Bologna Agenda Cultura

La mostra racconta l’evoluzione mensile dei lavori di costruzione dell’impianto di biometano a Sant’Agata Bolognese, in provincia di Bologna, cogliendo le peculiarità architettoniche di quegli edifici.

Per dodici mesi l’artista ha visitato regolarmente l’impianto, documentando la progressiva evoluzione e i cambiamenti della complessa struttura che, a partire dai rifiuti urbani, ha l’obiettivo di produrre combustibile rinnovabile.

Le immagini in mostra propongono un intreccio tra la visione prettamente documentale e la dimensione poetica e suggestiva del luogo.

Mostra fotografica a cura di Carlo Sala

Promossa da Hera S.p.A.

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

lunedì - domenica h 10-20

Etruschi. Viaggio nelle terre dei Rasna vuole essere un affascinante viaggio tra archeologia e paesaggi sorprendenti nelle terre degli Etruschi, in una mostra che punta sulle novità di scavo e di ricerca e sulla storia di uno dei più importanti popoli dell'Italia antica.

La metafora del viaggio darà forma e struttura all'esposizione, divisa in due grandi sezioni.
La prima offre un momento di preparazione al viaggio, facendo conoscere al visitatore i lineamenti principali della cultura e della storia del popolo etrusco. Così preparato, il visitatore potrà affrontare la seconda sezione, dove si compie il viaggio vero e proprio nelle terre dei Rasna, come gli Etruschi chiamavano se stessi.

Un itinerario attraverso quei territori e centri di Lazio, Umbria e Toscana che già furono oggetto di attenzione, meraviglia e descrizione da parte dei viaggiatori del passato, come il diplomatico inglese George Dennis.

Il viaggio continua nei territori etruschi della valle Padana e della Campania, forse meno noti al grande pubblico ma importanti teatri di nuove scoperte archeologiche.

La mostra infine dialoga naturalmente con la ricchissima sezione etrusca del museo, che testimonia il ruolo di primo piano di Bologna etrusca.

Etruschi. Viaggio nelle terre dei Rasna è una mostra promossa e progettata da Istituzione Bologna Musei | Museo Civico Archeologico, in collaborazione con la Cattedra di Etruscologia ed Antichità italiche dell’Università degli Studi di Bologna, e realizzata da Electa.

Orari:

Lunedì, mercoledì, giovedì e venerdì: h 9-18
Sabato e domenica: h 10-20
La biglietteria chiude un’ora prima

Biglietti:

Intero: € 14,00
Ridotto: € 12,00 / € 10,00

Per gli abbonati alla Card Cultura € 7,00

Info dettagliate su: www.etruschibologna.it

Visite guidate a cura di ASTER | ELECTA:

sabato 1 febbraio h 17.30; domenica 2 febbraio h 16.30; sabato 8 febbraio h 17.30; domenica 9 febbraio h 11; sabato 15 febbraio h 17.30; domenica 16 febbraio h 16.30; sabato 22 febbraio h 17.30; domenica 23 febbraio h 11; sabato 29 febbraio h 17.30; domenica 1 marzo h 16.30; sabato 7 marzo h 17.30; domenica 8 marzo h 11; sabato 14 marzo h 17.30; domenica 15 marzo h 16.30; sabato 21 marzo h 17.30; domenica 22 marzo h 11; sabato 28 marzo h 17.30; domenica 29 marzo h 16.30; sabato 4 aprile h 17.30; sabato 11 aprile h 17.30; domenica 12 aprile h 16.30; lunedì 13 aprile h 16.30; sabato 18 aprile h 17.30; domenica 19 aprile h 11; sabato 25 aprile h 17.30; domenica 26 aprile h 16.30; sabato 2 maggio h 17.30; domenica 3 maggio h 11; domenica 10 maggio h 11; sabato 16 maggio h 17.30; domenica 17 maggio h 16.30; sabato 23 maggio h 17.30; domenica 24 maggio h 16.30

Ingresso: € 7,00 per la visita guidata + biglietto ridotto mostra € 10,00

Attraverso una rigorosa ricostruzione storica, rare immagini fotografiche, militaria e filmati d’epoca, la mostra documenta una delle più singolari pagine di storia che ebbe come sfondo l’Italia tra il 1944 e il 1948: l'attività e le azioni della Brigata Ebraica Combattente (Jewish Brigate), formata da volontari ebrei arruolatisi nell'esercito britannico e formalmente costituita nel 1944.

Una vicenda storica di grande rilevanza per il contributo alla guerra di liberazione, per il soccorso alle popolazioni, per l'appoggio logistico al passaggio degli Alleati nel Nord Italia, ma anche per la ricostruzione delle comunità ebraiche italiane e per il riscatto degli ebrei dopo gli anni delle persecuzioni nazifasciste e della Shoah.

Un particolare risalto è dato agli eventi legati all'offensiva della Brigata Ebraica in Romagna, dalla battaglia sul Senio del marzo 1945 agli scontri con la IV Divisione paracadutisti tedeschi, al passaggio del fiume Lamone e al controllo del territorio collinare intorno a Brisighella.

È raccontato, inoltre, il coinvolgimento della Brigata nell’Aliyah Bet, l’immigrazione clandestina via mare dei sopravvissuti ai campi di sterminio dai porti italiani alla Palestina, allora territorio controllato dalla Gran Bretagna, che aveva posto un limite agli ingressi consentiti. L’operazione Aliyah Bet è illustrata in mostra anche attraverso le tavole di un grapich novel, con particolare riferimento al porto di La Spezia e all’azione di Ada Sereni che ebbe un ruolo di primo piano nella sua organizzazione.

Mostra organizzata e promossa da Museo Ebraico di Bologna in collaborazione con Comunità Ebraica di Bologna, Centro di Cultura Ebraica della Comunità Ebraica di Roma, Istituto Storico della Resistenza e dell’Età Contemporanea in Ravenna e Provincia, Museo della Battaglia del Senio di Alfonsine.

Orario di apertura:
da domenica a giovedì 10 - 18 | Venerdì 10 - 15.30 | Sabato e festività ebraiche chiuso

Ingresso
• intero € 7
• ridotto € 5 | over 65 anni, studenti da 6 a 17 anni, studenti universitari con tesserino, possessori Card Musei Metropolitani di Bologna, persone con disabilità, giornalisti con tesserino, guide turistiche con tesserino
• visite guidate € 10 | gruppo adulti
• visite guidate € 5 | gruppo studenti
• gratuito | minori di 6 anni, 1 accompagnatore per gruppo organizzato, 2 accompagnatori per gruppo scolastico, 1 accompagnatore per persone con disabilità, guide turistiche con tesserino che accompagnano gruppi

Visite guidate in programma:
domeniche 9 e 23 febbraio 2020, ore 15.30
domenica 8 marzo 2020, ore 15.30

Informazioni e prenotazioni: tel +39 051 6569003 info@museoebraicobo.it e didattica@museoebraicobo.it

Dal 5 luglio 2019 al 26 aprile 2020 la Fondazione di Vignola ospita “Ora più rada ora più densa. Architetture dell’immaginario”, una rassegna di arte contemporanea a cura di Lucia Biolchini.
Tra le mura della storica Rocca di Vignola si alterneranno gli artisti Marina Fulgeri, Sabrina Muzi, Alessandro Moreschini, Linda Rigotti e Giorgia Valmorri.

Sarà un laboratorio di cultura che richiama nel titolo le “Città invisibili” di Italo Calvino, immaginando l’architettura come luogo in cui l’arte si traduce in pratica quotidiana. Rocche e Torri antiche vibreranno di lingue inedite dichiarando un’esplicita continuità culturale.

Il primo appuntamento che aprirà la rassegna sarà “Self expression” di Marina Fulgeri, dal 5 luglio all’8 settembre (inaugurazione il 5 luglio alle ore 19.00).
Nelle sue mani luce e colore diventano strutture. Con questo lavoro l’artista pone l’attenzione sul potere attrattivo che le frequenze cromatiche possono generare e su come la loro lettura in chiave psicologica possa fornire indicazioni per la conoscenza di sé e dello spazio di cui siamo fatti (www.marinafulgeri.com)

A seguire, dal 21 settembre al 10 novembre, Sabrina Muzi propone un’estensione e un approfondimento di “Shān”, un corpus di lavori che comprende un’installazione
pittorica, una serie di acquerelli, fotografie e video (www.sabrinamuzi.it).

Dal 14 dicembre al 2 febbraio 2020 sarà poi la volta di Alessandro Moreschini, con "Beata solitudo”, il cui obiettivo è quello di ritrovare una condizione per orientarci nell’“inquinamento immaginifico” prodotto dall’Horror Pleni da cui ci metteva in guardia Gillo Dorfles (www.alessandromoreschini.it).

Mentre a chiudere “Ora più rada ora più densa” saranno Linda Rigotti e Giorgia Valmorri con “Da dentro”, dal 7 marzo al 26 aprile 2020. L’architettura si sgretola e diventa memoria, nomadismo e mutazione, svincolata dalla necessità di fissarsi in una struttura saldamente ancorata al terreno, è contro-architettura (www.lindarigotti.tumblr.com, www.giorgiavalmorriart.tumblr.com).

Ora più rada ora più densa. Architetture dell’immaginario
a cura di Lucia Biolchini

Marina Fulgeri - Self expression
Inaugurazione: 5 luglio alle ore 19.00
Periodo: 5 luglio - 8 settembre
Ingresso gratuito

Rocca di Vignola
Tel. 059.775246
In collaborazione con
Wunderkammer associazione culturale
www.dislocata.it

A Palazzo Albergati di Bologna una mostra dedicata al grande artista russo, Chagall. Sogno e Magia: opere che raccontano l’originalissima lingua poetica di Marc Chagall (1887-1985) attraverso il filo conduttore della sensibilità poetica e magica. Dal 20 settembre 2019 al 1 marzo 2020.

La cultura ebraica, la cultura russa e quella occidentale, il suo amore per la letteratura, il suo profondo credo religioso, il puro concetto di Amore e quello di tradizione, il sentimento per la sua sempre amatissima moglie Bella, in 160 opere tra dipinti, disegni, acquerelli e incisioni. Un nucleo di opere rare e straordinarie, provenienti da collezioni private e quindi di difficile accesso per il grande pubblico.

La mostra Chagall. Sogno e Magia, prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia con il patrocinio del Comune di Bologna, è curata da Dolores Duràn Ucar  e racconta il mondo intriso di stupore e meraviglia dell’artista. Nelle opere coesistono ricordi d’infanzia, fiabe, poesia, religione ed esodo, un universo di sogni dai colori vivaci, di sfumature intense che danno vita a paesaggi popolati da personaggi, reali o immaginari, che si affollano nella fantasia dell’artista. Opere che riproducono un immaginario onirico in cui è difficile discernere il confine tra realtà e sogno.

La mostra si divide in cinque sezioni in cui sono riassunti tutti i temi cari a Chagall: la tradizione russa legata alla sua infanzia, dalla quale non si allontanò mai; il senso del sacro e la profonda religiosità che si riflettono nelle creazioni ispirate alla Bibbia; il rapporto con i letterati e i poeti; l’interesse per la natura e gli animali e le riflessioni sul comportamento umano che trovarono espressione nelle acqueforti delle Favole; il mondo del circo, che lo affascinava sin dall’infanzia per la sua atmosfera bohémienne e la sua sete di libertà; e ovviamente l’amore, che domina le sue opere e dà senso all’arte e alla vita.

Durante il percorso di mostra ci si troverà all’interno di una Dream Room: una video installazione - che vede l’ideazione e la regia di Vincenzo Capalbo e Marilena Bertozzi - che permette al visitatore di immergersi in immagini svincolate dal reale che si frammentano come percezioni illogiche ed emozioni dell'inconscio. In Dream Room le opere di Chagall si liberano nello spazio della stanza dando vita a un'opera ambientale onirica, una realtà superiore come fosse una sub-realtà. La realizzazione è di Art Media Studio di Firenze.

Orario apertura
Tutti i giorni dalle 10.00 alle 20.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
 
Info biglietti e prevendita

Riduzioni riservate agli abbonati Card Musei Metropolitani
​possessori card € 7,00 (audioguida inclusa)
biglietto famiglia € 26 (fino a 2 adulti possessori di card € 7,00 a testa + fino a 2 bambini / ragazzi dai 4 agli 11 anni € 6 a testa + 3° bambino omaggio)

Infoline
T. 051 030141 (attivo dal lunedì al venerdì ore 10 – 17)

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 10 - 24

Ingresso nei giorni di ART CITY Bologna:

per possessori della VIP card Arte Fiera e del biglietto Arte Fiera ingresso ridotto €13 con audioguida / €12 senza audioguida, sabato 25 gennaio dalle 19 fino a chiusura per tutti i visitatori ridotto speciale €11 con audioguida / €10 senza audioguida

Nella mostra Ayrton Magico, l’anima oltre i limiti”, curata da Matteo Brusa con il patrocinio dell’Instituto Ayrton Senna, lo spettatore è catapultato in uno spazio metafisico e atemporale, dove si racconta attraverso una complessa e innovativa rete di supporti digitali la vita di Ayrton Senna proprio nel luogo che lo ha visto protagonista assoluto di indimenticabili imprese sportive.

Il percorso espositivo, suddiviso in 5 macro-temi, è un susseguirsi di immagini, audio e filmati concessi dagli archivi RAI, che permettono allo spettatore di accompagnare Senna nei momenti topici della sua carriera: dal 1984, anno del debutto in Formula 1 e del suo primo Gran Premio di San Marino, passando per il mitico Gran Premio del Brasile del 1991, quando vinse per la prima volta davanti al suo pubblico, fino ad arrivare a quel 1° maggio, dove da campione, pilota e uomo si trasforma in mito.

È qui che lo spettatore diventa Ayrton, salendo metaforicamente sulla sua monoposto: finzione e realtà si mescolano, fino a creare un ambiente espositivo sospeso nel tempo e facendo vivere allo spettatore qualcosa di assolutamente inaspettato.

Questa visita altamente immersiva, la prima nell’ambito del motorsport a essere concepita in questo modo, è resa possibile dall’utilizzo di tecnologie innovative e uniche nel loro genere e sarà impreziosita da tanti memorabilia legati al grande pilota: dal casco al suo kart, fino all’ultima monoposto di Formula 1 guidata dal campione brasiliano.

