Bologna Agenda Cultura

Sabato 20 ottobre, alle 18, alla Rocca dei Bentivoglio di Bazzano inaugurerà al pubblico la mostra finale del progetto Serie Imperiale di Flavio Favelli, a cura di Elisa Del Prete e Silvia Litardi. 

Seguirà la presentazione del catalogo edito da Edizioni Corraini e una tavola rotonda con l’artista, le curatrici, il filosofo Daniele Balicco, il direttore della Fondazione Rocca dei Bentivoglio Elio Rigillo e l’editore Marzia Corraini.

Nella Sala dei Giganti della Rocca dei Bentivoglio di Bazzano (Valsamoggia, Bologna) il dittico di Serie Imperiale, l’opera finale nata da un lungo processo di produzione, sarà esposto al pubblico dal 20 ottobre al 18 novembre, per entrare poi nella collezione pubblica della Rocca stessa. Serie Imperiale offre e sancisce l'occasione per dedicare la prima opera di Flavio Favelli per Valsamoggia, luogo dove lui stesso, quasi vent'anni fa, ha scelto di abitare e lavorare.

Le tappe di questa esperienza durata quasi un anno, hanno visto la prima fase site specific, denominata “Pittura”, culminare nella presentazione dei due wall painting realizzati presso la ex miniCoop e la Casa del Popolo di Bazzano: “Serie Imperiale ha restituito questi edifici al dibattito culturale, li ha resi protagonisti, fino a fare ciò che solo all’arte riesce bene: immortalarli e renderli perpetui, come parte imprescindibile dell’opera”, scrive Elio Rigillo nel testo in catalogo.
​Sono poi seguite, in estate, le fasi rispettivamente denominate “Strappo” e “Otturazione”, che hanno visto gli interventi di rimozione dei murali e la loro intelaiatura a cura del Laboratorio di restauro Camillo Tarozzi e le successive operazioni sui muri eseguite dall’artista come parte integrante dell’opera. Per finire, la documentazione 3D a cura di DeyeVR ha suggellato la complessa storia di Serie Imperiale fissando per sempre l’immagine delle opere nei rispettivi siti di realizzazione mediante la fotografia immersiva a 360°.

Serie Imperiale è un progetto di Flavio Favelli, promosso dall’associazione culturale Nosadella.due su commissione pubblica della Fondazione Rocca dei Bentivoglio (Valsamoggia, Bologna) vincitore della seconda edizione di Italian Council 2017, ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura Contemporanee e Periferie Urbane (DGAAP) – Ministero per i Beni e le Attività Culturali.

Orari di apertura della mostra
dal martedì al venerdì 15.00-19.00, sabato 9.00-13.00 / 15.00-18.30
domenica e festivi 10.00-19.00 (dal 1 novembre la chiusura è alle ore 18.00)

Ingresso gratuito

Per info sul programma delle attività collaterali e prenotazioni visite e workshop
tel. 051 836405/42 – 339 7612628 (lunedì-sabato, 9.00-13.00)
oppure scrivere una e-mail: didattica@roccadeibentivoglio.it
www.frb.valsamoggia.bo.it

In occasione della Settimana dei Diritti dell'infanzia e dell'adolescenza, un laboratorio per bambini da 5 a 11 anni.

«C’era una casa molto carina, senza soffitto e senza cucina...». L’esperienza delle scuole all’aperto ci fa comprendere che per diventare esploratori del mondo è importante fare tesoro degli insegnamenti della natura. La visita alla mostra Ritorno al futuro? e la lettura di alcuni albi illustrati forniscono ai bambini gli strumenti necessari per scoprire il proprio “habitat naturale” costruendo personali rifugi tridimensionali da cui ri-scoprire la realtà.

Prenotazione obbligatoria allo 051 6496627 (mercoledì dalle 10 alle 17 e giovedì dalle 13 alle 17) oppure mamboedu@comune.bologna.it.

Nel 2018 ricorre il terzo centenario della morte di Giuseppe Maria Mitelli (1634-1718).

La Biblioteca d’Arte e di Storia di San Giorgio in Poggiale, che è in assoluto l’Istituto che conserva il maggior numero di incisioni dell’artista bolognese, propone con questa mostra una lettura insolita della sua opera. Mitelli è oggi conosciuto dal grande pubblico soprattutto per le acqueforti dei proverbi popolari e dei giochi da tavola. Meno nota, ed è questo il tema che l’esposizione affronta, è la vena malinconica che percorre gran parte della sua produzione, riconducibile ad una costante riflessione sul fluire incessante del tempo e sulla vanità delle passioni umane.

Figlio del suo secolo, Giuseppe Maria Mitelli, con la continua meditazione sulla morte come antidoto alle vanità mondane, fa propri i temi connotanti la sensibilità barocca (la coscienza della caducità umana, l’avanzare inesorabile del tempo, il carattere effimero di ogni gioia terrena, la fugacità del vivere e la vanità delle passioni), temi che, già episodicamente presenti negli anni giovanili, diventeranno in prosieguo di tempo sempre più connotanti la sua produzione artistica.
Saranno esposte 36 acqueforti di Mitelli, suddivise in sette sezioni.

In occasione della mostra saranno organizzate cinque conferenze ad ingresso gratuito, per approfondire il tema della “fugacità del vivere” nella cultura barocca.

• 20 settembre | Vanitas nella pittuta del Seicento con Angelo Mazza
• 27 settembre | Il Memento mori nella produzione tipografica bolognese del Seicento con Pierangelo Bellettini
• 2 ottobre | I disegni di Giuseppe Maria Mitelli con Elena Rossoni
• 9 ottobre | Lo scheletro e la clessidra. Il tema del Tempo che fugge nella scultura barocca con Mark Gregory d’Apuzzo
• 16 ottobre | “Misurar l’eternitade”. Orologi, clessidre e meridiane nella poesia barocca con Giovanni Baffetti

Orari: lunedì: 9 - 13; martedì: 9 - 19; mercoledì, giovedì, venerdì: 9 - 13

La mostra si trova tra nel corridoio fra il Cortile d'Onore e il Cortile del Pozzo Guido Fanti.

Una selezione di 40 fotografie d'autore per raccontare il rapporto tra Lucio Dalla e la sua città: concerti, momenti ufficiali, partite di calcio, ma anche passeggiate e incontri intorno a un tavolo, per rivivere una storia che ha plasmato l'identità di Bologna. Gli scatti di Walter Breveglieri, Piero Casadei, Paolo Ferrari, Luciano Nadalini, Michele Nucci, Alessandro Ruggeri, Luca Villani e altri saranno esposti nelle bacheche tra i due Cortili del Comune a partire dal primo marzo, data di anniversario della morte di Dalla.

La mostra è realizzata dalla Cineteca di Bologna nell'ambito delle attività di Bologna Città Creativa della Musica UNESCO, con il supporto di UFO, Unione Fotografi Organizzati, degli autori delle fotografie e di Coop Alleanza 3.0.

Orari apertura mostra: dalle 8 alle 19.

Apre a San Lazzaro di Savena la Fondazione Massimo e Sonia Cirulli, una nuova istituzione privata italiana che nasce sulla base di un archivio storico dedicato alla cultura italiana del XX secolo, avviato a New York nel 1984 dai suoi fondatori, Massimo e Sonia Cirulli e che oggi conta una collezione di alcune migliaia di pezzi.

Contestualmente all’apertura dello spazio inaugura la mostra Universo Futurista, a cura di Jeffrey T. Schnapp e Silvia Evangelisti, focalizzata sul nucleo della collezione dedicato a questo periodo storico (1909 -1939) su cui non cessa di rinnovarsi l’attenzione degli studiosi, attraverso mostre e pubblicazioni, e del pubblico. La mostra presenta una selezione di opere dalla collezione della Fondazione Cirulli e pone l’accento su tematiche centrali dell’estetica futurista come l’inno alla vitalità creativa, alla giocosità e alla fantasia di un’arte che rallegra il mondo ricreandolo integralmente, riprendendo le parole del Manifesto “Ricostruzione Futurista dell’Universo” redatto nel 1915 da Giacomo Balla e Fortunato Depero. L’estetica futurista muove i suoi passi da un nuovo modo di concepire la creazione artistica, che supera i confini delle arti tradizionali e coinvolge la vita quotidiana nella sua totalità per diventare “arte totale”, creando un legame strettissimo tra arte e vita.

Universo Futurista approfondisce questa nuova concezione estetica attraverso l’accurata selezione di dipinti, sculture, oggetti di design, disegni progettuali, fotografie e fotomontaggi, manifesti pubblicitari e documenti autografi di ogni genere realizzati da artisti futuristi dal 1909 fino alla fine degli anni ‘30 del Novecento.

