visite guidate: 6 aprile h 10.30; 18 aprile h 11; 4 maggio h 16.30
Orari: martedì > venerdì h 9-13; sabato, domenica e festivi h 10-18.30; chiuso il 1° maggio

Un progetto di Bologna Città Creativa della Musica UNESCO, nell'ambito del network delle Città Creative UNESCO. A cura di Hamelin Associazione culturale. Promosso da Comune di Bologna, Bologna Città Creativa della Musica UNESCO, Istituzione Bologna Musei, Associazione Collegio di Cina, Bologna Children’s Book Fair

La memoria ritorna al tempo dell'infanzia, quel territorio che lascia il suo segno indelebile e attraversa i confini di un universo-terra dove è possibile spostare i bordi e ricomporli.
Mariana Chiesa ci invita a indagare su miti, immagini e carnevali. Il gusto per il tessuto e per il cucito - l'ereditarietà di una tradizione di famiglia acquisita dal nonno materno - è presente nella serie Almazuelas migranti, dove anche la possibilità di bucare la stoffa e di unire pezzi rende omaggio a questo carattere intimo e domestico, legato alla produzione delle donne.
Sotto forma di manifesti poetici e visivi, testo e immagine coesistono e dialogano, mettendo insieme una specie di libro murale immaginato.
Le guerre e le loro conseguenze, le migrazioni di massa, lo status di rifugiato o esiliato, la violenza contro le donne, enumerano un bisogno di narrare, una consapevolezza che provoca un tremore.
E come l’imbastitura della sarta della memoria, ogni pezzo fiammeggia, potente, per comporre un insieme di mondi dispari.

Inaugurazione: 2 aprile h 17
Orari: 2 > 4 aprile h 17-21; orari di apertura ordinari: martedì > domenica h 17-20.30; chiuso durante le festività

A cura di Antonio Storelli

Una mostra di illustrazioni per raccontare la diversità, i cambiamenti e le infinite combinazioni del mondo. Il viaggio e il confronto tra culture differenti sono il tema delle immagini dei giovani studenti e studentesse delle Accademie di Belle Arti internazionali: Accademia di Belle Arti di Bologna, École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs di Parigi, Hochschule für Angewandte Wissenschaften di Amburgo, La Massana Arts & Design School di Barcellona, Kyoto University of Arts di Kyoto, Hochschule Luzern - Design & Kunst.

Inaugurazione: 2 aprile h 19
Orari: lunedì > venerdì h 10-13 / h 15-19; chiuso durante le festività

Promosso da Accademia di Belle Arti, Alliance Française di Bologna, Istituto di cultura Germanica

Zigo Zago, il gatto Sandrino, e gli altri personaggi di Richard Scarry sono rimasti nella memoria di tanti lettori e lettrici. Ora che Mondadori ripubblica i classici dell’autore in una nuova veste grafica, i suoi disegni invadono la biblioteca dell’Archiginnasio, portando l’universo bizzarro e colorato di Scarry in uno dei luoghi storici di Bologna. Oltre a illustrazioni originali degli anni ’50 e ’60, la mostra ospita una collezione di “memorabilia”, oggetti personali dell’autore. Una selezione di opere sarà esposta all’ingresso di Salaborsa Ragazzi.

Inaugurazione con Huck Scarry: 2 aprile h 18.30

Laboratorio con Huck Scarry: 2 aprile h 9.30 | Biblioteca Salaborsa Ragazzi per classi su prenotazione: t. 051 2194411

Visite guidate:

• Per le famiglie: 6, 13 aprile h 10.30
• Per le classi: 8, 9, 15, 17 aprile

Ingresso su prenotazione: t. 051 2194411

Orari: Lunedì - sabato h 9 - 19; Domenica 7 e 14 aprile h 10-14
Domenica 21 aprile h 15-19; lunedì 22 e giovedì 25 aprile h10-19; 

A cura di Huck Scarry. Promossa da Mondadori.