Orari di apertura​

Lunedì, Giovedì e Venerdì dalle 11.00 alle 18.00
Martedì e Mercoledì  Chiuso
Sabato, Domenica e Festivi dalle 10.00 alle 19.00

La biglietteria chiude 40 minuti prima dell’orario di chiusura

Biglietti

lngresso a 13€ per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna

La produzione di stampe teatrali di Osaka rappresenta un capitolo a sé stante della lunga e gloriosa storia dell’ukiyo-e. Trascurate per molto tempo dagli studiosi e dal grande pubblico, negli ultimi decenni del secolo scorso queste stampe sono diventate oggetto di ricerche approfondite e di mostre importanti, che hanno permesso di far luce su una produzione relativamente poco abbondante, ma di grande originalità e di una straordinaria qualità esecutiva.

Con la mostra Kamigata-e: il coloratissimo mondo delle stampe di Osaka, il Museo di Palazzo Poggi, in collaborazione con il Centro Studi d'Arte Estremo-Orientale, vi invita a scoprire la cultura vivace e originale che si respirava a Osaka nel primo Ottocento, attraverso un selezione di 29 xilografie provenienti dalle collezioni del Centro Studi d'Arte Estremo-Orientale e della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, in comodato d'uso all'Università di Bologna.

Orari di apertura

da martedì a venerdì: 10.00 - 16.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 - 18.00
chiusure: 24 e 25 dicembre, 1 gennaio

Biglietti

Esposizione visitabile con il biglietto di ingresso al Museo (intero 5€; ridotto 3€)

Ingresso gratuito per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna

50 pezzi unici provenienti dalle collezioni del Musée National Picasso-Paris saranno in mostra al MIC di Faenza, dal 1 novembre 2019 al 13 aprile 2020, in una grande mostra dal titolo “Picasso, La sfida della ceramica” a cura di Harald Theil e Salvador Haro con la collaborazione di Claudia Casali.  Un nucleo di inestimabile valore e un prestito eccezionale che affronta tutto il percorso e il pensiero creativo dell’artista spagnolo nei confronti dell’argilla.  

Nella mostra faentina verranno analizzate le fonti di ispirazione di Picasso, proprio a partire dai manufatti presenti nelle collezioni del MIC. La ceramica classica (con le figure nere e rosse), i buccheri etruschi, la ceramica popolare spagnola e italiana, il graffito italiano quattrocentesco, l’iconografia dell’area mediterranea (pesci, animali fantastici, gufi e uccelli) e le terrecotte delle culture preispaniche che saranno esposte in un fertile e inedito dialogo con le ceramiche di Picasso.

Una sezione speciale verrà dedicata al rapporto tra Picasso e Faenza. Diversi sono i pezzi di Picasso che il Museo Internazionale delle Ceramiche in Faenza possiede grazie al tramite di Tullio Mazzotti di Albisola, di Gio Ponti e dei coniugi Ramié i quali furono sollecitati a richiedere alcuni manufatti al Maestro per un’esposizione a Faenza e, soprattutto, per la ricostruzione delle Collezioni d’arte ceramica moderna andate distrutte nell’ingente bombardamento alleato del maggio 1944. 

La mostra sarà integrata con l’esposizione di documenti e fotografie mai esposti, appartenenti all’archivio storico del MIC. Completerà il ricco apparato didattico e fotografico un video storico di Luciano Emmer del 1954 (Picasso a Vallauris).

La mostra fa parte di «Picasso – Méditerranée»: un’iniziativa del Musée national Picasso-Paris.

Biglietti

Intero: € 14,00
Ridotto Card Musei Metropolitani Bologna: € 10,00

La mostra Ettore Frani. Le dimore del pittore nasce come naturale prosecuzione di un dialogo iniziato da tempo tra la Raccolta Lercaro e l’artista.  Curata da Andrea Dall’Asta SJ, su progetto di Ettore Frani e Paola Feraiorni e con un testo di Roberto Diodato, l’esposizione presenta diciassette dipinti inediti del ciclo di opere realizzato negli ultimi due anni di ricerca che, ancora in fieri, presenta in questa prima fase prevalentemente opere realizzate nel 2017 e rielaborate nel corso del tempo.

Il tema è quello dell’autoritratto interiore – idealmente sintetizzato nel titolo “Le dimore del pittore” – e sviluppa uno dei nodi centrali della poetica di Frani: la pratica della pittura come luogo di un’autentica e profonda esperienza spirituale. L’opera e il suo farsi progressivo divengono, per l’artista, occasione di esplorazione della propria interiorità e momento privilegiato di esperienza dell’invisibile. La presenza dell’infinito è ricercata, da Frani, negli oggetti che animano la sua vita quotidiana – un tavolo, una matita, i pennelli, un barattolo di acquaragia, una tovaglia, la cenere o la visione di un cielo stellato – e restituita attraverso la metamorfosi operata dal suo sguardo e dalle sue mani.

Ogni opera diventa “dimora” interiore del pittore e per esteso di tutti coloro che in essa si riconoscono. Iniziata nel silenzio dello studio, la pittura prende consistenza via via, con la pazienza e i tempi lunghi propri dell’indagine introspettiva: è per questa ragione che la mostra si propone come un “cantiere” in divenire. L’esposizione è così suddivisa in tre capitoli e subirà dei cambiamenti nel corso della sua durata dovuti alla ricerca che Frani sta ancora compiendo nel proprio studio. Nei due momenti distinti, programmati per gennaio e marzo, alcune opere cederanno il proprio posto a delle nuove o verranno altrimenti riprese dall’artista per riapparire, in seguito, trasformate.

Inaugurazione mostra: sabato 16 novembre 2019, ore 17.30

Orari di apertura:
giovedì e venerdì  ore 10.00-13.00
sabato e domenica ore 11.00-18.30

Aperture straordinarie: 26 dicembre 2019 + 2, 3 e 6 gennaio 2020: aperto con orario festivo 11.00-18.30. Chiuso il 24, 25, 31 dicembre 2019 + 1° gennaio 2020

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10.00-13.00; sabato 25 gennaio ore 11.00-24.00; domenica 26 gennaio ore 11.00-18:30

Sabato 25 gennaio 2020 - ore 21.30, ore 22.15, ore 23.00
DANCE IN THE NIGHT
performance di danza di Valerio Longo
ingresso gratuito
Il ballerino e coreografo Valerio Longo realizza la performance di danza “Dance in the night”, progettata a partire dal tema della notte, molto ricorrente nelle opere di Ettore Frani. Danzando su musiche inedite, composte per l’occasione da giovani musicisti, Longo offrirà al pubblico una rappresentazione espressiva attraverso il corpo di quel danzare interiore che precede e accompagna l’atto creativo e il gesto pittorico dell’artista.

Ingresso libero

U.MANO è la nuova mostra di Fondazione Golinelli curata da Andrea Zanotti con Silvia Evangelisti, Carlo Fiorini e Stefano Zuffi, in esposizione al Centro Arti e Scienze Golinelli dal 20 novembre 2019 al 9 aprile 2020.

Il percorso espositivo è dedicato alla mano e sviluppato su più piani di lettura: dall’esplorazione dell’interiorità dell’uomo all’aprirsi alla comprensione dell'universo che gli sta intorno, in stretto e inevitabile collegamento con il cervello. La mano è l'elemento di raccordo tra la dimensione del fare e quella del pensare ed è quindi rappresentativa della prospettiva di azione di Fondazione Golinelli nel recuperare il segno di un legame oggi perduto: quello tra arte e scienza, che proprio nella cultura italiana ha raggiunto il suo culmine.

In mostra i maestri del passato dialogano con il presente attraverso installazioni, esperienze di realtà aumentata, rimaterializzazioni, innovazioni robotiche applicate e postazioni interattive. Da Caravaggio a Guercino, da Carracci a Pistoletto, i visitatori compiono un viaggio unico e irripetibile tra passato, presente e futuro. La riflessione sul tema della mano consente così di indagare il ruolo dell’uomo in un presente dominato dalla tecnologia.

Orari di apertura
Mar, Mer, Gio, Ven 10 - 19
Sab, Dom 11-20
La biglietteria chiude 40' prima

Chiusura
Tutti i Lunedì, Mercoledì 25 dicembre

Aperture straordinarie
Martedì 24 dicembre: 10 - 16
Giovedì 26 dicembre: 10 - 19
Martedì 31 dicembre: 10 - 16
Venerdì 1 gennaio: 10 - 19
Lunedì 6 gennaio: 10 - 19
24 gennaio: 10 - 20
25 gennaio: 11 - 24
26 gennaio: 12 - 20 (in occasione di Art City)

Biglietti
10€ intero (con o senza visita guidata)
8€ ridotto (con o senza visita guidata, la riduzione si applica anche agli abbonati Card Musei Metropolitani)
10€ attività + visita per bambini e ragazzi (non applicabile riduzione)

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 11-24, domenica 26 gennaio 12-20
ingresso gratuito

Arte e scienza in festa
attività interattive e laboratori per tutte le età
domenica 26 gennaio ore 15:30-19 | ingresso gratuito su prenotazione eventi@fondazionegolinelli.it / Tel 0510923217.

I Musei Civici d’Arte Antica, in collaborazione con la Curia Arcivescovile di Bologna e la Fondazione Giorgio Cini di Venezia e con il patrocinio dell’Università di Bologna, presentano presso il Museo Civico Medievale una importante mostra incentrata sull’affascinante e poco studiata produzione scultorea a Bologna tra XII e XIII secolo.

L’esposizione, curata da Massimo Medica e Luca Mor, è l’occasione per presentare per la prima volta alcuni rarissimi capolavori lignei della città, alcuni dei quali restaurati per l’occasione. Tali opere, principalmente grandi crocifissi, consentono di fissare una nuova tappa verso la comprensione dei modelli di riferimento nella Bologna di quel tempo.

Qui, del resto, il Medioevo fu animato da un fiorente clima multiculturale, favorito sia dalla posizione strategica della città sulla Via Emilia, quindi tra gli Appennini e le direttrici verso l’Oltralpe, sia per la nascita nel tardo XI secolo di una celebre scuola giuridica. Una realtà così cosmopolita garantì un impulso costante per i contatti internazionali, l’indotto dei commerci, lo sviluppo urbano e, non ultime, le commissioni artistiche, tra cui quelle di arredi liturgici e tesori ecclesiastici destinati a soddisfare le crescenti esigenze devozionali. Oggi però di questi manufatti rimane assai poco, come documenta la scultura lignea medievale che, anche a causa della deperibilità del materiale, a Bologna conta soltanto pochi esempi secondo una tendenza che accomuna tutti i grandi centri italiani.

In mostra si possono ammirare anche alcuni preziosi codici miniati ed altri oggetti liturgici per l’occasione prestati da importanti musei italiani.

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Visite guidate:

domenica 24 novembre h 10.30; domenica 1 dicembre h 10.30; domenica 15 dicembre h 16.30; domenica 5 gennaio h 16.30; domenica 12 gennaio h 16.30; sabato 1 febbraio h 10.30; giovedì 13 febbraio h 17; sabato 22 febbraio h 10.30; venerdì 28 febbraio h 17; domenica 8 marzo h 10.30

La nuova stagione culturale di Fondazione Cirulli inaugura con L’archivio animato. Lavori in corso, un vero e proprio "laboratorio" di storia e cultura del Novecento per raccontare il secolo della modernità – quello in cui nasce e si sviluppa la creatività italiana come oggi la conosciamo - attraverso un caleidoscopio espositivo che spazia dalle arti figurative al design industriale, dalla pubblicità al cinema, dalla fotografia alla televisione, dai tessuti alle riviste.

Il progetto, realizzato grazie alla consulenza e supervisione di Jeffrey Schnapp, fondatore e direttore del metaLAB dell’Università di Harvard e figura di riferimento nel campo dell’umanistica digitale, costruisce una narrazione potente e agile del secolo breve attraverso i materiali diversi ed eterogenei che compongono la collezione "panoramica" di Fondazione Cirulli.

Il capolavoro artistico, le arti decorative, la comunicazione, il design industriale e la cultura materiale e visiva, e ancora fotografie, disegni, quadri, sculture, oggetti, manifesti, volantini, carteggi, progetti architettonici, tessuti, riviste, libri: sono le forme di comunicazione socio-culturale che compongono le 19 sezioni di mostra, intrecciandole in un racconto polifonico sul Novecento con oltre 200 opere.

Così, accanto ad una selezione di "Frammenti di ‘900" con dipinti dei primi tre decenni del secolo, il capitolo dedicato a "Il tessuto della modernità" offrirà una selezione di progetti grafici per tessuti di arredamento – settore allora in forte espansione - realizzati per la Triennale di Milano negli anni Cinquanta dai più rinomati artisti del panorama italiano, come Gio Ponti, Ettore Sottsass, Lucio Fontana, Enrico Prampolini, Bice Lazzari, Fede Cheti e tanti altri. "Fermo immagine" racconta attraverso i volti del cinema e della televisione degli anni Sessanta gli entusiasmi del boom economico: un capitolo, quello della televisione, ripreso anche nella sezione "Munari, Carboni e la RAI" che racconta l’innovazione grafica della televisione pubblica ad opera dei due artisti negli anni Cinquanta. E ancora il racconto della modernità attraverso le produzioni industriali, dalle macchine all’illuministica, la documentazione fotografica della vita nell’entroterra emiliano del Dopoguerra con le immagini di Enrico Pasquali e quelle glamour di Arturo Ghergo, maestro della fotografia italiana. E naturalmente la pubblicità: dal pannello decorativo realizzato da Xanti Schawinsky, maestro del Bauhaus, per il negozio Olivetti di Torino, un vero capolavoro del razionalismo europeo, ai cartelloni pubblicitari originali di inizio secolo scorso, dal design anonimo delle "carte pasticcere" brandizzate, realizzate negli anni Trenta per i più importanti bar d’Italia, all’evoluzione dei loghi attraverso un’accurata documentazione.

Apertura al pubblico
sabato e domenica 11.00-19.00

Biglietti
Intero 10 euro
Ridotto 8 euro (riduzione prevista anche per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna)

Penso che un sogno così non ritorni mai più

1958 – 1982: venticinque anni che hanno rivoluzionato tutti gli aspetti sociali, etici ed economici del nostro Paese, raccontati dalla Musica che ha saputo parlarne il linguaggio, descriverne i fatti, respirarne il clima e restituirne le emozioni.