Attraverso una straordinaria varietà di opere della Fondazione Cirulli, il percorso espositivo propone "ambientazioni" dedicate a tematiche care ai futuristi come la velocità, l’energia, il progresso, l’uomo meccanizzato e il design domestico.

Come spiega lo studioso americano Jeffrey T. Schnapp, co-curatore della mostra, il progetto non segue un’impostazione storico-artistica tradizionale ma propone “un percorso esplorativo attraverso l’abbondanza e la molteplicità dei materiali conservati nella collezione della Fondazione, evidenziando raggruppamenti, costellazioni, ritmi diversi di opere e variazioni di misura dal grande al piccolo, dal pieno al vuoto”.

In mostra un nucleo di oltre 200 opere realizzate in diversi materiali, forme e misure create da artisti quali Balla, Boccioni, Bonzagni, Bucci, Casarini, Chiattone, D’Albisola, Depero, Diulgheroff, Guerrini, Korompay, Licini, Marchi, Marinetti, Masoero, Munari, Prampolini, Russolo, Schawinsky, Sant’Elia, Sironi, Tato, Thayaht.

Orari

Dall’11 giugno al 14 settembre apertura su appuntamento dal lunedì al venerdì dalle 10:00 alle 17:00. Chiusa il mese di agosto. (contatti: info@fondazionecirulli.org, oppure tel. 051 6288300)

Biglietti
Intero € 10,00

Ridotto € 8,00
Gruppi da 10 fino a 20 persone
Visitatori over 65
Card Musei Metropolitani Bologna

Ridotto € 5,00
Gruppi da 21 a 25 persone
Studenti dai 6 ai 18 anni
Studenti universitari con tessera in corso di validità
Scolaresche

Foto tratta da Artribune

La promessa di regalare al visitatore suggestioni uniche e originali del nostro territorio viene ampiamente mantenuta nel collage di emozioni in bianco e nero che il Consorzio CER ha ideato ed organizzato con la collaborazione di numerosi partner per valorizzare non solo una delle opere idrauliche più importanti del paese, ma per celebrare l’attività dell’uomo laborioso.

L’esposizione fotografica, curata da Sonia Lenzi, consegna al nostro presente la rilevanza del Canale per le economie agroalimentari di parte dell’Emilia e di gran parte della Romagna. Al contempo ci fa compiere un salto all’indietro, in un universo composito fatto di essenzialità, cruda, reale, quasi documentaristica, rappresentato dal maestro di neorealismo di Castel Guelfo, nato in quella fetta di terra bagnata dal Sillaro spesso indicata come spartiacque di confine tra l’Emilia e la Romagna, che ha iniziato il “mestiere di fotografo a Medicina.

In mostra viene esposta una scelta significativa dei lavori di Enrico Pasquali degli anni ‘50-’60 e un video con una ricca serie di testimonianze orali e interviste a lavoratori, tecnici, progettisti e dirigenti, protagonisti dell’avviamento dei lavori del Canale Emiliano Romagnolo, realizzate nel 2014 da Sonia Lenzi, con la regia di Enza Negroni.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

That’s IT! è una mostra collettiva generazionale a cura di Lorenzo Balbi. 
L’esposizione, ospitata all'interno della Sala delle Ciminiere del MAMbo, presenta i lavori di 56 tra artisti e collettivi nati dal 1980 in avanti, esplorando differenti media e linguaggi.

That’s IT! (IT come codice dell’Unione Europea che individua la sigla dell’Italia) non si sviluppa, volutamente, intorno a un concept unitario e monolitico, ma propone interrogativi e possibili letture della contemporaneità in una prospettiva aperta, dialettica e magmatica. Ha ancora senso oggi definire un artista “italiano”? Cosa contribuisce a determinare la definizione di “italianità”? Tale definizione ha delle conseguenze sull’autorappresentazione dell’artista? Dove e come poniamo il confine geografico e generazionale? La mostra propone alcune tra le possibili risposte.

Ingresso € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso ridotto a 3 euro

Visite guidate

domenica 14 ottobre e 11 novembre, h 16

Realizzata nell’ambito del Festival Francescano, la mostra presenta una nutrita selezione dei vari cicli liturgici, realizzati tra il XIII e il XV secolo per la basilica bolognese di San Francesco, che attualmente fanno parte della ricca collezione di codici miniati del Museo Civico Medievale.

Tra questi si segnala la serie di preziosi graduali francescani riccamente miniati dal cosiddetto Maestro della Bibbia di Gerona, protagonista assoluto della decorazione libraria bolognese della fine del Duecento. Prossimi a questa anche la serie poco più tarda degli antifonari, anch'essi ampiamente decorati, ispirandosi in parte alle più antiche esperienze del Giotto assisiate, evidentemente filtrate in città attraverso lo stesso ordine dei frati minori.

A queste prime serie di corali ne seguirono altre nel corso del Quattrocento, quando i frati minori si affidarono a vari miniatori coordinati dal bolognese Giovanni di Antonio, per decorare intorno al 1440-50 alcuni dei loro libri liturgici, anch'essi presentati in occasione della mostra.

Visite guidate

sabato 22 settembre 2018 h 10.30, giovedì 11 ottobre 2018 h 17, domenica 21 ottobre h 16.30, giovedì 22 novembre 2018 h 17, giovedì 20 dicembre 2018 h 17, domenica 13 gennaio 2019 h 16.30, giovedì 14 febbraio 2019 h 17, giovedì 7 marzo 2019 h 17

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Provocatore, padre del realismo e uomo dalla personalità complessa, Courbet fu anche un eccellente paesaggista, che considerava la natura la sua principale fonte di ispirazione: non a caso due terzi della sua produzione sono costituiti da panorami, vedute, scorci, orizzonti, lande campestri, in cui il protagonista è l’elemento naturale.

Per la prima volta dopo circa cinquant’anni dall’ultima rassegna a lui dedicata, Gustave Courbet torna in Italia. Palazzo dei Diamanti gli rende omaggio con un’importante retrospettiva che racconterà la carriera del grande maestro francese approfondendo, in particolare, la sua ampia produzione di paesaggi e il suo singolare rapporto con la natura.

L’esposizione presenterà circa cinquanta tele provenienti dai più importanti musei internazionali e condurrà il visitatore in un percorso emozionante: dalle vedute della natia Franca Contea alle spettacolari marine spesso scosse dalla tempesta, dalle misteriose grotte da cui scaturiscono sorgenti alle cavità carsiche che si spalancano nei torrenti, dai sensuali nudi immersi in una rigogliosa vegetazione alle suggestive scene di caccia, fino ai potenti capolavori realisti della maturità. 

Dotato di una rara sensibilità, la sua visione personale ma realistica del mondo lo ha portato a innovare profondamente la pittura. Le sue opere, mantenendosi in bilico fra gli echi del Romanticismo e i riflessi di un Impressionismo che proprio in quegli anni muoveva i primi passi, rappresentarono un sicuro modello di riferimento per Manet, Monet, Degas e compagni.

Con Courbet e la natura il pubblico italiano potrà quindi riscoprire l’opera di uno dei più grandi pittori dell’Ottocento, un artista che ha lasciato un segno indelebile sulla sua epoca riuscendo a traghettare l’arte francese dal sogno romantico alla cruda pittura di realtà, e da questa a un nuovo amore per la natura.

Mostra a cura di Vincent Pomarède, Dominique de Font-Réaulx, Isolde Pludermacher, Maria Luisa Pacelli e Barbara Guidi
Organizzata dalla Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara. 

Per gli abbonati Card Musei Metropolitani ingresso ridotto al prezzo speciale di 11€ invece che 13€ 

I biglietti delle mostre con la riduzione Card Musei non possono essere acquistati online: vanno comprati direttamente presso le sedi delle mostre.

Aperto tutti i giorni dalle 9.00 alle 19.00
Aperto anche 1 novembre, 8, 25 e 26 dicembre, 1 e 6 gennaio

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Aperture serali straordinarie

31 ottobre, 8 dicembre, 4 e 5 gennaio fino alle 22.30;
31 dicembre fino alle 23.30

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Informazioni e prenotazioni
tel. 0532 244949 | diamanti@comune.fe.it

Con circa 200 fotografie in bianco e nero stampate in diversi formati, la rassegna ospitata dai Musei San Domenico di Forlì attraversa l’intera carriera del fotografo siciliano e si sviluppa lungo un articolato percorso narrativo, costruito su diversi capitoli e varie modalità di allestimento.