In collaborazione con Hamelin Associazione Culturale, Istituzioni Biblioteche – Salaborsa Ragazzi, Archiginnasio

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Quello di Adelchi Galloni è un caso insolito: maestro dell’illustrazione italiana, il suo stile originale e contemporaneo e il suo humour hanno lasciato un segno forte non solo nell’illustrazione per l’infanzia, ma anche nel cinema, nell’animazione (il suo primo corto animato ha vinto la Palma d’Oro al Festival di Cannes nel 1965), nella pubblicità (ha lavorato a celebri campagne per marchi come FIAT, Alitalia, Shell, Barilla) e nell’editoria.
Eppure di lui si è sempre parlato poco, e si è scritto ancora meno. Ora che alcuni dei suoi classici sono ristampati da Barta Edizioni, riportarlo al pubblico è una necessità: la mostra, ospitata nella sede dell’Associazione Hamelin, è insieme un omaggio a un grande autore e un viaggio che condensa cinquant’anni di lavoro e di evoluzione dell’illustrazione in Italia. 

A corredo della mostra, il volume Oblò raccoglie approfondimenti, percorsi di lettura e una lunga intervista all’autore, per avvicinare nuovi lettori e lettrici all’arte di Galloni.

Incontro con l’autore: 4 aprile h 10 | Accademia di Belle Arti di Bologna - Aula Magna
Proiezione con l’autore: 4 aprile h 18 | Cinema Lumière – Cineteca Bologna

​Inaugurazione: 3 aprile h 20
Orari: 4 aprile h 11-13 / 15-18; 5 aprile h 11-13 / 15-17;
lunedì > venerdì h 10.30-13 / 15-18.30; chiuso durante le festività

A cura di Hamelin Associazione Culturale.
In collaborazione con Conservatorio G.B. Martini, Barta Edizioni, Fondazione Cineteca di Bologna, Future Film Festival

Mario Silva Ossa, alias Coré, è stato un grande designer cileno. Il premio che oggi porta il suo nome vuole promuovere l’illustrazione in Cile e arriva a Bologna con una mostra delle opere vincitrici dell’ultima edizione.

Inaugurazione: 3 aprile h 19
Orari: martedì > domenica h 18-1

A cura di Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile

La mostra Charlie surfs on lotus flowers di Simone Sapienza è progetto espositivo che nasce dall’omonimo libro edito nel 2018 da AKINA.
​Affascinato dalle contraddizioni delle conseguenze della guerra in Vietnam, un paese che si trova in un limbo tra l'economia capitalista di libero mercato e le rigide leggi del Partito Comunista, Simone Sapienza ha intrapreso un viaggio personale in una delle nazioni che più hanno influenzato la storia del secondo Novecento. Charlie surfs on lotus flowers è un ritratto del Vietnam attuale tra memorie di occupazione, tracce di comunismo e desiderio di consumismo. Circa quarant'anni dopo la vittoria dei Vietcong contro l'America, il Vietnam ha oggi cambiato radicalmente sogni e ambizioni. Resa forte da una popolazione giovanissima e da una nuova generazione piena di energia, l'economia del Vietnam detiene uno tra i più alti tassi di crescita al mondo. Tuttavia, dietro questa illusoria libertà di mercato, il governo comunista detiene ancora il potere politico assoluto. Partendo da una profonda fase di ricerca a livello storico, il progetto è una documentazione metaforica della società vietnamita contemporanea, con un’attenzione particolare su Saigon, ultima città conquistata dai Vietcong ed oggi motore dell'economia nazionale.

Eventi collaterali:
Giovedì 4 aprile, ore 18 – visita guidata con l’autore riservata ai soci Spazio Labo’, prenotazione obbligatoria tramite EventBrite
Venerdì 5 aprile, ore 18.30 – presentazione del libro Charlie surfs on lotus flowers e incontro con l’autore, ingresso libero fino esaurimento posti
Sabato 6 aprile, ore 10-19 - laboratorio pratico con Simone Sapienza “Map your project”, per informazioni e iscrizioni: http://bit.ly/2T3MWJB 

Orari di apertura:

Venerdì e sabato, ore 15-19 (esclusi venerdì 26 e sabato 27 aprile)

In occasione della 54esima edizione della Bologna Children’s Book Fair, Giulia Sollai propone a La Casetta dell’Artista la mostra delle illustrazioni di Hanieh Ghashghaei. L’artista si muove utilizzando varie tecniche quali collage, acrilico, matite colorate e diverse tecniche di incisione.
Le sue opere cercano di catturare le memorie della sua infanzia che riaffiorano in lei continuamente, e che l’hanno condizionata nel suo percorso di vita e di crescita artistica.
Un ricordo particolare che ha influenzato il suo lavoro è legato alla madre ma specialmente alla nonna che, durante le fredde notti in Tehran, davanti ad un focolare al centro della stanza, raccontavano a lei e ai suoi cugini, le fiabe persiane e altre fiabe orientali di cui lei era molto affascinata.