Dalle braccia spalancate di Domenico Modugno sul palco di Sanremo ‘58 a quelle di Paolo Rossi nella notte di Madrid che nell’82 laureò l’Italia campione del mondo, la mostra procede cronologicamente a toccare ogni aspetto della vita sociale, del costume, della cronaca, del lavoro e dei cambiamenti nelle convinzioni etiche e morali di quegli anni.

Il repertorio iconografico, per la gran parte inedito e proveniente dagli archivi Publifoto di Intesa Sanpaolo, restituisce lo sguardo del fotoreporter di cronaca e la sua grande abilità nel rappresentare le molteplici realtà italiane. A costante contrappunto, 100 opere musicali italiane sono strumento di esplorazione e interpretazione di quel percorso di crescita e trasformazione. Un “passo a due” fra musica e società, in cui gli stili di vita, le mode, le relazioni interpersonali e perfino le stesse istanze sociali sono influenzati l’una dalle altre.

Prodotta da Bibibus Events, la mostra è a cura di Gianpaolo Brusini, Giovanni De Luna, Lucio Salvini, con la partecipazione di Fabri Fibra, Vittorio Nocenzi, Giorgio Olmoti e Omar Pedrini, a garantirne il rigore storico-scientifico e la forte impronta didattico-educativa.

Biglietti

Intero: 12€
Ridotto 10€
Ridotto speciale 8€ (riduzione valida per gli abbonati Card Musei Metropolitani)

Orario dal 29 novembre 2019 al 6 gennaio 2020
Lunedì - Venerdì: ore 16.00 – 22.00. Sabato: ore 10.00 – 22.00. Domenica e festivi: ore 10.00 – 21.00

Orario dal 7 gennaio al 12 aprile 2020
Mercoledì - Venerdì: 14.00 – 20.00. Sabato: 10.00 – 22.00. Domenica e festivi: 10.00 – 21.00
(Lunedì: visita riservata a gruppi e scuole / Martedì: visita riservata a gruppi e scuole)

La biglietteria chiude un’ora prima della chiusura della mostra

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10–22, sabato 25 gennaio ore 10-24, domenica 26 gennaio ore 10-21

Ingresso nei giorni di ART CITY Bologna:

ingresso gratuito per possessori della VIP card Arte Fiera, ridotto € 10 per possessori biglietto Arte Fiera

Figura di spicco, insieme a Boldini, della scena parigina di fine Ottocento, nel corso della sua carriera, De Nittis fu prima un interprete d’avanguardia della scuola verista del sud Italia, per entrare poi a pieno titolo nella compagine degli innovatori parigini con i quali condivise gli interessi per la fotografia e per l’arte giapponese, linguaggi che influenzarono profondamente la sua ricerca.

Paesaggista virtuoso nel tradurre gli effetti di luce abbagliante del suo paese natale come i cieli brumosi dell’Ile de France, o le nebbie londinesi, egli fu abile nel raccontare un mondo e una società in veloce cambiamento fermando il suo obiettivo pittorico sulle città in trasformazione, sulla vita dei boulevard e sui luoghi della mondanità e del tempo libero. Con la sua arte ha contribuito a rinnovare i codici della pittura attraverso un linguaggio raffinato e di grande fascino visivo, capace di fare proprie le istanze della modernità senza rinunciare all’affermazione di una cifra personale che affonda le proprie radici nelle esperienze giovanili e si nutre della complice intimità con la moglie Leontine, sua “manager”, oltre che modella prediletta.

L’esposizione di Palazzo dei Diamanti si propone di rileggere la parabola creativa di De Nittis analizzando per la prima volta la sua produzione da un punto di vista formale e tecnico al fine di mettere in luce la sua peculiare risposta alle poetiche della modernità. La mostra sarà ordinata secondo un percorso cronologico-tematico, la cui scansione troverà ispirazione anche in alcune delle parole che la critica coeva dedicò all’opera di De Nittis, sottolineando la peculiarità di questo pittore: «meridionale al sud, francese a Parigi e londinese a Londra», come scriveva, nel 1914, Vittorio Pica per evidenziare l’universalità e l’europeismo ante litteram della sua arte.

La mostra, organizzata in collaborazione con il Comune di Barletta, è a cura di Maria Luisa Pacelli (conservatrice delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara), Barbara Guidi (conservatrice delle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara) e Hélène Pinet (già responsabile delle collezioni di fotografia e del servizio di ricerca del Musée Rodin di Parigi).

Orari:
Tutti i giorni: 9.00 – 19.00
Aperto anche 8, 25 e 26 dicembre, 1 e 6 gennaio, Pasqua e Lunedì dell'Angelo

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Aperture serali straordinarie:
Palazzo dei Diamanti resta aperto fino a tardi: il 31 dicembre, in occasione del Capodanno, puoi visitare la mostra fino alle 23.30; il 4 gennaio, il 14 febbraio, l'11 e il 12 aprile fino alle 22.30 

(la biglietteria chiude 30 minuti prima)

Info biglietti e prevendita

Biglietto ridotto a 11 € con Card Musei Metropolitani

La Project Room del MAMbo prosegue la sua attività espositiva con La Galleria de’ Foscherari 1962 – 2019, mostra che ricostruisce il percorso di un punto di riferimento per l’arte contemporanea a Bologna e non solo.

La Galleria de’ Foscherari, fondata da Enzo Torricelli, al quale si uniscono in seguito Franco Bartoli e Pasquale Ribuffo, nasce nei primi anni Sessanta con un programma culturale al quale è rimasta fedele, svolto in due direzioni strettamente connesse: l’attenzione alla tradizione criticamente consolidata e l’interesse per la ricerca e la sperimentazione.

La mostra allestita nella Project Room del MAMbo, seguendo le tradizioni della galleria, vuole essere un ulteriore contributo alla sua lunga e ricca storia e un omaggio alla figura di Pasquale Ribuffo.

La Galleria de’ Foscherari 1962 – 2019 accosta un’ampia selezione di materiali storici – fotografie, documenti, cataloghi, locandine, inviti – a una scelta di lavori di artisti che hanno segnato diversi momenti chiave nell’attività della galleria: Pierpaolo Calzolari, Mario Ceroli, Pirro Cuniberti, Luciano De Vita, Marcello Jori, Sophie Ko, Luigi Mainolfi, Piero Manai, Eva Marisaldi, Liliana Moro, Claudio Parmiggiani, Concetto Pozzati, Germano Sartelli, Mario Schifano, Gilberto Zorio.

Ingresso ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 4,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso gratuito

​In concomitanza con la mostra Etruschi - Viaggio nelle terre dei Rasna, organizzata dal Museo Civico Archeologico di Bologna, il Polo Museale dell’Emilia Romagna promuove i suoi siti e musei etruschi  con una mostra presso il Museo Nazionale Etrusco “Pompeo Aria” di Marzabotto.

Saranno qui esposti – in alcuni casi per la prima volta – alcuni vasi attici a figure rosse del Museo Archeologico Nazionale di Ferrara provenienti dalle necropoli di Spina, fiorentissimo centro portuale etrusco dell’alto Adriatico.

Gli archeologi del Polo Museale hanno redatto per l’occasione l’opuscolo “Kainua e Spina: Etruschi a confronto”, che sarà venduto al prezzo di 5 euro come integrazione del biglietto d’ingresso, per chi lo desidera. Questo libretto vuole introdurre il visitatore alla conoscenza delle due città etrusche e creare al contempo i presupposti di una riappropriazione culturale autentica, superando l’occasione della mostra per favorire la valorizzazione diffusa del patrimonio archeologico regionale.

Foto di Iago Corazza

Orari di apertura

martedì, mercoledì e giovedì dalle 9 alle 16
venerdì, sabato, domenica e festivi infrasettimanali dalle 10:30 alle 17.30
lunedì chiuso

Biglietti

intero 3,00 €
Biglietto + opuscolo “Kainua e Spina: Etruschi a confronto” 5, 00 €
Ingresso gratuito con Card Musei Metroplitani Bologna

L'esposizione fotografico-documentale realizzata nel centenario delle Officine Minganti racconta la storia della fabbrica come luogo al contempo del lavoro e della produzione, accostando un’ampia selezione di fotografie d’epoca e una raccolta di materiali documentali.

Il percorso espositivo è caratterizzato da una selezione di fotografie provenienti sia dagli archivi della Camera del Lavoro di Bologna, della Fiom-Cgil Bologna e del Museo del Patrimonio Industriale che da donazioni di ex dipendenti.

La scelta delle immagini si dipana intrecciando volutamente la memoria visiva strettamente legata alla realtà produttiva e lavorativa quotidiana, nella sua materialità e varietà all’interno dello spazio industriale, ma anche il suo svilupparsi all’esterno delle officine, nelle forme di espressione legate alle manifestazioni sindacali.

Le immagini documentano, in un arco temporale che va dagli anni Cinquanta agli anni Ottanta del Novecento, gli ambienti interni ed esterni della fabbrica, il lavoro nell’officina e negli uffici tecnico-amministrativi e la lunga lotta contro la chiusura (il declino inizia dagli anni Settanta, prosegue con l’amministrazione controllata degli anni Ottanta e arriverà alla fine con una lunga e complessa procedura fallimentare conclusasi solo nel 1997).
Un ulteriore nucleo di fotografie mostra gli spazi abbandonati nei primi anni Duemila e l’odierna rifunzionalizzazione dell’area come centro commerciale.

Completano l’esposizione due spazi tematici: il primo è legato alla produzione Minganti con cataloghi e oggetti donati da ex lavoratrici ed ex lavoratori. Il secondo è dedicato alla Virtus Minganti pallacanestro.

Arricchiscono il percorso una video-installazione e alcune video-interviste a ex dipendenti, che restituiscono memoria all’aspetto umano della produzione industriale.

La mostra fa parte del più ampio progetto Il lavoro e la Minganti, lanciato in occasione del centenario della fondazione delle Officine in sinergia con il progetto Bologna metalmeccanic@, co-promosso dal Dipartimento di Storia Culture Civiltà dell’Università di Bologna, dal Museo del Patrimonio Industriale, da associazioni di ricerca storica e promozione culturale come Clionet e da Fiom-Cgil Bologna. Significativa ed importante è stata l’attivazione di un gruppo di ex-lavoratori ed ex-lavoratrici delle Officine Minganti, costituitosi nel Comitato Minganti Storica, interessati a non disperdere l’importante memoria e cultura del lavoro che ha trovato espressione nello stabilimento metalmeccanico nel corso del Novecento.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Visite guidate:

domenica 2 febbraio h 16; domenica 5 aprile h 16

Per gli abbonati alla Card Cultura l’ingresso è gratuito

Mostra collettiva a cura di Spazio Labo’ e Phmuseum.

In occasione di Art City Segnala 2020, Spazio Labo’ presenta il progetto espositivo Familiar Stranger - Immaginari collettivi nell'epoca della fotografia mobile, mostra collettiva organizzata in collaborazione con PHmuseum in seguito alla conclusione del primo Mobile Photography Grant.

Come definito da Stanley Milgram nel 1972, Familiar Stranger è un concetto che si riferisce a quegli individui che non si conoscono ma condividono alcuni attributi comuni come interessi, occupazione, posizione sociale ecc. Si pensi ad esempio, alle persone che prendono lo stesso treno ogni giorno e che riconoscono facce di individui già visti ma con cui non hanno mai interagito e di cui probabilmente non sanno nulla. Spostando questo concetto in ambito virtuale, è interessante e stimolante esplorare l'esistenza di potenziali Familiar Strangers nella vastità del mondo online. I social network rappresentano di fatto un insieme complesso di relazioni umane in cui le interazioni si danno attraverso post, tags, condivisioni e likes.
Con queste premesse la mostra Familiar Stranger - Immaginari collettivi nell'epoca della fotografia mobile propone di riflettere sui modelli comportamentali tipici dell’ambiente virtuale innescando un dialogo fra autori e quegli elementi e tematiche che contraddistinguono la narrativa online contemporanea.

La mostra è il frutto di una collaborazione fra Spazio Labo' e PHmuseum, una piattaforma online dedicata alla fotografia contemporanea che nel Maggio 2019 ha organizzato una open call su questa tematica e nell’ambito della quale sono state ricevute 11000 fotografia da tutto il mondo.

In occasione della mostra, sarà inoltre presentato il libro Familiar Stranger e sarà organizzato un talk sul tema della post fotografia e dalla fotografia mobile con Erik Kessels, artista particolarmente impegnato su queste tematiche.

Opening mercoledì 15 gennaio ore 19

Orari di apertura:

fino al 5 marzo 2020 lunedì-venerdì ore 15-18.30

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 15-20, sabato 25 gennaio ore 11-24, domenica 26 gennaio ore 12-18

sabato 25 gennaio ore 18
ingresso gratuito
Presentazione del libro “Familiar Stranger”
saranno presenti Erik Kessels, Rocco Venezia (PHmuseum), Giuseppe Oliverio (PHmuseum), Laura De Marco (Spazio Labo’)

sabato 25 e domenica 26 gennaio ore 10-14
ingresso gratuito
Who are you and your work?
workshop con Erik Kessels

Ingresso gratuito

La mostra propone un percorso tra passato, presente e futuro delle attività di ricerca e di didattica entomologica compiute, fin dal secolo scorso, presso l'Ateneo di Bologna

A cura di: Biblioteca di Agraria "G. Goidanich"; Dipartimento di Scienze e Tecnologie agro-alimentari

In collaborazione con Bioplanet

Da lunedì a venerdì ore 8.30 - 18.30; sabato e domenica chiuso

Ingresso libero

Mostra personale a cura di Alessia Calarota

Vasco Bendini (Bologna, 1922 – Roma, 2015), artista bolognese sempre interessato alla sperimentazione riguardante la materia e il colore, è stato uno dei principali esponenti dell'Informale e si è distinto in particolare tra il 1956 e il 1961. Le opere esposte in mostra appartengono a questo periodo, definito dal critico Fabrizio D'Amico “maturità già piena, insieme folgorante e misteriosa”. Il percorso di Vasco Bendini è stato segnato da un profondo misticismo che lo ha avvicinato alla ricerca legata alla luce e da uno spiccato interesse per la scienza.