Ferdinando Scianna è uno tra i più grandi maestri della fotografia non solo italiana. Ha iniziato ad appassionarsi a questo linguaggio negli anni Sessanta, raccontando per immagini la cultura e le tradizioni della sua regione d’origine, la Sicilia. Il suo lungo percorso artistico si snoda attraverso varie tematiche – l’attualità, la guerra, il viaggio, la religiosità popolare – tutte legate da un unico filo conduttore: la costante ricerca di una forma nel caos della vita. In oltre 50 anni di racconti non mancano di certo le suggestioni: da Bagheria alle Ande boliviane, dalle feste religiose - esordio della sua carriera - all’esperienza nel mondo della moda, iniziata con Dolce & Gabbana e Marpessa. Poi i reportage (fa parte dell’agenzia foto giornalistica Magnum), i paesaggi, le sue ossessioni tematiche come gli specchi, gli animali, le cose e infine i ritratti dei suoi grandi amici, maestri del mondo dell’arte e della cultura come Leonardo Sciascia, Henri Cartier-Bresson, Jorge Louis Borges, solo per citarne alcuni.

Avendo deciso di raccogliere in questa mostra la più ampia antologia dei suoi lavori fotografici, con la solita e spiccata autoironia, Ferdinando Scianna, in apertura del percorso espositivo, sceglie un testo di Giorgio Manganelli: "Una antologia è una legittima strage, una carneficina vista con favore dalle autorità civili e religiose. Una pulita operazione di sbranare i libri che vanno per il mondo sotto il nome dell’autore per ricavarne uno stufato, un timballo, uno spezzatino..."

Ferdinando Scianna del suo lavoro scrive: "come fotografo mi considero un reporter. Come reporter il mio riferimento fondamentale è quello del mio maestro per eccellenza, Henri Cartier-Bresson, per il quale il fotografo deve ambire ad essere un testimone invisibile, che mai interviene per modificare il mondo e gli istanti che della realtà legge e interpreta. Ho sempre fatto una distinzione netta tra le immagini trovate e quelle costruite. Ho sempre considerato di appartenere al versante dei fotografi che le immagini le trovano, quelle che raccontano e ti raccontano, come in uno specchio. Persino le fotografie di moda le ho sempre trovate nell’azzardo degli incontri con il mondo."

Biglietti

intero: 13.50€ 
ridotto Card Musei Metropolitani Bologna: 10€ 

INAUGURAZIONE: Giovedì 27 Settembre 2018 alle ore 18.30 presso il Chiostro dell'ex Convento di Santa Cristina, via del Piombo 5.

In occasione del cinquantesimo anniversario del SESSANTOTTO, l’Associazione Orlando è lieta di presentare una mostra tematica e cronologica, un percorso che attraverso materiali di archivio (documenti, riviste, fotografie e video) sarà espressione di una contaminazione di linguaggi differenti che daranno vita ai corpi, le parole e gli spazi delle donne che hanno caratterizzato l'Italia e la città di Bologna dagli anni sessanta fino a oggi.

Grazie alla grande quantità di materiali provenienti dall'Archivio di Storia delle Donne e dalla Biblioteca Italiana delle Donne di Bologna - in collaborazione con altri archivi storici e personali nazionali
e internazionali - la mostra sarà suddivisa in quattro ambiti tematici:

- il sé e le piazze: dalle pratiche dell'autocoscienza alle grandi manifestazioni per l’autodeterminazione delle donne;
- Lotto marzo 1977/2017: dalle manifestazioni locali agli scioperi globali;
- i luoghi delle donne: trasmettere saperi, pratiche e reti nel tempo;
- costumi e consumi: rappresentazioni, corpi, gesti che cambiano.

La mostra è aperta dal LUNEDI' al SABATO dalle ore 10 alle 18.
L'ingresso è gratuito.

#AlzaIlTriangoloAlCielo
#mostra #women #feminist

INFO:
www.women.it | ass.orlando@women.it
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Palazzo Fava ospita la mostra Mondi Paralleli dedicata al pittore visionario Sergio Vacchi. 

Inaugura a Palazzo Fava il 28 settembre Mondi Paralleli, la mostra che Fondazione Carisbo e Genus Bononiae. Musei nella Città dedicano al pittore visionario Sergio Vacchi e al suo sguardo modernissimo e precursore di tante espressioni figurative del contemporaneo, dall’onirismo cinematografico di Fellini al tratto sensuale di Guido Crepax.
Protagonista assoluto dell’arte italiana del Novecento e maestro del cosiddetto “ultimo naturalismo” - secondo le parole dell’amico e grande ammiratore Francesco Arcangeli - Vacchi approda al Neoespressionismo, facendo tesoro di esperienze surrealiste che seppe ricollegare alla grande tradizione della metafisica di De Chirico.

La mostra, a due anni dalla scomparsa del Maestro, è curata da Marco Meneguzzo, che già nel titolo ha voluto richiamare proprio la capacità della pittura di Vacchi di compenetrare ambiti lontani dal mondo dell’arte, dal cinema alla letteratura al fumetto, anticipando la tendenza contemporanea alla contaminazione e al dialogo tra i diversi linguaggi artistici. Non a caso Vacchi - che da Bologna, sua città di nascita, si trasferì a Roma nel 1959 – entrò immediatamente in contatto non solo con il mondo artistico, ma con tutto il variegato ambiente intellettuale romano, stringendo amicizia con Renato Guttuso, Federico Fellini, Giuliana Calandra, Vittorio De Sica, Goffredo Parise, Paolo Volponi e numerosi altri artisti che gravitavano nella capitale e che mostrarono interesse ed entusiasmo per la sua personalissima pittura: a Roma Vacchi iniziò anche ad avere importanti collezionisti tra cui Carlo Ponti e Sofia Loren che acquistarono negli anni Sessanta ben centodieci suoi quadri.

Orari
Martedì, Mercoledì, Giovedì, Venerdì, Sabato, Domenica: 10-20

Biglietti

intero: € 8
ridotto Card Musei Metropolitani Bologna:€ 4

Arte, magia ed esoterismo sono i protagonisti della mostra che Palazzo Roverella ospiterà dal 29 settembre 2018 al 27 gennaio 2019.

Promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo con l’Accademia dei Concordi ed il Comune di Rovigo e curata da Francesco Parisi, l’esposizione ripercorre i rapporti tra le correnti esoteriche in voga tra il 1880 e gli anni immediatamente successivi al primo conflitto mondiale e la loro influenza sulle arti figurative europee, dal movimento simbolista alle successive avanguardie storiche. 

Tra gli artisti in mostra: Odilon Redon, Paul Ranson, Eugene Grasset, Jean Delville, Felicien Rops, Austin Osman Spare, Paul Sérusier, Alberto Martini, Carlos Schwabe, Wassily Kandinsky, Auguste Rodin, Edvard Munch, Frantisek Kupka, Giorgio Kienerk, Leonardo Bistolfi, Ferdinand Hodler, Albert Trachsel, Mikalojus Constantitnas Ciurlionis, Hugo Höppener (Fidus), Peter Behrens, Bruno Taut, Ernesto Basile, Paul Klee, Johannes Itten, Luigi Russolo, Willelm Morgner, Kazimir Malevič, Gaetano Previati, George Frederic Watts, Giacomo Balla, Piet Mondrian, Frantisek Kupka, Romolo Romani.

Orari

Feriali 9.00-19.00
Sabato e festivi 9.00-20.00
Aperta 7 giorni su 7

Biglietti

Intero: 12 €
Ridotto Card Musei Metropolitani: 8 €

Arriva per la prima volta a Bologna un’importante retrospettiva sull’opera di Alphonse Mucha, uno tra i più grandi interpreti dall’Art Nouveau. Dal 29 settembre 2018 al 20 gennaio 2019 le sale settecentesche di Palazzo Pallavicini faranno da cornice a 80 tra le più celebri opere dell’artista ceco, di cui 27 esposte per la prima volta in Italia.

La mostra, organizzata da Chiara Campagnoli, Rubens Fogacci e Deborah Petroni della Pallavicini srl in collaborazione con Mucha Foundation e con la curatela di Tomoko Sato, pone uno sguardo inedito sull’opera del grande artista.

Alphonse Mucha (1860-1939) fu uno dei più celebrati e influenti artisti della Parigi fin-de-siècle, conosciuto ai più per le sue grafiche, come i cartelloni teatrali realizzati per l’attrice ‘superstar’ Sarah Bernhardt e le sue immagini pubblicitarie con donne eleganti ed attraenti. Mucha creò un suo stile ben definito – le style Mucha – caratterizzato da composizioni armoniose, forme sinuose, riferimenti alla natura e colori pacati, che divenne sinonimo dell’emergente stile decorativo del periodo, l’Art Nouveau.

Nonostante il potente impatto del suo stile, però, poco si è mai saputo delle idee sull’arte e l’estetica all’origine del suo lavoro. Il percorso espositivo, dal titolo Alphonse Mucha, esamina gli aspetti teorici delle sue opere, soprattutto il concetto di bellezza, principio centrale della sua arte.