Inaugurazione: 5 aprile h 19.30
Orari: 6 aprile > 4 maggio solo su appuntamento: lacasettadellartista@gmail.com

A cura di Giulia Sollai, La Casetta dell’Artista

Come possiamo orientarci nel cielo notturno? Come possiamo studiarlo senza arrestarne il moto?
La sfera celeste ruota incessantemente sopra alla nostra testa, il desiderio e la necessità di comprenderne il movimento ci portano a definire i concetti di spazio e di tempo.

Con questo percorso attraverso i luoghi del Museo della Specola, vedremo come il tempo sia una convenzione tanto necessaria quanto sibillina per volgere il nostro sguardo verso le stelle.

Percorso tematico a cura degli Studenti laureandi in Astronomia dell'Università di Bologna.

Quota di partecipazione: 5€

Appuntamenti su prenotazione:

sabato 6 aprile 2019, ore 11.00
domenica 7 aprile 2019, ore 11.00
sabato 13 aprile 2019, ore 11.00
domenica 14 aprile 2019, ore 11.00
sabato 4 maggio 2019, ore 11.00
domenica 5 maggio 2019, ore 11.00
sabato 11 maggio 2019, ore 11.00
domenica 12 maggio 2019, ore 11.00
sabato 18 maggio 2019, ore 11.00
domenica 19 maggio 2019, ore 11.00

La storia della Manifattura di Bologna inizia nei primi dell’800 in via Riva di Reno, con la costruzione su di un convento di suore domenicane. Nel 1949 inizia la costruzione in Via Stalingrado, su progetto di Pier Luigi Nervi. Prima il magazzino tabacchi greggi in balle, poi i capannoni destinati allo stoccaggio dei tabacchi grezzi in botti e infine il magazzino del sale, alle spalle dell’edificio principale, costruito con la forma di paraboloide.

Ivano Adversi ha scoperto la Manifattura Tabacchi durante un lavoro fotografico sull’architettura industriale bolognese. Da allora, Adversi ha percorso più volte gli edifici abbandonati, documentando la forma architettonica delle strutture, cercando la rilevanza e l’armonia delle curve, dei particolari costruttivi che ne fanno un edificio tutelato, delle luci che filtrano dagli ampi finestroni o dalle aperture derivate dall’incuria, dal vandalismo e dal trascorrere del tempo. L’utilizzo di obiettivi adatti alla fotografia di architettura, l’attenta osservazione di angoli e punti nascosti, l’evidenziazione di riflessi e contrasti di luce, l’utilizzo del bianco e nero che consente l’estrapolazione dell’immagine dalle forme e dai colori sbiaditi dei pilastri e delle sale hanno permesso al fotografo di riprodurre in forma essenzialmente grafica e quasi astratta gli ambienti degradati, le grandi strutture delle finestre, le ripetizioni seriali delle colonne o dei tetti dei capannoni a cupola.

Orario di apertura: 
​dal lunedì al venerdì dalle 9 alle 18

Sospesi nello spazio e nel tempo, i misteriosi personaggi che hanno reso tanto celebre la Metafisica di Giorgio de Chirico sono stati proposti innumerevoli volte, non solo con la grafica e la pittura ma anche nella versione tridimensionale, in una produzione scultorea di cui probabilmente il grande pubblico ancora non conosce la particolare suggestione. Meno nota della produzione pittorica, ma certamente non meno evocativa, la scultura del grande maestro offre infatti l’occasione per approfondire alcuni dei soggetti che hanno dominato la sua poetica, tra i quali spiccano l’enigmatica presenza dei manichini e la persistenza del mito e della memoria dell’antico.

L’incontro di De Chirico con la scultura avvenne solo in età matura quando, intorno al 1940, il pittore iniziò a realizzare alcune piccole terrecotte dipinte in cui riprendeva i temi dei suoi dipinti del periodo metafisico. Più tardi l’artista decise di far tradurre quelle fragili opere in più durevoli esemplari in bronzo, realizzando piccole tirature di diversi formati. Il corpus della sua ricerca plastica è successivamente stato riproposto dalla Fondazione Isa e Giorgio de Chirico di Roma, che ne ha commissionato la fusione in una nuova edizione limitata, in occasione del centenario della nascita dell’artista celebrato nel 1988.