Dopo un'iniziale fase naturalistica, nel corso degli anni '50 l'artista concentrò la propria ricerca astratta sulla materia e sul colore, realizzando opere di forte impatto visivo: la luce vibrante e drammatica squarcia le tele e anticipa il suo interesse nei confronti della gestualità della creazione e della polimatericità.

Dal 16 gennaio al 31 marzo 2020 lunedì-venerdì 10-13 e 14:30-18, sabato e domenica su appuntamento

Orari di apertura Art City Bologna:

venerdì 24 e sabato 25 gennaio ore 10-13 e 14:30-19, domenica 26 gennaio ore 10-13 

Ingresso gratuito

Villa delle Rose prosegue l’attività di valorizzazione di artisti attivi nella scena internazionale proponendo la prima personale in un’istituzione museale italiana di Antoni Muntadas (Barcellona 1942).

La mostra segue sul piano temporale la personale allestita nel museo basco d’arte contemporanea dal 4 ottobre 2019 al 12 gennaio 2020.

Le due esposizioni gemelle si differenziano per il peculiare rapporto con gli spazi espositivi. L’allestimento di Bologna è stato pensato appositamente per la dimensione “domestica” della settecentesca Villa delle Rose, dando vita a un percorso che favorisce un rapporto intimo con il visitatore, a partire dall’avvertenza che lo accoglie all’entrata “Attenzione: la percezione richiede impegno”.

La mostra presenta un'analisi trasversale del lavoro dell’artista, che va dai primi anni Settanta a oggi, stabilendo nuovi campi di significato e relazioni puntuali tra i temi ricorrenti nella sua analisi interdisciplinare: la globalizzazione, il capitalismo transnazionale, la nozione di dispositivo, la relazione pubblico/privato, i rapporti tra monumenti e memoria, le “microfisiche” del potere, l'interrogazione dell'archivio, i processi della traduzione, la circolazione delle informazioni, l'immaginario politico veicolato dai media.

In occasione di Muntadas. Interconnessioni è stata realizzata una pubblicazione per Corraini Edizioni, con testi critici di Beatriz Herráez, Lorenzo Balbi, Cecilia Guida, Arturo fito Rodríguez Bornaetxea, Roberto Pinto e Gabriel Villota Toyos.

Mostra personale a cura di Cecilia Guida e Lorenzo Balbi
Promossa da Istituzione Bologna Musei | MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, in collaborazione con Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo di Vitoria-Gasteiz, Álava, con la partnership della Fondazione Federico Zeri e con il patrocinio del Dipartimento delle Arti Alma Mater Studiorum Università di Bologna

Ingresso: € 5,00 intero / € 3,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Cultura ingresso ridotto € 2,50

Orari di apertura:

venerdì, sabato e domenica h 14-18

Jimmie Durham inizia a lavorare con le pietre in Giappone, nel carcere di Yokohama, quando come detenuto è chiamato a spaccar massi per scontare la sua pena.

Quel momento, oggi mitico per il racconto di uno dei protagonisti dell’arte del nostro tempo, segna l’avvio di un sodalizio fra la pietra – madre degli strumenti umani – e l’artista. Nel tentativo di costruire un’altra storia del pensiero, più libera e poetica di quella raccontata dalla storia della civiltà, Durham usa le pietre per liberare energie espressive e suggerire insolite narrazioni.

Kappanoun omaggia l’artista recentemente insignito del Leone d’Oro alla carriera alla Biennale di Venezia presentando al pubblico bolognese una selezione di opere provenienti da collezioni private italiane. In particolare la mostra pone l’accento sul vitalismo primigenio che nutre la pratica dell’artista e lo spinge ad usare la materia come puro atto.

L’esposizione è accompagnata da una pubblicazione con un testo di Denis Isaia.
Kappanoun è una libera iniziativa di Marco Ghigi.

Mostra personale promossa da Kappanoun

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

dal 19 al 26 gennaio h 10-19; dal 27 gennaio solo su prenotazione: kappanoun@gmail.com

OTTO Gallery sceglie di presentare per la prima volta in Italia, dopo le mostre realizzate da Studio d’Arte Cannaviello negli anni 80, una parte meno nota, ma non per questo meno significativa, della ricerca artistica del grande maestro svizzero, la sua produzione pittorica. Eclettico e multiforme, l’universo linguistico di Urs Lüthi si apre dagli anni 60 ad oggi alle più svariate forme mediatiche, che fanno della sua opera un insieme estremamente sfaccettato e complesso. Dalla fotografia alla scultura, dall’oggetto alle edizioni, dalla performance al video fino all’installazione, Urs Lüthi non tralascia la pittura che esplora nei primi anni 80 e per la durata di un decennio, sperimentando un nuovo linguaggio tra continuità e rottura.

Nelle grandi tele figurative dipinte ad acrilico e poste nelle sale espositive della galleria in dialogo con cicli diversi di autoritratti scultorei, campeggiano sovrapponendosi gli uni agli altri corpi femminili e maschili ora stilisticamente declinati come rappresentazioni foto-realistiche di nudi quasi classici, ora come figure comiche simili a fumetti o a divertite esecuzioni vicine all’elementarietà del graffitismo. E’ una pittura volutamente banalizzante e ironica, indifferente a tecnicismi e qualità estetiche primarie, che affronta il rapporto esistenziale, di senso tra l’individuo e la sua identità, il corpo e il suo doppio; ma soprattutto il medium pittorico in Urs Lüthi sembra deputato a dare forma e carne ai sentimenti e alle emozioni: gli universi emozionali legati all’amore e alla morte e le pulsioni umane universali più inconfessabili e profonde sono rappresentati in questa serie di autoritratti pittorici tramite una strategia di rispecchiamento dove l’immagine dell’artista diventa la metafora attraverso cui la condizione umana si mostra.

Parallelamente l’indagine pittorica nell’artista svizzero assume anche la forma di partiture decorative svolte con pittura nitida e impersonale: composizioni di campi di colore astratti creano sequenze di pattern geometrici che fanno da pendant alla pittura di corpi dando vita a dittici seducenti. Sono “opere in cui Lüthi compare misteriosamente avviluppato nella pienezza di una pittura scarna eppure concreta, quasi plastica o tattile nel suo linearismo, e in cui hanno trovato posto identità di altro tipo. […] e pur nella diversità di un linguaggio che pare essersi radicalmente trasfigurato, Lüthi rimane come sempre se stesso: ci sono l’azione, l’ironia e quella sua inequivocabile verve che trasforma l’ironica assurdità in un valore su cui meditare.” (L. M. Barbero, Just another travel for Lüthi)

Orari di apertura:

dal 18 gennaio al 10 aprile 2020 martedì-sabato ore 10:30-13 e 16-20

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 10-24

Ingresso libero

Tre specchi circolari mettono sottosopra l’opera pittorica di un artista minimalista: David Tremlett, che nel 2003 aveva interamente dipinto la cappella con l’obiettivo di espandere e coniugare il piccolo ambiente in un ideale paesaggio.

Gli specchi riflettono e frantumano l’opera di Tremlett che già prendeva in considerazione l’idea di espandere quello stesso spazio indicandoci d’immaginarlo al di fuori, oltre. Il rispecchiamento aiuta l’opera di Tremlett a valicare i muri, a dilatarsi. E lo fa introducendo un occhio nuovo, estraneo e innocente.

Installazione site-specific a cura di Chiara Bertola

Promossa da Galleria Studio G7 in collaborazione con Galleria Alfonso Artiaco, Napoli

Ingresso: gratuito

Orari:

tutti i giorni h 10-1

Partendo dal rapporto del corpo dell’artista che agisce nello spazio pubblico e privato, la mostra offre la possibilità di vedere per la prima volta in Italia un’accurata selezione di opere fotografiche di Claude Cahun (grazie alla collaborazione con Jersey Heritage Collection), una selezione di fotografie di VALIE EXPORT (in collaborazione con Atelier VALIE EXPORT e il Museion di Bolzano) e una riproposizione di un progetto degli anni Novanta di Ottonella Mocellin.

L’esposizione si presenta come la possibilità di approfondire un ambito della storia dell’arte del ‘900 ampiamente caratterizzata dall’uso dei dispositivi extra artistici quali il corpo, la fotografia e la performance.

Le tre artiste selezionate sono testimonianze imprescindibili delle principali Avanguardie del XX secolo: le Avanguardie Storiche dei primi decenni del Novecento per Claude Cahun, le Neo Avanguardie degli anni Sessanta/Settanta con VALIE EXPORT e le ultime ricerche degli anni Novanta con Ottonella Mocellin.

Le tre importanti presenze sottolineano la riflessione estetica e progettuale di un’occupazione tanto fisica quanto mentale della propria identità, della propria prassi progettuale come anche della necessità di indagare i rapporti fra il corpo dell’artista e lo spazio dell’architettura, della natura e dell’illusione.

Mostra a cura di Fabiola Naldi e Maura Pozzati

Promossa da Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

lunedì - sabato h 10-19

Nell'archivio del fotografo Rodrigo Pais sono numerosi i servizi fotografici che descrivono il mondo del cinema italiano tra la seconda metà degli anni '50 e gli anni '70.

La serie d’immagini che compone la mostra fotografica su Federico Fellini testimonia alcuni passaggi importanti della sua carriera artistica come il premio Oscar come miglior film straniero per «Le notti di Cabiria» ritirato dalla protagonista del film Giulietta Masina e il grande successo internazionale con il film «8 ½». Altre fotografie narrano eventi collegati alle opere cinematografiche: «Le tentazioni del dottor Antonio» episodio del film «Boccaccio '70», «Toby Dummit» episodio del film «Tre Passi nel delirio», «I clowns» e «Roma». Una sezione speciale è dedicata al documentario televisivo «Un'ora (e ½) con il regista di 8 ½» del giornalista Sergio Zavoli, realizzato nel 1964 dopo il successo del film «8 ½». 

In locandina: Federico Fellini durante le riprese di «Un’ora (e ½) con il regista di 8 ½» di Sergio Zavoli. Fotografia di Rodrigo Pais (1964).

La mostra rimarrà aperta dal lunedì al venerdì dalle 9 alle 19

Ingresso libero

Alessandro Lupi (Genova 1975) presenta quattro grandi installazioni site-specific interne ed esterne allo Spazio Arte di CUBO, Museo d’impresa del Gruppo Unipol, volte ad indagare i paradigmi della visione e della percezione, dello spazio e del tempo, creando opere immersive e coinvolgenti che diventano una sorta di alter-ego critico della società cui si rivolgono, stimolando il pubblico a compiere un percorso di scoperta e sorpresa, percezione e immaginazione, interazione e contemplazione.

Il titolo stesso, ONE, TOO, FREE. Specchi, ombre, visioni, gioca con le parole, sdoppia il loro significato attraverso l’ambiguità del rapporto tra pronuncia e scrittura, evidenziando la ricchezza iconica e semantica delle opere di Lupi, il cui processo creativo si compie attraverso una continua interazione tra elementi opposti.

In primis la luce, naturale e artificiale: l'artista la vira e la sperimenta in tutte le sue gradazioni, dall’eclatante luminosità al grado zero del visibile, l’oscurità, fino alla visione alterata e ambigua-ambivalente; lavora con il suono che è ordine e armonia, caos e disaccordo; intende l’ambiente quale luogo ambivalente, dove ci specchiamo e non ci vediamo, ma siamo gli altri che attorno a noi si muovono; lavora con l’architettura, creazione dell’uomo che chiede di essere interrogata, ancor oggi, in quanto habitus di chi la vive quotidianamente.

Mostra personale all’interno della rassegna das.03 dialoghi artistici sperimentali a cura di Ilaria Bignotti con il contributo di Federica Patti per il Public Program di das.03

Promossa da CUBO

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

lunedì h 14-19, martedì h 9.30-23.30, mercoledì, giovedì, venerdì h 9.30-20, sabato h 9.30-14.30, domenica chiuso

21 gennaio h 21 (tbc) > CATTEDRALE SOMMERSA/ZIMMERFREI, Massimo Carozzi sonorizza dal vivo materiale video inedito realizzato da ZimmeFrei per Almost Nothing
24 gennaio h 18.30 > Meet the artist Alessandro Lupi con Federica Patti
25 gennaio h 18 > Talk in collaborazione con not/ NERO editions HOW LONG IS FOREVER? Immagini e azioni tra etica, estetica e scienze dell’Uomo, intervengono Valentina Tanni, Barbara Henry, Giovanni Matteucci, Fabio Benfenati
25 gennaio h 21 > quartetto di archi GnuQuartet interpreta in versione sonora le opere di Alessandro Lupi, Auditorium Unipol Enea Mazzoli – prenotazione obbligatoria su www.cubounipol.it
26 gennaio h 18 > Inventario Pozzati. Reading musicale di Angela Malfitano con Franz Brini da scritti di Concetto Pozzati – prenotazione obbligatoria su www.cubounipol.it

L'artista emerge sul finire degli anni novanta rivelandosi come uno dei più luminosi esponenti dell’arte in Italia. La sua pratica spazia dalle performance alle sculture, dai video alle fotografie, dai disegni ai dipinti.

Vestimenti raccoglie un’ampia selezione di sculture-abito dell’artista presentate attraverso un progetto installativo pensato appositamente per lo spazio.

Sarà inoltre presentata una performance (26 gennaio, dalle 14.30 alle 16.30 – ingresso gratuito fino ad esaurimento posti) che permetterà di sottolineare come queste opere siano legate alla nostra vita di tutti i giorni.

La mostra è accompagnata da una pubblicazione bilingue (italiano-inglese) edita da Corraini Edizioni con testi di Mariuccia Casadio, Antonio Grulli e un dialogo di Sissi con l’artista Christian Holstad. Il libro sarà presentato il 26 gennaio dopo la performance, alla presenza dell’artista e degli autori.

Mostra personale a cura di Antonio Grulli

Promossa da Palazzo Bentivoglio

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

dal 31 gennaio al 15 marzo: venerdì h 17-20, sabato e domenica h 12-19
dal 20 marzo al 19 aprile solo su prenotazione: Caterina Pascale | info@palazzobentivoglio.org | cell. 370 1249962

Nell'ambito di ART CITY Segnala 2020 in occasione di Arte Fiera, Paradisoterrestre presenta nella galleria in Via De’ Musei 4 una mostra di Tobia Scarpa, progettista che nella sua lunga attività professionale si è occupato di architettura, restauro, allestimenti, design, grafica, insegnamento. Agli albori della sua carriera, l’architetto veneziano disegna per Dino Gavina, storico fondatore del marchio Paradisoterrestre, la sedia Pigreco (1960), il divano Bastiano (1960) e il letto Vanessa (1962), pezzi diventati iconici nel panorama del design internazionale. Sempre a fianco dell’imprenditore bolognese, partecipa agli inizi degli anni Sessanta alla nascita della società Flos, per la quale ha in seguito realizzato numerose lampade tra cui Fantasma 1961, Foglio 1966 e Biagio 1968.