Con circa 80 opere, selezionate tra quelle della Fondazione Mucha, la mostra include alcuni tra i più iconici lavori dell’artista, poster e cartelloni del suo periodo parigino, e getta inoltre uno sguardo al linguaggio artistico con cui Alphonse Mucha espresse il suo nazionalismo una volta ritornato nella sua patria negli ultimi anni della sua vita.

Orari di apertura

Aperto da giovedì a domenica dalle 11.00 alle 20.00
Chiuso il lunedì, martedì e mercoledì.

La biglietteria chiude 1h prima (ore 19 ultimo ingresso)

Biglietto d'ingresso

Intero: euro 13,00 
Ridotto per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna: 9 € anziché 13 €

I biglietti delle mostre con la riduzione Card Musei non possono essere acquistati online: vanno comprati direttamente presso le sedi delle mostre.

La Fondazione MAST espone oltre 250 immagini storiche e contemporanee di 65 artisti di tutto il mondo sul tema Industria e Lavoro: Gabriele Basilico, Luca Campigotto, Mario De Biasi, Robert Doisneau, Vincent Fournier, David Goldblatt, Jacqueline Hassink, Lewis Hine, Rudolf Holtappel, Emil Hoppé, Mimmo Jodice, Peter Keetman, Dorothea Lange, Helen Levitt, Winston Link, Don McCullin, Tina Modotti, Ugo Mulas, Alexey Titarenko, Jakob Tuggener.

La nuova mostra, a cura di Urs Sthael, propone una riflessione, a più voci, sul tema della velocità che caratterizza l’attuale società globale. Il pendolo simboleggia questo moto perenne del mondo e dei suoi abitanti nello spazio e nel tempo. Il suo oscillare è sinonimo di cambiamenti improvvisi d’opinione, di convinzioni che si ribaltano nel loro esatto contrario. Inoltre, la sua immagine evoca il traffico pendolare, i milioni di persone che la mattina presto per lavoro raggiungono il centro delle città e la sera tornano stanche ai loro quartieri dormitorio. Ma il pendolo è anche un simbolo valido per i traffici in genere, per quel perenne scambio di merci a fronte di altre merci, di denaro, di promesse.
La mostra illustra visivamente le energie contrastanti e diametralmente opposte che si sprigionano da questi due fenomeni: da una parte la forza prorompente dei motori, l’enorme accelerazione, i mezzi di trasporto trasformati in feticcio del nostro tempo e dall’altra il rallentamento, la brusca, violenta frenata, il blocco dei flussi di persone che migrano.

Orari di apertura
Martedì - Domenica 10.00 - 19.00

Ingresso libero

Foto: Mimmo Jodice 
Napoli, Manifestazione a Piazza Garibaldi, 1967
Stampa ai sali d’argento, 19,3 x 29 cm
© Mimmo Jodice

La mostra presenta al pubblico, per la prima volta, il ricco corpus di opere entrate nella collezione della Raccolta Lercaro grazie alla donazione disposta nel 1997 dall’artista Sandro Cherchi (Genova 1911-1998) e, successivamente, dalla moglie Anna.

Oltre a disegni, incisioni, ceramiche e vetri realizzati dall’artista stesso, il nucleo comprende opere della sua collezione privata: due splendidi disegni su carta di Marino Marini, una cera graffita di Felice Casorati, una fragile quanto preziosa ceramica smaltata di Lucio Fontana, seguita da un grande foglio di carta ancora “impastato” di argilla su cui sono tracciati studi e bozzetti per sculture diverse. Poi ancora, un carboncino di Ennio Morlotti, diversi disegni di Mino Maccari, al confine tra umorismo vignettistico e satira, un delicatissimo ritrattino femminile di Pietro Marussig, una natura morta su carta di Giuseppe Santomaso, due litografie di Pablo Picasso, una di Jean Dubuffet, e un’altra di Virgilio Guidi, un olio di Piero Ruggeri e un lavoro di Emilio Scanavino. Infine, due opere antiche: un’icona e un disegno a penna su carta del XVIII secolo. Ad eccezione di queste ultime, che testimoniano l’ampio respiro degli interessi figurativi di Cherchi, tutte le altre opere provengono dalle ricerche di artisti a lui coetanei e riflettono la rete di relazioni che lo circondava. Si tratta, infatti, di lavori entrati nella sua casa e nel suo studio grazie a quello scambio di pezzi che è prassi costante fra intellettuali che si stimano e che hanno occasione, anche per un breve periodo, di lavorare insieme. Una raccolta che assume un particolare significato culturale in quanto testimonianza non solo delle frequentazioni dello scultore ligure, della ricchezza e della continuità dei suoi rapporti artistici, ma anche della vivacità del clima culturale che, nel dopoguerra, ha caratterizzato quell’ampio “triangolo” territoriale compreso tra Milano, Torino e Genova in cui Cherchi ha lavorato.

Sandro Cherchi, artista interessante, avvia la propria attività di scultore a Genova, ma nel 1936 si trasferisce a Milano, dove conosce Renato Birolli, Giacomo Manzù, Bruno Cassinari, Giuseppe Migneco, Aligi Sassu, Duilio Morosini, Raffaele De Grada ed Ernesto Treccani, con i quali entra a far parte del gruppo Corrente. Nel 1942, in pieno conflitto, ritorna nella sua città natale e inizia ad interessarsi alla lavorazione plastica della ceramica su stimolo di Lucio Fontana, che lo invita ad Albisola. Da questo momento e fino alla fine della vita la ceramica rimarrà una costante nella sua ricerca artistica. A metà del secolo si verifica, lentamente, un’evoluzione del suo linguaggio espressivo, che procederà sempre più verso la bidimensionalità della pittura e che troverà il suo apice negli anni Sessanta, quando Cherchi si trasferirà a Torino per insegnare all’Accademia Albertina. Qui, immerso in un ambiente culturale che sta vivendo una stagione sperimentale giocata tra arte informale e “poverismo”, egli allarga ulteriormente la rete dei suoi contatti. La sua collezione oggi esposta in mostra è testimonianza di quell’atmosfera vivacissima, connotata da scambi, commistioni tra politica, spettacolo, critica e impegno culturale, e animata dal ruolo attivo delle gallerie d’arte.

Mostra a cura di Andrea Dall’Asta SJ

Mercoledì 3 ottobre 2018, ore 18 > inaugurazione mostra

Orari di apertura
giovedì e venerdì, 10-13
sabato e domenica, 11-18.30
Il 4 ottobre (San Petronio) e il 1° novembre il museo resterà aperto con orario ordinario

Ingresso libero

Il museo Magi‘900 di Pieve di Cento dedica una mostra a quelle ricerche artistiche meno note che affiancarono sottotraccia le correnti artistiche più spiccatamente rivoluzionarie degli anni ‘60.

L’esposizione è a cura di Valeria Tassinari.

Nell’immaginario di tutti l’arte internazionale degli anni Sessanta parla di sperimentazione e reazione all’eredità del passato. Ma, se è vero che ovunque tra Stati Uniti e Europa si sono espressi nuovi modi di concepire la visione e il rapporto arte e vita, è innegabile che la cesura rispetto all’eredità del dopoguerra non fu sempre radicale e che, rispetto ai fenomeni più noti, ve ne furono molti altri, rimasti nell’ombra ma non meno rappresentativi di quel clima.

Se dunque da un lato si vuole porre l’accento sugli anni ’60 come fucina della sperimentazione, dall’altro si vuole anche sottolineare come - in particolare nel contesto italiano - si sovrapposero ricerche molto differenti, talvolta persino conservatrici.

Attraverso una ricognizione nella sua vasta collezione, il MAGI’900 rilegge e mette in relazione tra loro tutte le opere realizzate in quel mitico decennio, in un’esposizione a tema che esplora senza pregiudizi gli aspetti della ricerca artistica, per sottolineare la varietà dei percorsi e degli intenti che caratterizzavano il ricchissimo fermento culturale di un momento in cui gli artisti e gli intellettuali si misero al centro della società, tra esplorazioni, contraddizioni e ripensamenti.

A cinquant’anni dal ’68, considerato per antonomasia l’anno della ribellione e della provocazione ma anche del boom economico e del potere della fantasia portato nella quotidianità, questo allestimento vuole sottolineare la polifonia delle voci che, per gruppi o singolarmente, ora contribuisce a farci rileggere il fermento di quel periodo con curiosità e rinnovata attenzione.

In occasione della mostra saranno organizzati eventi collaterali e incontri di approfondimento interdisciplinare su temi di cultura, economia e costume.

Ingresso libero

Il Museo Civico Archeologico di Bologna ospita le opere dei due più grandi Maestri del Mondo Fluttuante: Katsushika Hokusai (1760-1849) e Utagawa Hiroshige (1797-1858).

La mostra espone, per la prima volta in Italia, una selezione straordinaria di circa 250 opere provenienti dal Museum of Fine Arts di Boston.