Per presentare al pubblico un importante nucleo composto da 19 di queste sculture, recentemente acquisite nella collezione permanente del MAGI’900 insieme a pregevoli opere grafiche, il museo propone un allestimento particolare che intende mettere in relazione le rappresentazioni bidimensionali e la loro restituzione a tutto tondo. Tra le opere esposte ricorrono alcune figure chiave dell’immaginario dechirichiano, come gli Archeologi, i Trovatori, i Manichini Coloniali, Le Muse, i Cavalli, temi dei quali vengono presentate diverse varianti, offrendo una delle più significative ricognizioni sulla scultura metafisica mai allestite in Italia.

I bronzi, esposti insieme a un gesso preparatorio, dipinti, disegni, grafiche e a due rare edizioni illustrate dell’Apocalisse di Giovanni, sono presentati al pubblico in un allestimento corale, reso particolarmente intenso da un’installazione di pannelli luminosi, provenienti dal Museo Documentario della Metafisica di Ferrara, pionieristico museo “virtuale” inaugurato nei primi anni ’80 e oggi non più esistente, ideato dall’allora direttore del Palazzo dei Diamanti Franco Farina, al quale la mostra è dedicata a un anno dalla sua scomparsa.

La regia dell’allestimento è curata da Valeria Tassinari.

Orari d’apertura:
da martedì a domenica 10.00 - 18.00 (la biglietteria chiude alle ore 17.00).

Inaugurazione: sabato 13 aprile ore 17.00
All’inaugurazione interverranno Claudio Spadoni e Lola Bonora.

Info biglietti

Ingresso ridotto per gli abbonati Card Musei Metropolitani :
- Collezione permanente + mostre temporanee € 10 anzichè € 15
- Collezione permanente € 7 anzichè € 10
– Mostre temporanee, 1 mostra € 5 anzichè € 7; 2 mostre € 7 anzichè € 10

Dal 13 aprile al 22 settembre 2019 il complesso museale di Santa Maria della Vita ospita la mostra fotografica "Planet or Plastic?", nell'ambito dell'omonima campagna internazionale lanciata da National Geographic, che vede anche Marco Mengoni impegnato come ambasciatore per l'Italia.

Un coinvolgente percorso articolato in una quarantina di foto e due video-installazioni volte a provocare una riflessione sul materiale che è diventato ormai sinonimo di degrado e distruzione del pianeta. Otto i grandi temi in mostra, dalla quantità di plastica prodotta nel mondo all’impatto sull’ambiente e sulla catena alimentare, dal riuso all’educazione individuale e collettiva.

Il percorso della mostra – curata da Marco Cattaneo, Direttore di National Geographic Italia, e dalla redazione, con la collaborazione della scrittrice e documentarista Alessandra Viola – alterna le fotografie dei grandi reporter di National Geographic all'originale lavoro artistico di Mandy Barker, che ha scelto di raccogliere rifiuti di plastica da tutto il mondo per un progetto fotografico di eccezionale valore estetico e al tempo stesso di grande impatto emotivo.

All’interno della mostra l’installazione Iceberg, di Francesca Pasquali, artista nota per rivalutare oggetti d’uso comune, come delle semplici cannucce di plastica per farne delle vere e proprie opere d’arte.

Completa il percorso la proiezione del documentario di National Geographic Punto di non ritorno del regista premio Oscar Fisher Stevens e dell'attore premio Oscar e Messaggero della Pace per conto dell'ONU Leonardo Di Caprio: un affascinante resoconto sui drammatici mutamenti che si verificano oggi in tutto il mondo a causa dei cambiamenti climatici.

La mostra è anche l'occasione per partecipare a un grande progetto collettivo. Ai visitatori è richiesto di portare in mostra e lasciare in un grande contenitore le loro bottiglie di plastica, una per ciascuno di loro. Quelle bottiglie troveranno nuova vita in una installazione architettonica itinerante che sarà l'oggetto del concorso internazionale di idee Plastic Monument – Architectural Design Competition.

L’esposizione, organizzata dal National Geographic insieme a Genus Bononiae. Musei nella Città e Fondazione Carisbo è interamente prodotta con materiali sostenibili e riciclabili, come cartone alveolare e carta da parati.