A distanza di sessant’anni, la collaborazione si rinnova con un inedito progetto artistico: partendo da una interpretazione di Melencolia I, enigmatico capolavoro della produzione incisoria di Albrecht Dürer, Tobia Scarpa realizza due opere in edizione limitata per Paradisoterrestre. Una suggestione che si tramanda da una generazione all’altra, quella dell’architetto per la misteriosa figura solida che campeggia nella parte sinistra dell’opera di Dürer. Il padre Carlo Scarpa, infatti, aveva a suo tempo già mostrato interesse per il poliedro tanto da dedicarsi, assieme agli amici, ad un lavoro di ricerca sulla enigmatica figura.
L’incisione a bulino, realizzata nel 1514, vanta una fama smisurata ed è stata protagonista di riflessioni e letture diverse. Con i suoi elementi enigmatici, ha attirato a sé non solo esperti alla ricerca di una possibile e coerente interpretazione, ma ha anche ossessionato molti degli artisti successivi, fino alla più recente contemporaneità, tanto da poter parlare di una “persistenza” della Melencolia I di Dürer nell’immaginario collettivo. Il suo potere è stato tale da suscitare osservazioni tutt’altro che superficiali anche in Tobia Scarpa. L’architetto, infatti, ha scelto di scomporre la rappresentazione nei suoi elementi costitutivi, estrapolando dall’opera il solido geometrico allo scopo di donargli una nuova collocazione nello spazio dell’osservatore.

Nella mostra ospitata dalla galleria Paradisoterrestre di Bologna la bidimensionalità del poliedro viene dunque integrata dalla terza dimensione: questa geometria perfetta si trasforma in opera d’arte a sé stante. Il lato nascosto del solido, rimasto celato per cinque secoli nell’incisione düreriana, viene finalmente liberato nello spazio reale diventando fruibile a tutti gli effetti.

Orari di apertura:
dal 21 gennaio al 29 febbraio 2020 martedì-sabato ore 11-19

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 12-24

Ingresso gratuito

Via libera per volare è un progetto di Antonello Ghezzi che rende omaggio al grande poeta Gianni Rodari, nel centenario dalla nascita.

Ispirandosi al racconto Il semaforo blu, gli artisti realizzeranno una serie di installazioni in diversi punti della città (Palazzo d'Accursio, Aeroporto G. Marconi, Policlinico Sant’Orsola - reparto di pediatria, Casa della Conoscenza di Casalecchio di Reno) in cui verranno collocati iconici semafori che diffondono luce blu.

È il loro “via libera per volare”, un'esortazione a sognare.

Il progetto prevede il suo culmine presso il Museo Davia Bargellini dove semafori, luci e specchi daranno vita ad opere site-specific in dialogo con la collezione permanente del museo e con l’opera di Luigi Mainolfi intitolata Per quelli che volano.

Un progetto a cura di Manuela Valentini e Olivia Spatola, in collaborazione con Silvia Evangelisti, Chiara Belliti e Galleria ME Vannucci – Pistoia

Promosso da Istituzione Bologna Musei | Museo Davia Bargellini in collaborazione con Legati al Filo APS - Festival per l'innovazione sociale, con il supporto di Datalogic e Threestones Capital e la sponsorizzazione tecnica di La Semaforica e Vetreria San Martino

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

martedì - venerdì h 9-14, sabato, domenica e festivi h 10-18.30

Il progetto di installazione realizzato dall'artista russo Protey Temen per il bookshop CorrainiMAMbo è basato su una serie di disegni che raffigurano un processo di pensiero meccanico. Dopo alcune lezioni di apprendimento automatico, tutte le macchine inizieranno a pensare. Ma quale sarà il soggetto principale del loro pensiero? Possono aiutarci a essere più interconnessi con noi stessi o il nostro ambiente sociale? Diventerà un modo comune di prendere decisioni personali? Se le nostre domande si basano per lo più su una mancanza di dati, perché siamo esseri umani con i nostri bias cognitivi, può una macchina andare dritta al punto? Se sì, potremo fidarci del risultato?
La Galleria Maurizio Corraini ha avviato la collaborazione con l’artista nel 2008 con la pubblicazione di Un Sedicesimo n.5, a cui è seguita nel 2019 una mostra personale dal titolo Total Timeline, prima presso la Libreria Ex-temporanea 121+ di Milano poi ad ArtVerona 2019.
L'installazione che l'artista darà vita al bookshop CorrainiMAMbo è basata su una serie di disegni, oggetti di carta e video.

Protey Temen è nato nel 1984 a Mosca. Ha fondato e gestisce la Inner School of Open Studies, progetto artistico multidisciplinare. È interessato ai più diversi orientamenti grafici, come il design e l’arte contemporanea, e crea immagini astratte per esplorare e visualizzare le intersezioni tra scienza, arte e visual data. Le sue opere diventano anche tatuaggi che realizza personalmente.

Fino all’8 marzo 2020 martedì - mercoledì - venerdì - sabato – domenica ore 10-19, giovedì ore 10-22 (chiuso il lunedì)

Orari di apertura ART CITY Bologna:

opening mercoledì 22 gennaio ore 18
venerdì 24 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 10-24, domenica 26 gennaio ore 10-19

Ingresso gratuito

La Sala delle Ciminiere del MAMbo appare trasfigurata dalla presenza peculiare dei lavori di sette tra i più noti artisti contemporanei: Ed Atkins, Luca Francesconi, Apostolos Georgiou, Ragnar Kjartansson, Susan Philipsz, Cally Spooner, Apichatpong Weerasethakul.

AGAINandAGAINandAGAINand si pone l’obiettivo di indagare il tema del loop, della ripetizione e della ciclicità nella contemporaneità, analizzandolo da diverse angolazioni attraverso le opere di artisti che hanno posto l’argomento al centro della propria ricerca.
Il progetto espositivo si sviluppa seguendo diversi approcci: uno sociologico che guarda all’impatto delle nuove tecnologie e dei nuovi sistemi di organizzazione del lavoro sulla vita psicologica e fisica dell’essere umano; uno filosofico e religioso che prende ispirazione da forme di conoscenza e di credenza basate sull’olismo, sulla reincarnazione e sulla ciclicità temporale; fino ad uno ecologico che propone nuovi modelli di produzione e consumo basati su una rinnovata coscienza della cultura rurale.

Gli autori delle opere provengono da differenti parti del mondo e problematizzano il tema, mostrando come nell’arte sia oggi presente una riflessione sul tempo e sulle forme di conoscenza e di potere che da esso scaturiscono. Spaziando tra i diversi media - performance, video, scultura, pittura, fotografia e installazione - il progetto propone un percorso strutturato in ambienti immersivi, caratterizzati da intensità temporali differenti.

AGAINandAGAINandAGAINand è corredata da una pubblicazione Edizioni MAMbo, a cura di Caterina Molteni, che include un saggio critico del curatore Lorenzo Balbi, schede esplicative delle opere in mostra e una sezione di approfondimento con testi e contributi degli artisti e contenuti inediti sul tema, affidati a teorici contemporanei quali il filosofo Federico Campagna, l’antropologa Elizabeth Povinelli e la stessa Molteni.

Mostra collettiva a cura di Lorenzo Balbi con l'assistenza curatoriale di Sabrina Samorì
Promossa da Istituzione Bologna Musei | MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna in co-progettazione con Laminarie
Main Sponsor Gruppo Hera
Sponsor Gruppo Unipol
Sponsor tecnico Freak Andò

Ingresso: gratuito nei giorni di ART CITY Bologna | € 6,00 intero / € 4,00 ridotto | per gli abbonati alla Card Cultura ridotto € 3,00

Orari di apertura:

martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica e festivi h 10-18.30; giovedì h 10-22

Visite guidate:

domenica 26 gennaio h 16, domenica 9 febbraio h 16

Gaussiana è il titolo di un’opera di Francesca Ferreri, che si colloca nella sala centrale di Casa Morandi, e dà il nome all'intera mostra.

Il lavoro si inserisce nel solco di una ricerca più ampia, che rintraccia nell’intreccio tra restauro e algoritmi matematici spunti poetici per un approccio scultoreo che si pone, sullo sfondo, il problema dell’incognita.

I tre elementi della scultura, che prendono vita lungo un asse longitudinale, nonostante la linearità e la struttura modulare mostrano evidenti sconfinamenti nell’organico: la leggera carta che essi sorreggono - punteggiata di scritture asemiche, a metà fra espressioni matematiche e notazioni coreografiche - suggerisce, pur nella sua esilità, il senso dell’opera.

La curva gaussiana, largamente usata nelle scienze naturali e sociali per rappresentare graficamente la distribuzione di una popolazione si di una qualunque variabile, tende, come noto, all’infinito. L’opera qui presentata raggiunge invece da entrambe le parti un ‘punto zero’, ed è la sua immediata ripartenza a rispondere in qualche modo al bisogno di infinito.

Mostra personale a cura di Lorenzo Balbi

Promossa da Istituzione Bologna Musei | Museo Morandi
Sponsor Banca di Bologna

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

venerdì e sabato h 14-16, domenica h 11-13

Claudia Losi, artista italiana dal forte profilo internazionale, si contraddistingue non solo per la qualità espressiva della propria ricerca, ma anche per l’eterogeneità delle pratiche artistiche e delle tecniche utilizzate, oltre che per le implicazioni poetiche, sociali e paesaggistiche.

L’installazione si pone come nuovo capitolo di un ciclo di lavori su un tema ricorrente: “Ossi”, ovvero un gruppo di sculture - costole di balena realizzate in collaborazione con l’azienda di Montelupo Tuscany Art in terra dell’Impruneta e prodotte da Fondazione Museo della Ceramica di Montelupo e Comune di Scandicci, richiama non solo il mistero profondo e l’aurea mistica che il grande cetaceo porta con sé, ma una riflessione profonda su storia e natura e, per deduzione, tra natura e scultura.

Ossa di balena che, inoltre, caratterizzano l’identità di più di un luogo; un’opera dunque che affonda le proprie radici in un immaginario antropologico.

Installazione a cura di Matteo Zauli

Promossa da Istituzione Bologna Musei | MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, in collaborazione con Museo Carlo Zauli

Ingresso: € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Cultura ingresso gratuito

Orari di apertura:

martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica e festivi h 10-18.30; giovedì h 10-22

La prima sala della collezione del MAMbo viene riallestita intorno a una delle opere più conosciute e ricercate qui esposte: Funerali di Togliatti di Renato Guttuso.

L’esposizione documenta l’emergere di una giovane generazione di pittori nella Roma degli anni Sessanta, in dialogo con le ricerche artistiche e le posizioni politiche di Guttuso, ritenuto il più autorevole pittore figurativo italiano dell’epoca.

In mostra opere di Franco Angeli, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Renato Guttuso, Sergio Lombardo, Renato Mambor, Titina Maselli, Mimmo Rotella, Mario Schifano e Giuseppe Uncini.

Riallestimento della collezione permanente a cura di Uliana Zanetti e Barbara Secci

Promosso da Istituzione Bologna Musei | MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna

Ingresso: € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Cultura ingresso gratuito

Orari di apertura:

martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica e festivi h 10-18.30; giovedì h 10-22

Luca Coclite. Supertrama
Mostra personale a cura di Enrico Camprini promossa da Marktstudio

Supertrama è la mostra d’apertura del neonato Marktstudio, progetto ideato dall’artista Giuseppe De Mattia presso il laboratorio di cornici Il Perimetro Dell’Arte con l’intento di stimolare una riflessione sullo statuto dell’arte contemporanea e sul rapporto di questa con la dimensione artigianale. I locali di via Don Minzoni si trasformeranno in un luogo ibrido, a metà tra bottega e spazio espositivo, negozio e white cube, richiamando un’epoca, fino ai primi del Novecento, dove la fruizione di opere d’arte non era nettamente circoscritta a istituzioni museali, galleristiche, fieristiche. Il concetto di mercato, che il progetto evoca, si riferisce da un lato alla funzione quotidiana della sua sede, un esercizio commerciale, dall’altro all’idea di movimento, di scambi e di incontri eterogenei ed imprevisti che un luogo “intermedio” porta con sé.
Supertrama presenta gli ultimi lavori di Luca Coclite (Lecce, 1981). L’artista, nella serie che dà il titolo alla mostra, esercita una riflessione sulla graduale desertificazione della sua terra d’origine, la costiera mediterranea del sud, dove i cambiamenti sociali e lo sviluppo del turismo stanno portando alla scomparsa della vegetazione endemica e al proliferare di specie invasive. Utilizzando una trama e servendosi del guscio del fico d’india, pianta alloctona per eccellenza, l’artista crea immagini tracciando le coordinate di una nuova natura rivisitata, non spontanea e irrimediabilmente determinata dall’impatto umano.