Il progetto di mostra, diviso in 6 sezioni tematiche, curato da Rossella Menegazzo con Sarah E. Thompson, è una produzione MondoMostre Skira con Ales S.p.A Arte Lavoro e Servizi in collaborazione con il Museo di Boston, promosso dal Comune di Bologna | Istituzione Bologna Musei e patrocinato dall’Agenzia per gli Affari Culturali del Giappone, dall’Ambasciata del Giappone in Italia e dall’Università degli Studi di Milano.

L’esposizione prosegue le iniziative avviate nel 2016 per il 150° anniversario delle relazioni bilaterali Italia‐Giappone.

Gli anni trenta dell’Ottocento segnarono l’apice della produzione ukiyoe nota come Immagini del Mondo Fluttuante. In quel periodo furono realizzate le serie silografiche più importanti a firma dei maestri che si confermarono come i più grandi nomi dell’arte giapponese in Occidente.

Tra questi spiccò da subito Hokusai, artista e personalità fuori dalle righe che seppe rappresentare con forza, drammaticità e sinteticità insieme i luoghi e i volti, oltre che il carattere e le credenze della società del suo tempo. Egli è considerato uno dei più raffinati rappresentanti del filone pittorico dell’ukiyoe.

Più giovane di circa vent’anni rispetto a Hokusai, Hiroshige divenne un nome celebre della pittura ukiyoe poco dopo l’uscita delle Trentasei vedute del monte Fuji del maestro grazie a una serie, nello stesso formato orizzontale, che illustrava la grande via che collegava Edo (l’antico nome di Tokyo) a Kyoto. 

Per gli abbonati Card Musei Metropolitani ingresso ridotto al prezzo speciale di 7€ invece che 14€ 

Una nuova mostra temporanea va ad arricchire il percorso espositivo permanente del MUV, che espone al pubblico sia reperti di eccellenza provenienti dagli scavi di Marano di Castenaso, fra cui la famosa Stele delle spade del VII sec. a.C., sia la ricostruzione di una capanna villanoviana in dimensioni reali e completamente arredata, che campeggia nel giardino del Museo.

La mostra Oggetti dal quotidiano: un giorno all’interno di un villaggio villanoviano rappresenta per il visitatore un viaggio nel tempo fino alla prima età del Ferro italiana e si pone come integrazione ideale alla visita guidata alla capanna villanoviana.

In esposizione attrezzi e utensili legati sia ad attività femminili per eccellenza, come la filatura, la tessitura, la preparazione, la conservazione e la cottura dei cibi, sia a pratiche tipiche del genere maschile, come l’agricoltura, l’allevamento, la caccia e la pesca. Si tratta di un’importante occasione per ospitare al MUV una ricca selezione di materiali emersi da scavi di abitato, solitamente poco esposti nei musei, provenienti dall’Etruria padana e non solo, così da permettere un confronto con le coeve civiltà dell’Italia centro-meridionale.

Il percorso di visita è incentrato su alcuni reperti di grandi dimensioni collocati su una pedana al centro della sala: tre doli, ovvero tre grandi vasi ceramici di forma sferica, utilizzati per immagazzinare provviste alimentari come cereali e legumi tostati ed essiccati, ed un anello di terracotta pertinente alla camicia di un pozzo. Attorno a questi reperti di grandi dimensioni, posizionati al centro della stanza e fuori dalle vetrine, sono disposte le teche con gli strumenti e gli utensili relativi alle attività tipiche di una giornata all’interno di un villaggio villanoviano. 

La mostra, che resterà aperta fino al 9 giugno 2019, arricchisce e qualifica il percorso museale del MUV, favorendo dal punto di vista didattico la conoscenza di usi e costumi di questo remoto aspetto culturale della prima Italia, tipico dell'area bolognese e non solo. Affiancheranno la mostra e la consueta attività didattica sia le visite guidate a tema per gruppi di adulti, sia i percorsi laboratoriali rivolti alle scuole, incentrati sulla capanna, sui Villanoviani in generale e sulle tematiche affrontate nell’esposizione, includendo approfondimenti specifici sulle attività domestiche.

Inaugurazione
sabato 13 ottobre 2018 - ore 16.30
saluti istituzionali
visita guidata alla mostra
brindisi

domenica 14 ottobre
ingresso gratuito con visite guidate alle ore 16 e 17

La mostra è stata realizzata dal Comune di Castenaso in collaborazione con altre istituzioni.

Orari di apertura
martedì e domenica: 15.30-18.30; dal mercoledì al sabato: 9.00-13.00

Ingresso gratuito per gli abbonati Card Musei Metropolitani

Nello spazio espositivo della Project Room il MAMbo presenta VHS + video/animazione/televisione e/o indipendenza/addestramento tecnico/controllo produttivo 1995/2000.

Il progetto espositivo, nato da un'idea di Saul Saguatti (Basmati Film) e Lucio Apolito (Opificio Ciclope) con la curatela di Silvia Grandi e realizzato in collaborazione con il Dipartimento di Arti dell'Università di Bologna, si configura come un dispositivo di pulsazioni audio-visive che nascono dall’ibridazione di differenti linguaggi, formati e pratiche di comunicazione video sperimentata in Italia tra il 1995 e il 2000.

Venti anni circa durò il regno del VHS e venti anni circa ci separano da quel periodo in cui si verifica una simultaneità di produzioni a tecnica mista con un ricorrente confluire di performativo, videografica e mixed media. In quei nastri accumulati sugli scaffali e ormai obsoleti, oltre ai Bellissimi di Rete 4, alle partite di Italia ‘90, ai film de l’Unità, ci sono anche contenuti originali, il sogno elettronico di una stagione in cammino tra l’analogico e il digitale.

Montaggi video che raccontano un metodo produttivo, un esito estetico, un’utopia collettiva a bassi formati, bassa fedeltà e con tecnologie giocattolo; testimoniano come si lavorava con l’hardware ormai estinto e i primordi del software, iniziando un faticoso discorso tra simili e un difficile dialogo con la televisione allora imperante.

La produzione del periodo esorbita dall’autorialità individuale per estendersi a una dimensione collettiva, costituendosi in gruppi indipendenti di ricerca media-culturali che diventano veri e propri marchi come Opificio Ciclope, Fluid Video Crew, Ogino Knauss, Otolab e Sun Wu Kung di cui la mostra documenta i peculiari approcci espressivi.

In un mondo ancora senza bacheche, chat, social media e YouTube, questi laboratori pionieristici hanno materialmente costruito schermi di proiezione nelle loro rispettive residenze - Link Project a Bologna, Forte Prenestino a Roma, CPA ExLonginotti a Firenze, Garigliano e Pergola a Milano – sviluppando fucine creative sintonizzate con le coeve sperimentazioni più avanzate a livello europeo.

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 4,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Partendo dal racconto di parole, immagini e suoni dei ragazzi delle cooperative sociali La Fraternità e Arca di Noè, gli studenti dell’Accademia di Belle Arti di Bologna del corso di Decorazione per l’Architettura hanno realizzato i pattern tessili, stampati su tessuto fine serie presso la Dino Zoli Textile, per Jointly, una originale collezione di sedute.

L’archivio dei segni ed il patrimonio orale raccolti durante gli incontri, sono stati rielaborati graficamente dagli studenti nelle 29 stampe tessili dalle nuove narrazioni.

È QUI, la frase stampata su una delle sedute in mostra, rende simbolicamente presente la relazione frutto della mescolanza delle diverse identità, fatta di desideri, emozioni e ricordi che hanno ispirato il percorso di lavoro.

La mostra, a cura di Vanna Romualdi e con il coordinamento di Laura Giovannardi, è promossa dall’Accademia di Belle Arti di Bologna e dai Musei Civici d’Arte Antica.

Pensata per il Museo del Tessuto e della Tappezzeria “Vittorio Ziron” in occasione di Bologna Design Week, la mostra è accolta, per la temporanea chiusura al pubblico di Villa Spada, negli spazi espositivi del Museo Civico Medievale.

Il progetto, patrocinato della Fondazione Dino Zoli di Forlì, è sostenuto dalla Dino Zoli Textile di Forlì e dal Progetto Recooper in collaborazione con le cooperative sociali La Fraternità e Arca di Noè di Bologna per 2018 Anno Europeo del Patrimonio Culturale. La mostra è parte del progetto culturale Patrimonio, risorse per lo spazio pubblico, strumenti per la ricerca artistica contemporanea promosso dall’Accademia di Belle Arti di Bologna.

Visite guidate

domenica 11 novembre e 9 dicembre, h 16.30
 

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

La mostra Archeologie del Moderno. Il progetto grafico in Italia 1950 – 1980  è a cura del CDPG - Centro di Documentazione sul Progetto Grafico / Museo della Grafica dell’Aiap (Associazione italiana design della comunicazione visiva).