Orario
dal martedì alla domenica 10.00 - 19.00. Chiuso lunedì

Info biglietti

Ingresso ridotto € 5 per i possessori della Card Musei Metropolitani di Bologna

Mostra realizzata per celebrare con scatti inediti il centenario della nascita di Fausto Coppi, ha il patrocinio del Comune e del Giro d’Italia, che proprio a Bologna vedrà la sua partenza di quest'anno. Una galleria cronologica con gli scatti del fotografo bolognese Walter Breveglieri, porterà gli spettatori a rivivere i momenti più belli e significativi della vita del Campionissimo come mai erano stati visti prima. I primi successi del 1946, il dolore per la perdita del fratello Serse, le gloriose vittorie, le amare sconfitte, e i momenti di vita tra amici e famiglia. A rendere ancora più unico questo allestimento, una galleria di scatti dedicati al ciclismo a Bologna tra il 1945 e il 1960 con scene di vita quotidiana che immortalano uomini, donne sportivi e lavoranti su due ruote tra le vie della città. Sarà visitabile fino a domenica 12 maggio 2019.

Orari:
dal martedì alla domenica: 10.00 – 18.30

Ingresso gratuito

CUBO ospita la mostra fotografica Leaves of grass, personale di Angelo Marinelli vincitore del Premio Arteam Cup 2018, concorso artistico dell’Associazione Culturale Arteam rivolto a giovani artisti emergenti che si sono distinti per creatività e valore significativo del proprio lavoro. La mostra, curata da Matteo Galbiati, presenta una serie di nuovi scatti dall’omonima serie di lavori nei quali Marinelli porta in evidenza il legame indissolubile tra uomo e natura, evocando in maniera poetica temi quali il silenzio, il mistero, l’abbandono e il progressivo riaffiorare del ritmo naturale.
Grazie ad un allestimento peculiare, costituito da vere piante fornite da Avola Coop, la natura diventa reale e assoluta protagonista della mostra nella quale sono installate le immagini di piccolo e grande formato. Nelle opere di Angelo Marinelli l’uomo viene poeticamente ricollocato ad un nuovo ruolo che, non più da primario, lo rende consapevole di essere parte di un equilibrio atavico più grande e imperscrutabile che non sarà mai capace di dominare del tutto. I corpi inermi dei suoi soggetti paiono riassorbirsi nell’ambiente naturale; tornano ad appartenere alla terra e alle sue leggi millenarie. Lo sguardo dell’artista ci riaccompagna ad una sensibile percezione spogliandoci, come i corpi dei suoi modelli, da ogni contingenza per essere parte del tutto universale”. Matteo Galbiati da Speciale fotografia, Espoarte Digital, marzo 2019.

L’inaugurazione, alla presenza dell’artista, prevista per martedì 16 aprile, si compone di due momenti:
» alle 18:00, un’esibizione live di Luca Longobardi, musicista, compositore e sound designer.
Longobardi “ha mappato i suoni ambientali del luogo degli scatti ed esegue la serie di pezzi che ha composto a completamento del lavoro di Marinelli, offrendo un ulteriore elemento di lettura analitica. La musica, unita agli altri elementi della mostra, costruisce un complesso apparato scenico che accoglie, circonda e veste lo sguardo e l’animo di chi guarda..” (dal testo in catalogo di Matteo Galbiati).
» alle 20:30 la conferenza Caravaggio, l’eterna bellezza del vero, del curatore Matteo Galbiati.
L’incontro, ripercorre la lettura dei maggiori capolavori di Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, mettendone in evidenza l'innovazione, il turbamento e l'ammirazione che suscitarono al loro tempo.
La verità del vero diventa il mezzo per trasferire e trasfigurare, con la peculiarità della sua luce
teatrale e la virtù della sua natura esatta, valori più alti e universali oltre il tempo stesso entro cui le
figure del Merisi paiono circoscritte. Un viaggio di riscoperta nel fascino dell'opera di un antico
maestro che sa ancor oggi stupire e suggestionare nel profondo oltre ogni storia, oltre ogni
temporalità.