Orari di apertura:
Fino al 14 marzo lunedì, martedì, mercoledì, venerdì, sabato ore 9-12.30, giovedì ore 15.30-19-30, domenica su prenotazione

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 9:30-12.30 e 15:30-20, sabato 25 gennaio ore 9:30-12.30 e 15-22, domenica 26 gennaio ore 15-20

Ingresso gratuito

Traces
mostra collettiva a cura di Marina Dacci in collaborazione con z2o Sara Zanin Gallery, Roma, con opere di Kaarina Kaikkonen, Ibrahim Ahmed, Silvia Camporesi, Evgeny Antufiev, Beatrice Pediconi, Giovanni Kronenberg , Nazzarena Poli Maramotti

La mostra propone le opere di sette artisti del nostro tempo che inscrivono nella loro ricerca l'idea di traccia. L'esplorazione del tema si sviluppa in varie direzioni: architetto nico naturalistica, storica, sociale e relazionale. Le loro opere pennellate, punteggiature interroganti in uno dei più bei palazzi storici nel cuore della città , denso di storia si ancorano alle collezioni del museo. Antichi artefatti medioevali e rinascimentali, raccolte di oggetti curiosi in teche simili a Wunderkammer, frammenti e lacerti di antiche mura, lapidari e sarcofagi si aprono a visioni inaspettate, grazie anche a salti visivi che azzerano la dimensione lineare del tempo. Opere e oggetti sono portatori del mistero che risuona in modo diverso in ognuno di noi.
Nel lavoro di questi artisti le tracce originano dalla ricerca, ma anche da esperienze che si inscrivono nella cronaca quotidiana. La memoria degli oggetti e la memoria personale sono radici che ci possono sorprendere e condurre oltre: senza tracce non c'è identità né personale né collettiva. Il bisogno di riconoscersi ci accompagna sempre.

opening venerdì 24 gennaio ore 19-22

Ingresso dal 23 gennaio al 22 marzo 2020:

ingresso gratuito Card Cultura, intero € 6, ridotto €3

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10-22, sabato 25 gennaio ore 10-24, domenica 26 gennaio ore 10-18:30

Ingresso nei giorni di ART CITY Bologna:

 ingresso gratuito per possessori biglietto Arte Fiera e Card Cultura ridotto 3€ per possessori biglietto Arte Fiera

Mostra personale a cura di FPA Francesca Pasquali Archive e Alice Traforti, in collaborazione con Acme Art Lab e Ciclostile Architettura

Il percorso espositivo si articola sin dallo scalone monumentale, invitando il pubblico ad un dialogo coinvolgente e sensoriale tra arte e architettura, vita quotidiana e materiali plastici e industriali trasformati in forme di grande impatto visuale: si parte da lunghe Setole che si muovono nell’ingresso, diventando velari contemporanei che introducono lo spettatore in un percorso di scoperta, che prosegue negli uffici con la prima sala dove sono allestite una maestosa Frappa, lavoro iconico dell’artista, formata da morbide onde di neoprene, un’opera riflettente, solcata da isole di cannucce trasparenti che paiono iceberg in un mare dorato, come il titolo stesso, Iceberg, suggerisce; mentre a marcare lo spazio è una nuova Setola che vira dal ghiaccio al giallo neon. Nelle sale successive, il pubblico incontrerà altre opere tattili e seducenti, quali New Baroque, realizzata con trucioli di scarto industriale, Spiderball con i suoi cangianti ragnatori colorati.

“Ogni lavoro di Francesca Pasquali diventa un dispositivo visivo e relazionale che si inserisce tra lo spettatore e l'ambiente circostante, in grado di far scaturire altre letture della realtà”, commenta Alice Traforti nel testo critico che accompagna la mostra, evidenziando, sin dal titolo, la specificità di questo percorso espositivo: “le opere installate si trovano a dialogare direttamente con le volte affrescate, mixando atmosfere squisitamente classiche a voli pindarici più arditi che trovano una straordinaria dimensione emozionale proprio nella vocazione ordinaria, implicita sia nell'impiego degli spazi di lavoro, sia nella materia costitutiva dell'opera d'arte stessa”.

Proprio la dimensione architettonica della ricerca di Francesca Pasquali emerge con evidenza negli ambienti di Ersel, il cui recente restauro è stato realizzato dallo studio Ciclostile Architettura: lo stesso team di progettazione architettonica che ha da poco terminato anche la ristrutturazione dello Studio dell’artista, oggetto di una importante e positiva attenzione da parte della stampa di settore.

Fino al 28 febbraio lunedì-venerdì ore 10-18

Orari di apertura ART CITY Bologna:

opening giovedì 23 gennaio ore 18
venerdì 24 gennaio e domenica 26 gennaio ore 10-18, sabato 25 gennaio ore 10-24

Not ordinary night for not ordinary people
Laboratorio di creazione di un’opera d’arte collettiva, adatto a tutte le età
sabato 25 gennaio dalle 10 alle 24 e domenica 26 gennaio ore 10-19 | ingresso gratuito

Ingresso gratuito

La mostra pone a confronto tre serie di opere di nuova realizzazione che ampliano e approfondiscono a livello formale e concettuale la ricerca alla base della sua produzione artistica da una decina di anni, un’indagine sulle possibilità documentative della forma nella sua capacità di aderire al fenomeno in cui la materia è intesa come campo d’azione di leggi fisiche e camera di registrazione dei loro effetti.

Le sue opere spesso costituiscono una sfida per chi osserva: l’occhio è continuamente interrogato, istigato al dubbio, stimolato a ricostruire la dinamica del processo che ha generato il lavoro. La pratica di Cantori (che include scultura, installazioni, video e fotografia nelle sue più svariate articolazioni) tenta di rimodulare fenomeni scientifici, come quelli celestiali, cinetici o luminosi, senza dimenticare il bilanciato aspetto estetico del risultato finale. Se in molti lavori precedenti l'opera era l'analogo plastico o visivo di una fase di un processo sottratta all'istantaneità e trasformata in oggetto a sé stante, in queste ultime opere sembra che ci sia un’ulteriore evoluzione. Un processo di trasformazione fisico, chimico o meccanico viene applicato a un oggetto di partenza con l’intento di farne scaturire le proprietà nascoste e forzarlo a rivelarsi. Tuttavia l'esito di tale operazione si concretizza in oggetti altri che si presentano in qualche modo come il negativo dei primi (di cui rilevano aspetti e proprietà latenti), ma anche come entità autonome e misteriose, governate da un'altra semantica.

La serie Untitled (1:1 Map) 2019 è formata da calchi in alluminio di mappe cartografiche che materializzano un’accurata indagine sulla materia e la forma in termini poetici e sperimentali. Elia Cantori è interessato alle registrazioni degli istanti, a immortalare e congelare azioni elementari fermando il tempo. In alcuni lavori, come quelli della serie Untitled (Photopsyche) 2018/2019, l’artista utilizza la fotografia non come medium ma come materiale, sfruttando la capacità della carta fotosensibile di registrare e imprimere la luce, intendendo quest’ultima come uno “stampo” e utilizzandola come materia. L’installazione ambientale Untitled 2020 materializza infine un’impossibile doppia assenza, quella dell’oggetto-matrice (una lastra di vetro frantumata) e quella della sua forma originaria, imperfettamente ricostruita dalla disposizione lineare dei frammenti.

Dal 23 gennaio al 21 marzo 2020 martedì-sabato ore 15-19.30

Orari di apertura Art City Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10-20, sabato 25 gennaio ore 10-24, domenica 26 gennaio ore 10-18

Ingresso gratuito

Mostra a cura di Lodovico Pignatti

Una strada di campagna, uno scorcio urbano da una prospettiva insolita, una figura che cammina con una valigia, sono alcuni degli attimi descritti in punta di pennello da Mariarosaria Stigliano, immagini di un istante sospeso che raccontano il vento.

Il colore, a volte acceso nei rossi di un segno nervoso ed a volte velato dal riflesso di una luce notturna, è lo strumento che ci guida nelle trame dipinte in ognuna delle opere in mostra ed invita ad entrarvi.

Sono storie rumorosamente silenziose che ci parlano di un altrove incredibilmente vicino ma inafferrabile, così chiaro eppure completamente misterioso.

 Fino al 29 febbraio 2020 martedì-sabato ore 17-20

Orari di apertura Art City Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 17-20, sabato 25 gennaio ore 16-24, domenica 26 gennaio ore 16-20

Ingresso gratuito

Mostra a cura di Amerigo Mariotti e Daniela Tozzi

Secondo Jorge Luis Borges “il sogno è la più antica delle attività estetiche”; il duo artistico milanese, interrogandosi da tempo su quanti luoghi può vivere un’immagine e quanto il luogo possa interagire con la stessa, modificandola o diventandone parte integrante, espone ad Adiacenze la trasposizione di un sogno, il sogno di un androide.

Parafrasando il titolo del noto libro di Philip Dick “Ma gli androidi sognano pecore elettriche?” dal quale è stato tratto il famoso film Blade Runner, Giorgio Brina e Simone Novara (bn+), rendono un po’ più umano l’androide permettendogli di sognare e aprirsi al pubblico rendendolo partecipe del momento e facendolo curiosare nel proprio pensiero più profondo.

Come suggerisce lo stesso titolo della mostra, l’androide anela a provare empatia, all’avere un’anima, cosa che ne rende l’esistenza differente rispetto a quella degli esseri umani. Infatti, “Uncanny Valley” è un’ipotesi presentata negli anni Settanta che studia l’empatia provata dall’uomo verso robot, automi antropomorfi e altri oggetti o esseri viventi o morti e come questo sentimento cambia con l’aumentare della loro somiglianza e vicinanza alle fattezze umane.

Ma allo stesso modo, l’uomo che ruolo potrebbe avere all’interno del sogno e in questo caso quanto potrebbe entrare in empatia con le opere site specific, l’ambiente e la mostra?

Opere rappresentanti oggetti comuni resi al limite dell’indecifrabile diventano tutt’uno con lo spazio espositivo; ambientazioni oniriche site specific impregnate di rimandi letterari, cinematografici e artistici, si uniranno per tentare di dare risposte a quesiti che non riguardano solo l’androide ma anche riguardanti l’uomo e la sua visione e partecipazione alle esposizioni artistiche.

Fino al 7 marzo 2020, mercoledì-sabato ore 11-13 e 16-20

Orari di apertura Art City Bologna:

opening venerdì 24 gennaio ore 19:30

venerdì 24 gennaio ore 19:30–22:30, sabato 25 gennaio ore 11-13 e 16-24, domenica 26 gennaio ore 16-20

Ingresso gratuito

La mostra, prima personale di Taanila in un'istituzione pubblica italiana, raccoglie una selezione di opere riguardanti la relazione tra l’uomo, l'ambiente e la tecnologia, in un continuo dialogo tra passato e futuro.

La ricerca interdisciplinare dell'artista e filmmaker Mika Taanila spazia dall'ambito ecologico alla cibernetica, dalla robotica alle sperimentazioni musicali. Con videoinstallazioni, film, collage e opere fotografiche l’artista indaga le modalità in cui i dispositivi tecnologici hanno ridefinito il mediascape e le modalità della visione.

Negli archivi filmici, in supporti obsoleti come i VHS e in found footage film individua chiavi di accesso per ripercorre la storia culturale dell'ultimo secolo. Con il documentario The Future Is Not What It Used To Be ad esempio, ha lavorato sull’archivio di Erkki Kurenniemi, esperto di robotica pioniere della musica elettronica in Finlandia, mentre per Futuro: A New Stance for Tomorrow si è occupato di un’altra utopia made in Finland: le “Futuro House” progettate dall’architetto finlandese Matti Suuronen.

Mostra personale a cura di Lorenza Pignatti
Promossa da Istituzione Bologna Musei | MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna e Regione Emilia-Romagna, in collaborazione con Frame Contemporary Art Finland, Kinotar (Helsinki), Testifilmi (Helsinki), Associazione Culturale Stòff con il patrocinio dell'Ambasciata di Finlandia a Roma

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

sabato e domenica h 15-18

Mostra collettiva a cura di Fulvio Chimento con la direzione artistica di Camilla Sanguinetti, promossa da Associazione Alchemilla APS in collaborazione con Associazione Controcorrente, con le opere di Stefano Arienti, Pierpaolo Campanini, Maurizio Mercuri.

L’idea di coinvolgere Arienti, Campanini e Mercuri nella mostra Filigrana, nata per gli ambienti tardo-cinquecenteschi di Palazzo Vizzani, ha lo scopo di offrire un percorso espositivo raffinato dal punto di vista teorico ed estetico. La filigrana, infatti, è sentore di preziosità e sapienza nel processo di elaborazione artistica, ma costituisce simbolicamente anche l’anima dell’opera d’arte, che può manifestarsi o rimanere quieta in trasparenza, in attesa di un atto critico in grado di ridestarla.

Stefano Arienti presenta esclusivamente opere inedite, frutto della sua attuale ricerca, che prevede la stampa di immagini, prodotte dallo stesso artista, su materiali di uso comune, come tappetini in ciniglia o carta da manifesto sapientemente lavorata fino all’ottenimento di una resa quasi scultorea. In altra serie di lavori la superficie fotografica è cucita a macchina, l’ordito della trama costituisce il codice-segno impresso dall’artista sulla propria opera. Arienti si serve di un raffinato linguaggio metamorfico che gli consente di manipolare gli oggetti con cui si misura, trasformandoli in veicolo e supporto di forme e colori, a un primo sguardo non riconducibili alla realtà.

Le opere realizzate da Pierpaolo Campanini dialogano con affreschi, tessuti e carte da parati che decorano gli ambienti di Palazzo Vizzani: la pittura diviene quasi “araldica” e infonde carica simbolica al percorso espositivo. Gli interventi di Campanini rifuggono dalla classificazione di “dipinti” o di “oggetti”: l’artista accentua la dimensione mimetica delle opere. Uno di questi interventi contempla la presenza di due opere preesistenti di Luca Bertolo, in un confronto teso a esplorare le potenzialità del linguaggio pittorico nel misurarsi con un contesto ambientale caratterizzato dall’azione del tempo.

Il suono, la luce e la fotografia sono gli elementi che qualificano la presenza in mostra di Maurizio Mercuri (che presenta un consistente numero di lavori nuovi), artista dotato di un talento cristallino che gli permette di formalizzare con immediatezza la sorgente concettuale delle sue intuizioni artistiche. Alcuni lavori installativi di Mercuri si misurano con lo stesso grado di magnificenza degli ambienti di Palazzo Vizzani, mentre altri interventi minimali (alcuni pensati come opere da viaggio) risultano più quasi incastonati nella memoria delle strutture architettoniche.

La filigrana è espressione di una stratificazione di senso, di un presente sul quale incide un involontario processo di conservazione/disgregazione esercitato dal tempo, lo stesso che ha permesso agli ambienti di Palazzo Vizzani di mantenere intatta la sua essenza.

Sabato 25 gennaio visite guidate ore 19 e ore 21

Orari di apertura:
fino al 7 marzo 2020 venerdì e sabato ore 16-20; altri giorni su prenotazione.