In esposizione una serie di percorsi guidati e una raccolta di testimonianze del graphic design italiano dagli anni Cinquanta agli Ottanta, attraverso progetti di ordine diverso: libri, manifesti, biglietti, copertine di dischi, imballaggi, allestimenti, marchi, identità visive.

La mostra, che ha esordito a Roma nel settembre 2017 nell’ambito di Aiap Design Per, International Graphic Design Week, presenta progetti di autori noti e meno noti: tra gli altri Silvio Coppola, Mimmo Castellano, Bob Noorda, Massimo Vignelli, Albe Steiner, Franco Grignani, Massimo Dolcini, Max Huber, Giancarlo Iliprandi, Anita Klinz, Aldo Novarese, Claudia Morgagni, Antonio Tubaro, Alfredo Mastellaro… Un viaggio dal sapore “vintage” tra i lavori dei maestri che hanno costruito la storia del design (grafico e non solo) in Italia inventando pratiche, strategie ed estetiche, destinate ad essere bagaglio indispensabile per la storia della comunicazione, e per la sua odierna cronaca.

La mostra resterà aperta fino al 21 novembre 2018.

Orari:
dal lunedì al venerdì, ore 10-19;
sabato ore 10-14; domenica chiuso.
Ingresso gratuito

Anna Di Prospero (Roma, 1987) è un'artista appena trentenne, formatasi a New York, che sta riscuotendo continui successi: ha vinto due tra i maggiori premi mondiali di fotografia, e di recente Concita De Gregorio l'ha scelta per la controcopertina del suo libro “Chi sono io?”. Il famoso autoritratto in cui è abbracciata alla madre è stata l'immagine della mostra “L'altro sguardo” alla Triennale di Milano, e un altro suo autoritratto è stato scelto come immagine della stessa mostra al Palazzo delle Esposizioni di Roma. A CUBO espone alcune opere della nota serie degli autoritratti familiari e altre della serie delle architetture contemporanee, in cui dove la figura esile e sinuosa di Anna si relaziona con edifici di architettura contemporanea di tutto il mondo.

Visita guidata per abbonati Card Musei: giovedì 8 novembre ore 17.30. Prenotazione qui

Orari di apertura

A 100 anni dalla fine del primo conflitto mondiale, la mostra intende presentare i risultati del progetto La Grande Guerra a Bologna tra Storia e Memoria, realizzato grazie al contributo della Presidenza del Consiglio dei Ministri: l’implementazione del portale www.storiaememoriadibologna.it, volto a creare e rendere accessibile a tutti gli utenti web una memoria collettiva, cittadina e nazionale sugli avvenimenti legati al primo conflitto mondiale, con particolare riferimento alla memoria dei caduti bolognesi.

All’interno della mostra, sarà possibile esplorare il modello 3D del Lapidario della Basilica di Santo Stefano, così come si presentava nell'anno dell'inaugurazione (1925), con 64 lapidi poste all'interno del chiostro recanti i nomi dei 2.536 caduti del Comune di Bologna.

Sono poi esposti documenti e cimeli originali relativi alla città di Bologna, normalmente non visibili al pubblico, che l'implementazione del portale www.storiaememoriadibologna.it ha permesso di fare conoscere e contestualizzare, riproducendone le immagini e raccontandone la storia: manifesti di propaganda dei prestiti nazionali, recentemente restaurat; fotografie di guerra provenienti da archivi pubblici e privati, e i tanti ritratti dei caduti rinvenuti nel corso dei lavori.

Visite guidate

domenica 21 ottobre 2018 h 11, domenica 4 novembre 2018 h 11, sabato 10 novembre 2018 h 11, domenica 25 novembre 2018 h 11, domenica 9 dicembre 2018 h 11, domenica 20 gennaio 2019 h 11

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Nel cuore del capoluogo emiliano, a pochi passi da Piazza Maggiore, gli spazi dell’ex chiesa di San Mattia ospitano “City Booming Bologna” – Un’esplosione di mattoncini, un enorme diorama di 60 metri quadri della più grande città al mondo costruita da oltre 7 milioni di mattoncini. Una metropoli colorata, riprodotta nei minimi particolari, dove in ogni angolo e in ogni scena c’è una storia da raccontare e qualche aneddoto da scoprire.

Sono oltre 6000 le mini figure che abitano gli edifici di “City Booming” e non mancano i supereroi come Batman, Wonder Woman, Spiderman, Hulk e molti altri, mischiati tra la ‘gente comune’, cui si affiancano personaggi dei disegni animati, dai Simpson alla Sirenetta, o celebrità del cinema, quali Sean Connery o Harrison Ford nelle vesti di Indiana Jones.

La mostra conduce i visitatori all’interno di un ambiente magico, ma estremamente realistico, dove nulla è lasciato al caso e ogni angolo nasconde una storia da raccontare.
Come ideale omaggio a Bologna, che ospita la mostra, sono state ricostruite la torre degli Asinelli e la torre della Garisenda.

Orari:
giovedì e venerdì dalle 14.30 alle 19.30
sabato e domenica dalle 9.30 alle 19.30
Apertura straordinaria: 1 e 2 novembre dalle 9.30 alle 19.30

Biglietto ridotto per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani

Ingresso:

• Biglietto intero: € 8,00
• Biglietto ridotto: € 6,00 – ridotto over 65, ragazzi da 12 a 20 anni non compiuti, studenti universitari fino a 26 anni (con tesserino identificativo), militari e appartenenti alle forze dell’ordine, convenzioni mostra, disabili (accompagnatore gratuito)
• Biglietto bambini: € 4,00 dai 4 ai 12 anni non compiuti
• Gratuito: bambini fino ai 4 anni non compiuti
• Biglietto famiglia: [2 adulti + 1 ridotto] o [2 adulti + 2 bambini]: € 20,00

Alla (ri)scoperta di uno dei grandi maestri del fumetto: è nel segno di Guido Buzzelli (1927-1992), precursore e padre del moderno graphic novel italiano, il primo atto della 12ma edizione di BilBOlbul 2018, in programma a Bologna dal 23 al 25 novembre prossimi. 

Guido Buzzelli. Anatomia delle macerie è il titolo della personale dedicata al “Michelangelo dei mostri” (come lo definì il critico e giornalista Michel Grisolia) che inaugurerà il prossimo 23 ottobre all’Accademia di Belle Arti di Bologna. 

 Buzzelli fu autore di storie fantastiche e visionarie pervase da un’amarissima vena di satira sociale, ferocemente critico verso il potere e la società dei consumi. La mostra ci introduce nel suo mondo attraverso un percorso tra 150 tavole a fumetti, schizzi e bozzetti preparatori. Le opere sono divise in sei sezioni, dedicate ai temi chiave della poetica dell’autore: dopo l’apertura con La rivolta dei Racchi, considerato dalla critica il primo graphic novel italiano, si prosegue con Il corpo, Le macerie, La società e il potere, Il diavolo e L’artista. A conclusione dell’esposizione, il prossimo 23 novembre, un grande convegno di studi, cui parteciperanno tra gli altri lo scrittore Vittorio Giacopini, il critico Matteo Stefanelli e l’autore di fumetti francese David B., si propone di restituire alla figura di Buzzelli e alla sua opera la centralità che gli spetta nel panorama del fumetto del Novecento.

La mostra è curata dal festival BilBOlbul in collaborazione con la casa editrice Coconino Press – Fandango e l’Accademia di Belle Arti di Bologna.

Ducati ospita nel proprio Museo a Borgo Panigale “Road Map”, una mostra temporanea dedicata a Leopoldo Tartarini e Giorgio Monetti con l’esposizione delle due moto originali con cui fecero il giro del mondo sessant’anni or sono, nel 1957-1958.

Un’impresa incredibile quella di Monetti e Tartarini, soprattutto se si pensa alla modalità del viaggiare, ai supporti logistici e tecnologici disponibili oggi che non erano disponibili allora. Dall’Europa al medio ed estremo Oriente, dagli sterminati deserti australiani alla Nuova Zelanda, dalle foreste dell’Amazzonia alle vette delle Ande e all’Africa Sahariana, Tartarini e Monetti hanno aiutato Ducati a promuovere il marchio e a costruire una rete di concessionari nelle nazioni dove la casa di Bologna non era ancora conosciuta.