Biografie
ANGELO MARINELLI
Nato a Monteiasi (TA) nel 1979 è un fotografo che eredita la passione dal padre e sin da piccolo si
avvicina alla macchina da autodidatta. Durante i primi anni del 2000, oltre a studiare, Angelo lavora
come grafico e fotografo, è in questo periodo che affina le tecniche di illuminazione e di post
produzione. Tra il 2010 e il 2013 vive in Asia e da lì intraprende una serie di viaggi che lo porteranno
ad ampliare il suo panorama artistico culturale e, al contempo, a rafforzare le sue origini. Oggi è art
director di Artist Proof Communication Lab di Roma.
MATTEO GALBIATI
E’ critico e curatore. È il direttore web della testata Espoarte, docente presso l'Accademia di Belle
Arti di Brescia Santa Giulia di Brescia, tiene regolarmente conferenze e corsi d'arte per istituzioni
pubbliche e private. È tra i curatori del Premio Arti visive San Fedele di Milano.
LUCA LONGOBARDI
Pianista e compositore, Luca Longobardi avvicina al linguaggio classico una spiccata apertura verso lo
sperimentalismo elettronico, delineando uno stile personale chiaro e distinguibile, molto apprezzato
in Italia e all’estero. Scrive prevalentemente per il balletto contemporaneo, il cinema e per
installazioni multimediali. Sua infatti la firma delle colonne sonore originali e la regia musicale degli
spettacoli immersivi di Carrières de Lumières a Baux-de-Provence, Atelièr des Lumières a Parigi,
Bunker de Lumières in Corea del Sud, Kunstkraftwerk a Lipsia.
CUBO è il museo d'impresa del Gruppo Unipol, uno spazio dove la cultura viene condivisa. Raccontiamo il patrimonio, la storia di Unipol e il ruolo sociale dell'assicurazione con il linguaggio della cultura e dell'arte, consapevoli che la cultura è il principale strumento di sviluppo, inclusione e dialogo sociale.

Dal 18 aprile al 31 luglio la Biblioteca d’Arte e di Storia di San Giorgio in Poggiale ospita la mostra «L’Orto» – Rivista di lettere e arte. Un’avventura culturale nella Bologna degli anni Trenta,
L’esposizione ripercorre la storia della rivista, pubblicata dal 1931 al 1939, attraverso documenti originali provenienti dal fondo documentario acquisito nel 2004 dalla Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna. Tra alterne fortune, il periodico fondato dai fratelli Giorgio e Otello Vecchietti, dagli artisti Nino Corrado Corazza e Gianni Poggeschi e dal giornalista e scrittore Giannino Marescalchi, vide la collaborazione di poeti come Umberto Saba e Mario Luzi, giornalisti come Corrado Pavolini e Giuseppe Dessì, critici e intellettuali come Carlo Bo e Giuseppe Marchiori, artisti come Filippo De Pisis e Ottone Rosai.

Tra le 42 opere esposte, oltre ai fascicoli della rivista (a cui si aggiungono quelli di «Frontespizio» e di «Primato»), sono visibili disegni di artisti come Nino Corrado Corazza, Gianni Poggeschi, Nino Bertocchi, Virgilio Guidi, Bruno Saetti, Filippo De Pisis, Ottone Rosai, Arturo Tosi, Cipriano Efisio Oppo, Orfeo Tamburi, Fiorenzo Tomea, che vengono esposti al pubblico per la prima volta.

La mostra si struttura nei quattro periodi della storia della rivista, che corrispondono alle case editrici che la stamparono nel corso degli anni. All’interno dei quattro periodi sono stati individuati nel percorso espositivo alcuni nuclei tematici particolarmente significativi: tra essi il ruralismo, l’esaltazione della maternità, l’architettura razionalista, l’arte di Ottone Rosai e di Filippo de Pisis, con i suoi “ragazzi”, ritratti di figure maschili efebiche, vera ossessione dell’artista ferrarese.

Orario: lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì 9.00-13.00; martedì 9.00-17.00
Chiuso sabato, domenica e festivi

Inaugurazione 18 aprile, ore 17.00

Ingresso libero

Selezionata nell'ambito dell'edizione 2018/2019 del Programma di Residenze ROSE, Catherine Biocca (Roma, 1984) ha ideato e realizzato un progetto espositivo site specific nella sede storica di Villa delle Rose.

La mostra, a cura di Giulia Pezzoli, reinterpreta, attraverso installazioni multimediali e interattive, l'identità della Villa e del suo passato, ponendo l'accento sulle differenti funzioni che l'edificio di origine settecentesca ha assunto nella storia della città.

Giunto al suo terzo appuntamento, il Programma di Residenze ROSE si prefigge di inserirsi in un network sempre più ampio di operatori nazionali e internazionali che supportano la valorizzazione delle espressioni più attuali dell’arte e della cultura contemporanee, attraverso questa peculiare pratica di mobilità e di confronto con il sistema culturale dei territori ospitanti.

Orari di apertura

sabato e domenica h 14-19

Visite guidate

Tutti i sabati alle h 17 a cura del Dipartimento educativo MAMbo.
Ingresso € 4,00 a partecipante (min 6 partecipanti)