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 18-22:30, sabato 25 gennaio ore 10-24, domenica 26 gennaio ore 10-20

Ingresso gratuito

www.fulvio-chimento.it

www.alchemilla43.it

In nome di Pasolini
mostra a cura dell’Associazione per le Arti Francesco Francia promossa dal Liceo Ginnasio Luigi Galvani

Negli spazi della biblioteca dedicata ad uno dei massimi artisti e intellettuali del XX secolo, Pier Paolo Pasolini, poeta, scrittore, regista, sceneggiatore, drammaturgo, giornalista, la quale ha trovato luogo nell’ex Oratorio dei Gesuiti, appendice laterale della chiesa di Santa Lucia in Via Castiglione, vengono collocate opere d’arte contemporanea appartenenti alla collezione permanente della Associazione per le Arti Francesco Francia, complemento degli spazi che peraltro sono anche sede del Centro di Didattica delle Lingue, a ulteriore testimonianza del linguaggio universale costituito dall’arte nelle sue diverse espressioni.
La struttura, recentemente inaugurata dopo l’attento restauro dovuto alla Città metropolitana, porta quindi il nome dello storico Liceo abbinato a quello di uno dei propri allievi, Pier Paolo Pasolini, che a Bologna compì la propria formazione culturale e che del Liceo fu brillante studente.

Orari di apertura: fino al 25 marzo 2020 martedì e venerdì ore 14-16:30

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 14–18, sabato 25 gennaio ore 14-24, domenica 26 gennaio ore 10-13

Ingresso gratuito

Fabio Giampietro. Exodus
installazione site specific a cura di Margherita Fontanesi in collaborazione con Galleria De’ Bonis, Reggio Emilia

L’autore Fabio Giampietro realizza per il Museo Ebraico di Bologna un’opera site-specific fra pittura, suono e realtà virtuale. Si tratta di un’installazione che ha come protagonista un dipinto, collocato all’interno della sala del Memoriale del Museo, che racconta delle navi in partenza verso l’attuale Israele sullo sfondo di un’Europa distrutta dalla II Guerra Mondiale.
Il dipinto parla dell’ennesimo viaggio del popolo ebraico in fuga dai suoi persecutori, questa volta in direzione della Terra promessa.
Lo spettatore può guardare l’opera a occhio nudo, ma, indossando un visore per la realtà virtuale, gli è possibile entrare anche direttamente nel dipinto vivendolo dall’interno in modo esperenziale e immersivo. Un sistema audio permette di sentire voci e rumori di persone in fuga e di calarsi così ancora di più nella storia.
Il progetto è ispirato alla vicenda della nave Exodus che nel 1947, grazie anche all’organizzazione ebraica Haganah, portò illegalmente gli ebrei sopravvissuti alla Shoah verso l’allora Palestina Britannica che sarebbe diventata lo Stato di Israele.

Orari di apertura:

fino all’8 marzo da domenica-giovedì 10-18, venerdì 10-16, sabato e festività ebraiche chiuso

biglietto d'ingresso ordinario intero € 7, ridotto € 5

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10-16, sabato 25 gennaio ore 18-24, domenica 26 gennaio ore 10-18

Ingresso nei giorni di ART CITY Bologna:

ingresso gratuito

Luca Freschi. Cariatidi
mostra personale a cura di Niccolò Bonechi in collaborazione con Bonioni Arte, Reggio Emilia

Le Cariatidi di Luca Freschi si inseriscono all’interno del percorso museale quasi confondendosi con l’esposizione permanente, ricchissima di oggetti, riferimenti storici, riproduzioni, video documentari.
Questa nuova serie di opere dell’artista romagnolo si appropria dello spazio in cui è inserita, catalizzando l’attenzione dello spettatore che non può far altro che portare lo sguardo verso l’alto, fino al culmine di essa. Si tratta di un’ascensione metaforica che spinge a una riflessione sulla caducità della vita, quest’ultima fatta di oggetti e simboli che ci portiamo dietro fino alla fine: il vaso come contenitore di esperienze, la colonna antica come fondamenta delle diverse culture, busti di statue come rappresentazione della bellezza e della perfezione, la civetta e il teschio come presagio di morte.
Come in tutta la produzione di Freschi, anche qui si ritrova quella commistione senza confine tra ready made e scultura. Le Cariatidi non sono altro che un organico ed equilibrato gioco di incastri, reminiscenze personali e culturali che si sovrappongono, lasciando allo spettatore una libera interpretazione, o per meglio dire la possibilità di ritrovarci dentro le proprie esperienze, paure, emozioni.
Caposaldo della ricerca di Luca Freschi è il concetto di memoria, che si materializza nelle opere attraverso l’accumulo di oggetti che fanno parte della memoria storica collettiva e, scendendo nel particolare, nel vissuto di ognuno di noi. Ecco che l’installazione Cariatidi, presentata a ridosso del Giorno della Memoria (lunedì 27 gennaio 2020), si identifica come simulacro, come contenitore emotivo, in cui si rifugiano i ricordi di tutti e la speranza che niente di ciò che è accaduto si ripeta in futuro.

Orari di apertura:

fino all’8 marzo da domenica-giovedì 10-18, venerdì 10-16, sabato e festività ebraiche chiuso

biglietto d'ingresso ordinario intero € 7, ridotto € 5

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 10-16, sabato 25 gennaio ore 18-24, domenica 26 gennaio ore 10-18

Ingresso nei giorni di ART CITY Bologna:

ingresso gratuito

L’ARIETE artecontemporanea presenta un progetto in forma di installazione di sculture e opere su carta e tela dal titolo ‘Luca Lanzi. Layer’ ideato dall’artista per la sede della Galleria e accompagnato da una testimonianza dello scrittore Ian McEwan.

Luca Lanzi ha al suo attivo numerose personali in Italia e in Germania. Nel 2016 negli spazi delle Collezioni Comunali d’Arte ha tenuto la personale ‘Eikon’, promossa da Istituzione Bologna Musei nell’ambito di Art City, a cura di Sabrina Samorì.

Orari di apertura:

fino al 26 febbraio 2020 lunedì-sabato ore 17-19.30 o su appuntamento

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 ore 16-20, sabato 25 ore 16-24

Ingresso libero

Mostra personale a cura di Claudio Musso.

Sulle tracce dell’archeomitologia, fino ai giorni nostri, segni ancestrali si muovono, si spostano, si sottraggono. Scivolano dalla decorazione, dove ci si aspetterebbe di vederli, al linguaggio. Rivendicando uno spazio inconscio, storico e visivo.

Orari di apertura:

fino al 28 marzo 2020 martedì e mercoledì 14:20-19:30, giovedì e venerdì 12-19:30, sabato 11-19

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 gennaio ore 10-20, sabato 25 ore 10-24

Ingresso libero

Mostra a cura di Fabio Farnè e Gabriele Tosi.

MONO è un progetto di studio dal vero dell’arte contemporanea che agisce con l'esposizione di una sola opera alla volta, privandola degli apparati che solitamente l'accompagnano. Le opere sono individuate attraverso visite agli artisti e ai loro studi e collocate nello spazio senza ulteriori contestualizzazioni.

Un esperto di arte contemporanea è poi invitato a performare la lettura dell’opera esposta senza avvalersi della conoscenza dell'artista o delle sue intenzioni. Il monologo avviene in una situazione informale, nel dehors del bar che affianca lo spazio espositivo.

Orari di apertura:

fino al 29 febbraio 2020 giovedì 14-18

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24, sabato 25 e domenica 26 gennaio visibile dall’esterno 24 ore su 24

Ingresso libero

Migrazione del reale getta le sue basi nel profondo interesse che Vaccari ha avuto, fin dal 1975, per i sogni cui ha dedicato, oltre che ben cinque esposizioni in tempo reale, una vasta produzione di opere strettamente legate ai sogni fatti da Vaccari stesso nell’arco di quasi quarant’anni.
Già con la partecipazione alla Biennale del 1972 aveva rinunciato alle tradizionali prerogative dell'artista riservandosi il ruolo di innescatore di processi, installando una cabina Photomatic e una scritta sul muro che invitava i visitatori a lasciare una traccia del proprio passaggio. L’azione aveva poi uno sviluppo logico prevedibile nelle sue linee principali. Ma quando poi nelle esposizioni in tempo reale fa la sua comparsa il sogno, «il ruolo di "controllore a distanza" si dissolve a sua volta in quanto il sogno funziona da attivatore di realtà – come spiega lo stesso artista - cioè da pretesto per dirottare verso esiti imprevisti, verso il reale inaspettato, una situazione apparentemente definita».

A partire dai primi anni ’80, Vaccari inizia una singolare pratica artistica annotando minuziosamente e illustrando su quaderni i propri sogni, realizzando nei decenni un poderoso corpo di opere caratterizzato dalla dissoluzione, dall’eclisse del soggetto.
«Ci tengo a chiarire che, del sogno, non mi interessa la dimensione surreale – scrive Vaccari in un testo del 1985 - o straniante, aspetti dello straordinario e dell'eccezionale, e neppure quella psicanalitica. E’ la dimensione “reale” del sogno ad attirarmi. Il mondo reale si è svuotato di realtà mentre questa,  contemporaneamente, è migrata verso il territorio del sogno».

Ma un’altra immagine complica il rapporto tra sogno e realtà. Migrazione del reale mette in scena un’installazione video in cui l’asteroide interstellare Oumuamua incombe in uno spazio siderale forse più vicino di quel che pensiamo. La realtà si mostra in tutta la sua dimensione onirica e sogni e incubi sembrano acquistare un peso più che reale. Oumuamua, Messaggero che arriva per primo da lontano come potrebbe venirne tradotto il nome, primo oggetto interstellare a incrociare letteralmente i piani orbitali dei pianeti del sistema solare per poi proiettarsi di nuovo nello spazio profondo, esiste reale come un sogno premonitore.

Orari di apertura:

fino al 21 marzo 2020 martedì-sabato 10:30-13:30 e 15-19:30

Orari di apertura ART CITY Bologna:

venerdì 24 gennaio ore 9-20, sabato 25 gennaio ore 9-24, domenica 26 gennaio ore 10-20

Ingresso libero

“Un’altra storia” - mostra di Luca Capuano e Camilla Casadei Maldini – propone una serie di opere tese a riflettere sul concetto di “dimenticanza e rimosso”, riferendosi nello specifico al periodo coloniale italiano nell'Africa Orientale e nel Mediterraneo ma in generale a tutte le tracce, i ritrovamenti, i processi reali che sono stati e sono tuttora “oggetto di rimozione” da parte delle istituzioni e della società civile.

Il lavoro, parte del più ampio e complesso progetto “Rimosso d’Oltremare”, combina immagini di documentazione realizzate nelle ex-colonie – tra cui Etiopia, Eritrea e Albania – a prelevamenti d’archivio, immagini off camera, object trouvé, piccole collezioni e video.

La rimozione non solo produce la desolazione dell’amnesia, ma falsifica le possibilità di analisi del reale, agisce sulla memoria e quindi sull'identità, sulle rappresentazioni e sulle narrazioni collettive, rendendole isteriche, tendenziose e dissociate. Si manifesta così un rappresentazione distorta della storia e del presente, che genera copioni contraffatti e sotterranei, testi e recite bugiarde.

In questo terreno si manifesta l'aspetto pragmatico e crudele della rimozione, la lama del coltello: l'amnesia lascia nello spazio intorno a noi dei “residui”- che siano politici, ideologici, culturali – delle rovine, degli spettri che tornano in vita nel contemporaneo con una forza ancora più aggressiva e destabilizzante. È proprio in questi spazi residuali, in questa zona d'ombra che “Un’altra storia” trova il suo materiale di elaborazione e intervento. È proprio questa domanda “aperta”, questa possibilità di interrogare, di chiedere agli oggetti così come ad un archivio, a un sistema museale come ad una collezione, che ci permette - certo chiedendo aiuto a quella condizione di costitutiva ambiguità e irragionevolezza delle immagini che ci consente infinite possibilità di ri-semantizzazione e combinazioni di senso - di non chiuderci in sistemi di pensiero dogmatici, di evitare i paradigmi, di moltiplicare gli strumenti di lettura, i sistemi di rappresentazione e le narrazioni del reale.

Mostra fotografica a cura di Viviana Gravano

Fino al 6 marzo 2020 martedì-venerdì ore 15-19, sabato su appuntamento

Orari di apertura Art City Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 ore 10-20, sabato 25 ore 10-24 | ingresso gratuito

Ingresso gratuito

Prima mostra personale di Michele Zaza a Bologna.

Una video-installazione site specific, Segreto cosmico 2018, e due installazioni storiche - Universo estraneo 1976, composta da ventisette foto, e Cielo abitato 1985, sette foto in dialogo con ventuno sculture in legno - restituiscono un importante atto visivo (intermediale) sul tema dello spazio cosmico e della ricerca dell’alterità per Michele Zaza. Dall’ipotesi di un “universo” alternativo al quotidiano, mediante l’astrazione delle molliche di pane sulla parete, a formare un campo di corpi ed elementi celesti, e attraverso il motivo delle bolle di sapone soffiate dal padre e da figlio (in Universo estraneo), si passa alle immagini dei volti dell’artista e di sua moglie (in Cielo abitato) che si identificano con il cielo, diventando essi stessi dei corpi celesti - il bianco e il blu sintetizzano il cielo, mentre le pose rispondono al motivo della rotazione e moto dei pianeti, al movimento del cosmo – fino a una ipotesi più recente con Segreto cosmico dove il cosmo inventato, immaginato attraverso l’elaborazione e trasfigurazione degli elementi della vita, si configura non la profondità del video-ritratto su una sagoma a cuspide dipinta direttamente sulla parete, accompagnata da segni astratti tracciati con molliche di pane, non più fotografate ma presentate nella loro plasticità oggettiva.Le atmosfere chiaroscurali, dal 1976 al 2018, nel passaggio tra un’opera e l’atra, si accentuano, e la composizione degli elementi (foto, scultura, video, intervento su parete) acquista la valenza di un tempo in divenire. Un continuo movimento irrisolto, come appunto la vita cosmica: un rituale dell’essere e del divenire.

La mostra, concepita da Michele Zaza per la Galleria De Foscherari, crea un dialogo tra momenti diversi, da cui emergono alcune questioni centrali del percorso dell’artista, il suo pensiero e la sua poetica.

Il titolo della recente video-installazione allestita nel primo spazio della galleria dà il titolo alla mostra, esempio di simbiosi e osmosi tra arte e vita, astrazione ed esperienza, materia e spirito, spazio di un nuovo e diverso universo, mentale e immaginifico. Il legame tra maschile e femminile dei due volti in una dimensione totale, le forme scultoree in legno, il movimento delle mani nel video, il motivo del blu oltremare, disegnano un paesaggio cosmico, etereo e sognante.