La mostra con le due moto originali che compirono il giro del mondo sarà visitabile nel Museo Ducati fino al 7 gennaio 2019. Per informazioni sulle tariffe e gli orari del Museo è possibile consultare il sito del Museo

Biglietto ridotto per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani

Per la realizzazione di Most Were Silent Anush Hamzehian e Vittorio Mortarotti hanno trascorso, tra aprile e maggio 2016, più di un mese ad Alamogordo, in New Mexico. In questa assolata e sonnolenta cittadina alle propaggini del deserto della Jornada del Muerto, nulla sembra oggi evocare il ricordo di eventi bellici. Eppure è qui, nel segreto di una base militare, che l’energia atomica venne usata per la prima volta come strumento di distruzione. L’esplosione avvenne il 16 luglio 1945 e nulla sarebbe più stato come prima. “We knew the world would not be the same” disse Robert Oppenheimer, il fisico a capo dello sviluppo della prima bomba nucleare, che proseguì l’intervista riportando le reazioni dei suoi colleghi del Manhattan Project, un ricordo da cui gli artisti traggono il titolo della mostra: “A few people laughed, a few people cried, most people were silent”. In questo scenario storico e geografico, Alamogordo è la città più vicina al luogo dove ebbe inizio l’era atomica nella sua potenza distruttiva (Hiroshima e Nagasaki) e dissuasiva (guerra fredda). Dal territorio che ha fatto da sfondo a questo evento epocale, gli artisti fanno partire la riflessione che affronta i temi atavici della violenza umana e della memoria storica. Temi che nel corso dei millenni sono stati indagati da ogni forma di espressione intellettuale (arti visive, letteratura, giornalismo) e che gli artisti affrontano da una prospettiva inaspettata e profonda. Alle immagini in mostra sono infatti affiancati video d’archivio, oggetti e brevi documentari realizzati dal duo artistico; i riferimenti tra i contenuti sono indiretti e rimandano ad altre sfere sensoriali ed emotive, ricreando nuove prospettive, evitando la rincorsa alla verità ma mantenendo ben salda l’onestà del racconto.

incontro con gli autori: sabato 27 ottobre, ore 18

28 ottobre ore 12: visita guidata alla mostra condotta dagli autori. Evento gratuito con prenotazione obbligatoria su EventBrite (cliccare qui ).

AFTER PARTY: 27 ottobre 2018, ore 21, presso il nuovo spazio di produzione artistica "Spazio Labo' | Zanolini". Evento gratuito con prenotazione obbligatoria (cliccare qui).

In occasione dell’inaugurazione verrà presentato il libro Most Were Silent (Skinnerboox,
2018) da cui la mostra trae la sua origine. 

Orari di apertura:
lunedì-venerdì, 11-13 e 15-19

In occasione della candidatura dei portici di Bologna a diventare patrimonio Unesco lo scultore Ivan Dimitrov rende omaggio a Bologna presentando nella Sala Museale “E. Possati” dello storico Complesso del Baraccano una mostra antologica che comprende la serie completa dei suoi bassorilievi in terracotta dedicati alla città.
La mostra presenta circa 60 opere realizzate dagli anni 90 fino ad oggi, provenienti anche da collezioni private, e rappresenta un'occasione unica per vederle tutte riunite insieme.
Nei suoi bassorilievi Dimitrov rappresenta una Bologna da scoprire, intima e nascosta, con l'obiettivo di trasmettere l'atmosfera e il fascino che lo ha incantato vedendola per la prima volta: è una bellezza particolare, fatta di apparente semplicità ma ricca di vita, di cultura e di poesia . Accanto alle profonde ed assolate prospettive, che la tecnica tridimensionale del bassorilievo dipinto rende particolarmente suggestive e realistiche, l'artista propone scorci inconsueti, angoli silenziosi, dettagli privi di sfarzi o sontuosità ma sapientemente colti in un'inquadratura singolare o nell'attimo in cui una luce li trasforma in poesia.
Ivan Dimitrov, artista originario della Bulgaria, si è formato artisticamente in Italia frequentando diverse città, studiando e ammirando luoghi e opere dei Grandi artisti che hanno fatto la storia. Innamoratosi di Bologna, tanto da averle dedicato una parte importante della sua carriera artistica, la sceglie come sede di lavoro e la città diventa la sua città “d' adozione” ove ha realizzato cicli importanti di mostre.
La mostra “Bologna-Una città nel cuore”, ha il patrocinio della Regione Emilia Romagna , del Comune di Bologna-Quartiere Santo Stefano e dell'Associazione per le Arti “F. Francia”.

E' organizzata dalla galleria Studio Santo Stefano di Bologna.

Orari
Feriali: 9.30-12.30; 15-18
Domeniche e festivi:  9.30-12-30; 15-19
Ingresso gratuito - Per visite guidate e gruppi è richiesta la prenotazione

La Fondazione MAST, per il novantacinquesimo anniversario di G.D, una delle aziende storiche del Gruppo Coesia, presenta una mostra che ne racconta la lunga e affascinante vicenda industriale attraverso una ricca documentazione di immagini e filmati d’epoca provenienti dai propri archivi aziendali. Con un intervento di ricerca e di raccolta di documenti eseguito dallo staff di Kinè e Home Movies e con l’allestimento di Urs Stahel, viene offerto al pubblico uno spaccato, attraverso quasi un secolo di storia, non solo di una singola impresa, ma di un intero territorio che emerge in primo luogo dalle lastre fotografiche di vetro, protagoniste indiscusse della mostra: esposte nella loro veste migliore, retroilluminate e circondate dalle stampe a cui hanno dato origine. Filmati d’epoca, motorini degli anni trenta, una sfavillante videoinstallazione immersiva a 360°, un ciclorama che partendo dal singolo ingranaggio conduce il visitatore in un viaggio dentro le macchine G.D e nella straordinaria capacità e competenza di chi le progetta e le produce. Sulle pareti del cilindro che contiene la visone ciclorama, il wall painting di centoventi metri quadri, che riprende in grande formato la tecnica utilizzata per scontornare i negativi delle lastre originali dell’archivio fotografico di G.D: un omaggio all’operosità degli scontornatori e fotoritoccatori del passato, inconsapevoli pittori.

Completano il percorso espositivo, le proiezioni di due filmati istituzionali, commissionati in quegli stessi anni dall’azienda, che narrano il decennio tra gli anni ’60 e’70: l’ingresso e la specializzazione nel packaging del tabacco, l’avvento dell’elettronica, l’inizio del ricambio generazionale, nel contesto di un’Italia che stava vivendo uno dei suoi periodi più complessi e turbolenti. Il tutto rappresenta una traccia tangibile dei vari passaggi tecnologici, produttivi, strategici nella vita di una azienda radicata nel territorio dell’Emilia Romagna, che è stata una delle prime a dare inizio alla Packaging Valley ed è divenuta nei decenni una protagonista del mercato mondiale.

ln questi materiali, oggetto di una lungo lavoro di ricerca, di inventariazione, di digitalizzazione e di conservazione, le macchine G.D storiche presentano l’aspetto di oggetti eleganti, distribuiti nei grandi spazi della fabbrica e accudite da signori e signore che non mostrano nessun segno di alienazione.

Immagini che documentano un mondo esatto, dove ogni particolare riveste un ruolo essenziale: la luce che circola negli spazi e si riflette nelle cromature delle macchine sembra echeggiare la bellezza sobria degli ambienti borghesi dove il lavoro viene considerato un concetto con tratti nobili.

La storia di G.D inizia a Bologna in una piccola officina, produttrice di motocicli, dove l’azienda muove i primi passi nei difficili anni tra il 1920 e il 1930, supera la guerra e grazie al coraggio, alla determinazione e alla lungimiranza di Enzo e Ariosto Seràgnoli entra nel packaging - un settore che meglio di altri cavalca il boom economico italiano grazie alla forte richiesta di involucri leggeri, resistenti e colorati - fino ad approdare all’industria globalizzata dei giorni nostri.

La mostra si articola in un percorso espositivo ricco e multiforme composto di immagini, visioni e documenti per recuperare la memoria e portare alla luce dimensioni del lavoro che sfuggono normalmente alla rappresentazione ma da cui potranno nascere riflessioni, quesiti, confini, dimensioni per provare a sognare o a raffigurare il futuro.

Orari di apertura
Martedì - Domenica 10.00 - 19.00

Ingresso libero

Mostra documentaria, promossa dalla Soprintendenza archivistica con il coinvolgimento di 13 archivi, sia pubblici che privati, che vuole offrire una rilettura del periodo che va dal 1967 al 1973 a Bologna attraverso una scelta dei documenti originali conservati nei diversi istituti (volantini, opuscoli, manifesti, libri, riviste, fotografie, verbali dello Stato), selezionati alla luce di una tematica fondamentale emersa in quegli anni: la critica alla neutralità della scienza. A partire da questo concetto principale sono state approfondite alcune tematiche più specifiche, come la critica all’ordine globale, la relazione studenti e operai; il movimento degli studenti medi, la nascita della medicina del lavoro, la riforma dell’assistenza psichiatrica; la nascita del movimento femminista.

La mostra è visitabile nei giorni: martedì, mercoledì, giovedì, sabato e domenica dalle 10 alle 19, venerdì dalle 15 alle 19. Lunedì chiuso.

Ingresso libero

vedi tutti gli eventi collaterali alla mostra

La mostra, a cura di Mirella D'Ascenzo e Mino Petazzini e promossa da Istituzione Bologna Musei e Comune di Bologna - Settore Educazione, Istruzione e Nuove Generazioni in collaborazione con Fondazione Villa Ghigi e Università di Bologna, intende sviluppare il tema delle scuole all'aperto sorte nella storia occidentale ai primi del Novecento, focalizzando in particolare la situazione sull'Italia.

Sono presentati alcuni riferimenti teorici della storia dell'educazione ed alcune esperienze salienti, tra cui quella centrale di Bologna. Le scuole all'aperto erano nate per la cura dei bambini gracili e cagionevoli ma al loro interno si svilupparono esperienze pedagogiche e didattiche innovative, grazie al contatto quotidiano con l'ambiente naturale e ad un nuovo rapporto tra indoor e outdoor. Lo sguardo al passato delinea alcune coordinate per interrogare il presente della scuola attuale, mostrando alcune esperienze importanti a vari livelli che, proprio nel rinnovato rapporto sinergico tra indoor e outdoor, intendono stimolare i visitatori al ruolo centrale che la natura e il territorio esterno alla scuola può esercitare per un'educazione più attraente e “umana”.

L’esposizione si realizza inoltre nell'ambito di un più ampio progetto dal titolo I retroscena del museo: realizzare e far vivere una mostra, a cura del MAMbo in collaborazione con Oficina Impresa Sociale, che è risultato vincitore del bando Prendi parte! Agire e pensare creativo ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, con la finalità di promuovere l'inclusione culturale dei giovani nelle aree caratterizzate da situazioni di marginalità economica e sociale.

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 4,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

L'esposizione presenta circa 30 fotografie in b/n dell'autore ed è accompagnata da un testo introduttivo di Attilio Brilli, autorevole studioso del Grand Tour e storico della letteratura di viaggio.
In questa mostra Baldini gioca, ironicamente, sull’idea di un 'Grand Tour non poi così grande', come allude il titolo, nel senso che le mete dei suoi viaggi e del suoi studi con la macchina da presa non sono stati i classici luoghi da cartolina o i soliti monumenti contemplati nelle guide turistiche, ma le piccole realtà, i tanti musei nascosti, ad esempio, del nostro paese, considerati a torto “minori” ma che minori non sono, perché ricchi di oggetti curiosi e autentiche poeticità.
L’autore ha fotografato questi luoghi e le cose che in essi ha potuto osservare durante le sue visite. Ne ha colto, talvolta, la sottesa ironia, restituendoci un mondo popolato di oggetti che parlano attraverso la loro unicità. Mentre come viaggio di formazione culturale il Grand Tour ricercava in Italia le tracce dell’eredità classica, la mostra di Massimo Baldini perlustra invece la zona grigia delle rotte meno battute.

vernissage  venerdì 9 novembre, dalle 18.00 alle 20.00

Orari per le visite
Da lunedì a giovedì, dalle 15.00 alle 19.00

Ingresso libero

A partire dal 31 ottobre 2018 il Sistema Museale di Ateneo, in collaborazione con l'Archivio Storico, organizza una serie di eventi, seminari, proiezioni, spettacoli, notti al museo, laboratori e visite guidate per celebrare i 200 anni dalla prima pubblicazione del romanzo di Mary Shelley.

Attraverso strumenti scientifici, ritratti e antichi volumi si ripercorrono gli esperimenti condotti da Luigi Galvani e Giovanni Aldini nelle sale di Palazzo Poggi alla fine del Settecento, scoprendo come sia nato il personaggio del Dottor Frankenstein.

Ingresso ridotto ai possessori della Card Musei Metropolitani a 3€.

Ingresso ridotto agli abbonati Card Musei Metropolitan a 10€ anche per l’iniziativa Frank is Back “dal vivo”, nella serata del 23 novembre. Iscrizioni obbligatorie tramite il sito

Il riallestimento di una parte delle Collezioni Comunali d’Arte, necessaria per consentire lavori alle coperture di Palazzo d’Accursio, è stata trasformata in un’occasione per accostare diversamente le opere del museo e per farle dialogare in un percorso tematico.

Attraverso i soggetti cari alla cultura figurativa dei secoli passati, si racconta il cambiamento dal XIII al XVIII secolo dell’uso della figura umana nell’arte occidentale, per narrare sia l’essenza del divino, sia la vita e i sentimenti quotidiani. Nell’esposizione si alternano le sale dedicate ai due aspetti, mettendo in mostra la ricca collezione di sculture e di dipinti medievali, le preziose tavole di Francesco Francia, Amico Aspertini e Luca Signorelli, le tele di Prospero Fontana, Ludovico Carracci, Guido Cagnacci, Donato Creti, Gaetano Gandolfi, Pelagio Palagi.

Il Medioevo ricorre alla rappresentazione del corpo per dare un’identità alla dimensione religiosa nelle sue differenti manifestazioni (Padre Eterno, Cristo, la Vergine, i santi), mentre nel Rinascimento il corpo rappresentato in modo naturalistico diviene fondamentale per dare un volto alla santità e facilitare la divulgazione della dottrina cattolica.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Visite guidate

sabato 10 novembre h 16.30, domenica 18 novembre h 16.30, domenica 25 novembre h 10.30, domenica 16 dicembre h 16.30, sabato 22 dicembre h 10.30, sabato 12 gennaio h 10.30, giovedì 17 gennaio h 17, giovedì 7 febbraio h 17, domenica 24 febbraio h 10.30

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Il Museo del Complesso Monumentale di Santa Maria della Vita ospita la mostra dell’artista bolognese Beatrice M. Serpieri, Dinamiche d’Arte.
Venticinque scatti, uno studio su opere scultoree di grandi artisti italiani quali Niccolò dell’Arca, Antonio Canova, Pietro Tenerani, Adolfo Wildt, reinterpretate attraverso la tecnica della scomposizione della luce e delle immagini applicate su materiale traslucente.

Fulcro centrale della mostra, curata da Graziano Campanini e promossa da Fondazione Carisbo e Genus Bononiae. Musei nella Città, sono le scomposizioni fotografiche dedicate al gruppo del Compianto sul Cristo morto di Niccolò dell’Arca, gioiello del Quattrocento in terracotta composto da sette statue, custodito alla destra dell’altare maggiore di Santa Maria della Vita. Struggenti sono i particolari tratti dalla scomposizione di elementi: dai più incisivi delle Marie piangenti ai meno esuberanti del San Giovanni, figura centrale che, silenziosa, si dispera nel suo pianto.

Le opere di Beatrice M. Serpieri, esperta nell’amplificazione descrittiva dei dettagli, visibile soprattutto nella scomposizione dei volti e delle vesti, conquistano il pubblico con una nuova interpretazione dei grandi scultori. Nel suo lavoro l'emergere della luce scomposta mette in evidenza una precisa ricerca mirata allo stravolgimento dell'immagine, suscitando un senso di straniamento. Le opere - realizzate in stampa digitale su pellicola vinilica e applicate su grandi lastre di massello in metacrilato traslucente – diventano vere e proprie foto-sculture che dialogano con il contesto esterno in un continuo divenire e con una visione tridimensionale.

Orari: da martedì a domenica ore 10.00-19.00 (ultimo ingresso un’ora prima della chiusura)

Ingresso incluso nel biglietto Museo e Oratorio:
intero € 6
ridotto € 4

Ingresso ridotto € 4 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

A Casa Saraceni una mostra dedicata alla vicenda artistica di Mario Bonazzi e al generoso lascito di Tiziano Bonazzi, figlio del pittore bolognese, di dieci dipinti che si aggiungono ai quattro già appartenenti alle Collezioni d’Arte e di Storia della Fondazione.

La mostra, a cura di Pierluca Nardoni e Angelo Mazza, offre un’importante testimonianza della produzione bonazziana, in un contesto espositivo che si completa con una serie di opere provenienti da collezioni private, un fatto inedito per la Fondazione che intende con ciò sottolineare la rilevanza di un pittore a lungo ritenuto quasi invisibile, ma in realtà apprezzato in vita da critici come Francesco Arcangeli, Rezio Buscaroli, Ferruccio Giacomelli, Adriano Baccilieri.

I cinquanta lavori (tra dipinti e grafiche) della mostra raccontano un’evoluzione artistica che non conosce eccezionali variazioni, ma che invita, sotto la sua calma apparente, ad apprezzare una poetica in lenta e costante decantazione, tra la ritrattistica ‘novecentista’ degli esordi e la successiva assoluta dedizione al paesaggio e alla natura morta, coltivati nel solco del grande Giorgio Morandi.

Orari di apertura: da martedì a venerdì ore 15-18; sabato, domenica e festivi (1 novembre, 8 dicembre) ore 10-18; lunedì chiuso.