Fino al 14 marzo 2020 lunedì-sabato ore 10-12:30 e 16-19

Orari di apertura Art City Bologna:

venerdì 24 e domenica 26 gennaio ore 10-12:30 e 16-19, sabato 25 gennaio ore 10.00-12.30 e 16-24

Ingresso gratuito

La Fondazione MAST presenta il nuovo progetto espositivo curato da Urs Stahel e dedicato alle uniformi da lavoro, che attraverso oltre 600 scatti di grandi fotografi internazionali mostra le molteplici tipologie di abbigliamento indossate dai lavoratori in contesti storici, sociali e professionali diversi.
Nate per distinguere chi le indossa, le uniformi da un lato mostrano l’appartenenza a una categoria, a un ordinamento o a un corpo, senza distinzioni di classe e di censo, dall’altro possono evidenziare una separazione dalla collettività. Le parole italiane uniforme e divisa evocano, allo stesso tempo, inclusione ed esclusione.

Il progetto comprende una grande mostra collettiva sulle divise da lavoro nelle immagini di 44 fotografi internazionali e un’esposizione monografica di Walead Beshty che raccoglie centinaia di ritratti di addetti ai lavori del mondo dell’arte incontrati dall’artista nel corso della sua carriera, per i quali l’abbigliamento professionale, estremamente differenziato e individualistico, rispetta una sorta di tacito codice dell’anti-uniforme.

» Scarica il booklet della mostra

Promossa da Fondazione MAST

Ingresso: gratuito

Orari di apertura:

dal martedì alla domenica h 10-19

Mostra personale a cura di Carlotta Viti.

Architetture Anatomiche è un progetto, una rassegna, un taccuino aperto che indaga l’anatomia umana e lo spazio attraverso il segno ed il peso del segno stesso nel vuoto. Il corpo, viene sezionato su carta e con mezzi digitali, trasmutando il significato di corpo stesso.

Valentina Lasagni si laurea all'Accademia Di Belle Arti di Bologna e successivamente espone alla galleria Skin Gallery di Brescia, presso il museo della Scienza e della Tecnica di Milano, Art Rotterdam e in altre location. Esplora materiali come plexiglass, vetro, legno e carta, ma tutta la sua ricerca si basa sui concetti di "segno" e "vuoto".

Orari di apertura:

fino al 13 marzo 2020 lunedì-venerdì ore 10-19, su appuntamento chiamando il 349-0715543

Orari di apertura ART CITY Bologna:

sabato 25 gennaio ore 17-22

Ingresso gratuito

Mostra personale a cura di Chiara Bertola in collaborazione con Galleria Alfonso Artiaco, Napoli

Prima mostra personale a Bologna dell’artista belga Ann Veronica Janssens. Il progetto, a cura di Chiara Bertola, si compone di due installazioni, Orange sea blue (2005) e Reggae Colour (2004), proiezioni dicroiche idealmente in connessione con Hot Pink Turquoise (2006), opera che l’artista presenta all’interno della mostra personale in corso presso il Louisiana Museum of Modern Art, Danimarca.

La scomposizione della luce incidente in un colore principale lungo l’asse ottico, e in un colore secondario in direzione ortogonale, porta l’immaterialità del fascio luminoso a essere percepito come materia concreta, e induce lo spettatore a perdere i punti di riferimento tradizionali. Lo scopo non è creare un’illusione ottica, bensì cercare nuove definizioni geometriche, tentare di dare valenza scultorea allo spazio mettendo in costante relazione l’aspetto statico dell’architettura, e la natura mutevole di colore e luce. Sono questi gli elementi che riformulano l’ambiente circostante e rivelano la precarietà della percezione umana e della materia. Janssens, infatti, attraverso i materiali
semplici che predilige, fonda il proprio lavoro sulla percezione sensoriale, in un gioco dove lo spettatore, in maniera più o meno consapevole, partecipa direttamente all’esperienza.

In occasione di ART CITY Bologna 2020, un’installazione di specchi dell’artista sarà allestita all’interno della di Cappella di Santa Maria dei Carcerati in Palazzo Re Enzo dal 20 gennaio al 20 marzo.

Orari di apertura:

fino al 18 marzo 2020 martedì-sabato ore 15:30-19:30, lunedì e festivi su appuntamento

Orari di apertura ART CITY Bologna:

sabato 25 gennaio ore 19:30-23, domenica 26 gennaio ore 10-20

Ingresso libero

La mostra Burattini a Bologna  Le maschere raccontano a cura di Riccardo Pazzaglia e Alighiera Peretti Poggi, è pensata per mettere in luce la storia dei burattini bolognesi, patrimonio culturale della città, attraverso l'esposizione di fotografie, copioni manoscritti e appunti conservati in Archiginnasio e tratti principalmente dai fondi speciali di Angelo Cuccoli e di Augusto Galli, burattinai che delinearono i canoni della nostra tradizione tra Otto e Novecento.

Tali documenti hanno costituito la base per la ricerca sul teatro di figura curata dal burattinaio Riccardo Pazzaglia da cui è nato il volume "Burattini a Bologna la storia delle teste di legno" (edizione Minerva), mirabilmente illustrato da Wolfango di cui verranno mostrati schizzi e tavole inerenti al mondo burattinesco e alla Commedia dell'Arte. Protagonisti principali di tutto il percorso espositivo saranno: Balanzone, Fagiolino e Sganapino, i personaggi cardine del casotto petroniano di cui si potranno apprezzare varie versioni di importanti intagliatori.

Orari:
Lunedì - venerdì ore 10-18, sabato ore 10-19, domenica e festivi ore 10-14.
Inaugurazione venerdì 24 Gennaio 2020 ore 17 Quadriloggiato Superiore

Ingresso libero

Una preziosa mostra alla Biblioteca d’Arte e di Storia di San Giorgio in Poggiale con le illustrazioni zoologiche stampate a Bologna alla fine del Settecento, negli anni di più diffusa affermazione del pensiero illuminista. “Zoo di Carta. La diffusione delle immagini zoologiche dell’Histoire naturelle di Buffon nell’Italia del Settecento”, a cura di Pierangelo Bellettini, intende ricostruire la straordinaria fortuna che ebbero in Italia le incisioni di animali quadrupedi dell’editio princeps dell’opera di Georges-Louis Leclerc conte di Buffon realizzata a Parigi fra il 1749 e il 1767.

Se l’Encyclopédie di Diderot e D’Alembert è l’opera di sintesi scientifica per antonomasia dell’Illuminismo europeo, una grande fortuna editoriale – forse oggi sconosciuta ai più – ebbe anche l’Histoire naturelle di Georges-Louis Leclerc conte di Buffon. Pubblicata dall’Imprimerie Royale, che aveva sede nel palazzo del Louvre a Parigi, ebbe nel giro di pochi anni molte edizioni, emissioni, contraffazioni e traduzioni in tutta Europa, arrivando fino a Bologna con la Serie d’animali quadrupedi, che apparve a puntate, con cadenza settimanale, fra il 1783 e il 1787, a testimonianza della fortuna che ebbe questo tipo di pubblicazione negli anni di più diffusa affermazione del pensiero illuminista.

Le stampe esposte sono una selezione delle 132 illustrazioni zoologiche (sulle 200 della Collezione completa) recentemente acquisite dalla Biblioteca di San Giorgio in Poggiale, tutte stampate a Bologna negli anni Ottanta del XVIII secolo ad opera dei calcografi Antonio Cattani e Antonio Nerozzi. Un’impresa editoriale che è uno degli episodi più significativi nella storia della tipografia bolognese della seconda metà del Settecento. Quasi una collezione di figurine ante litteram: gatti d’Angora, iene, barboncini, formichieri, raffigurati ora su sfondi naturalistici ora in ambientazioni domestiche. Le illustrazioni bolognesi si distinguono per il ricco apparato descrittivo delle singole figure: si tratta di animali noti – il cavallo, l’asino, il bue – ma più spesso inconsueti, quelli che venivano esibiti a pagamento nelle fiere, come elefanti, rinoceronti, ippopotami, cammelli, o anche animali di recentissima scoperta nei lontani territori del Siam, della Guinea, del Canada, del Brasile. L’esposizione consente inoltre di evidenziare l’importante ruolo che Bologna ebbe come centro di diffusione del nuovo pensiero illuminista nonché di produzione del libro scientifico illustrato, subito dopo le grandi capitali culturali ed editoriali del Settecento italiano: Milano, Napoli, Roma e Venezia.

La mostra è arricchita da un ciclo di conferenze alle ore 17:30, ad ingresso gratuito:

Giovedì 6 febbraio 2020
Pierangelo Bellettini – “La diffusione delle immagini zoologiche dell’Histoire naturelle di Buffon nell’Italia del Settecento”

Giovedì 13 febbraio 2020
Silvia Girometti –  “Scimmie nell’arte”

Giovedì 20 febbraio 2020
Andrea Cristiani – “Illuminismo e giornalismo ‘enciclopedico’ negli anni finali dell’Ancien Régime”.

Giovedì 27 febbraio 2020
Giuseppe Olmi  – “Un precedente illustre: Ulisse Aldrovandi  e la sua grande impresa naturalistica”

Giovedì 5 marzo 2020
Angela Ghirardi e Angelo Mazza  – “Il bestiario di Bartolomeo e Tiburzio Passerotti tra natura, allegoria e simbolo”.

Inaugurazione martedì 28 gennaio alle ore 17.30

Orario di apertura:
lunedì, mercoledì, venerdì, ore 9.00-13.00;  martedì e giovedì, ore 9.00-17.00

Ingresso gratuito

Il percorso espositivo prende inizio dalle vicende del Risorgimento e dalla partecipazione alle patrie battaglie, al seguito di Giuseppe Garibaldi, di volontari di origine ebraica; illustra poi il periodo liberale e si sofferma sugli anni della Prima Guerra Mondiale fino ad arrivare al Ventennio fascista, alle leggi razziali, alla lotta di liberazione e alla rinascita democratica e antirazzista dell’Italia e dell’associazionismo garibaldino.

Il percorso espositivo si articola in 17 pannelli di carattere generale e 9 biografici, al fine di fornire un quadro chiaro del contesto storico-sociale nel quale si mossero i rappresentanti della comunità ebraica.

La mostra, a cura di Eva Cecchinato, Federico Goddi, Andrea Spicciarelli e Matteo Stefanori, è stata realizzata dall’Associazione Nazionale Veterani e Reduci Garibaldini “Giuseppe Garibaldi” (ANVRG) grazie al contributo annuale del Ministero della Difesa, con il patrocinio del Museo civico del Risorgimento di Bologna e del Museo Ebraico di Bologna.

La mostra è corredata inoltre di cimeli e documenti originali conservati nel museo e normalmente non visibili al pubblico o provenienti da collezioni private.

Visite guidate:

domenica 23 febbraio h 11; domenica 29 marzo h 11

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Dal 23 febbraio all'8 marzo, in occasione di Libri di Versi 11. Casa Carducci apre le porte a poeti e artisti, l’ingresso alla mostra e al museo è gratuito

Per gli abbonati alla Card Cultura ingresso gratuito

La quindicesima grande esposizione ospitata dai Musei San Domenico di Forlì, ideata e promossa dalla Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì, in collaborazione con l’Amministrazione Comunale, è dedicata all’indagine sulla relazione tra arte e mito, attraverso la figura emblematica di Ulisse.

Mito che si è fatto storia e si è trasmutato in archetipo, idea, immagine. E che oggi, come nei millenni trascorsi, trova declinazioni, visuali, tagli di volta in volta diversi. Specchio delle ansie degli uomini e delle donne di ogni tempo.

La vasta ombra di Ulisse si è distesa sulla cultura d’Occidente. Dal Dante del XXVI Canto dell’Inferno allo Stanley Kubrick di 2001 - Odissea nello spazio, dal capitano Acab di Moby Dick alla Città degli Immortali di Borges, dal Tasso della Gerusalemme liberata alla Ulissiade di Leopold Bloom l’eroe del libro di Joyce che consuma il suo viaggio in un giorno, al Kafavis di Ritorno ad Itaca là dove spiega che il senso del viaggio non è l’approdo ma è il viaggio stesso, con i suoi incontri e le sue avventure.

Il contributo dell’arte è stato decisivo nel trasformare il mito, nell’adattarlo, illustrarlo, interpretarlo continuamente in relazione al proprio tempo.

Un grande viaggio dell’arte, non solo nell’arte. Una grande storia che gli artisti hanno raccontato in meravigliose opere. La mostra racconta un itinerario senza precedenti, attraverso capolavori di ogni tempo: dall’antichità al Novecento, dal Medioevo al Rinascimento, dal naturalismo al neo-classicismo, dal Romanticismo al Simbolismo, fino alla Film Art contemporanea. 

Orari

Apertura: dal martedì alla domenica dalle ore 9.30 alle 19.00. La biglietteria chiude un’ora prima
Chiusura: tutti i lunedì
Aperture straordinarie: 13 aprile e 1 giugno

Biglietti

Intero € 13,00
ridotto Card Cultura € 11,00

Uno sguardo sulle donne, a ogni latitudine e nel corso di un secolo di storia: fino al 17 maggio nel complesso di Santa Maria della Vita, gli scatti dei (e delle) più grandi reporter del National Geographic raccontano la condizione femminile nel mondo, la fierezza e la forza, le disuguaglianze e il riscatto, le conquiste ottenute e quelle ancora lontane a venire.

Il percorso espositivo della mostra WOMEN. Un mondo in cambiamento, organizzata da National Geographic in collaborazione con Genus Bononiae. Musei nella città e Fondazione Carisbo, è articolato in 6 sezioni – Beauty/Bellezza, Joy/Gioia, Love/Amore, Wisdom/Saggezza, Strength/Forza, Hope/Speranza – e raccoglie una selezione di immagini tratte dallo straordinario archivio del National Geographic, disegnando un viaggio attraverso un secolo di storia delle donne in tutti i continenti, con diverse prospettive e focalizzando l’attenzione sui problemi e le sfide di ieri, oggi e domani nei vari paesi ed epoche. Ogni immagine crea un ritratto di alcuni aspetti dell’esistenza femminile e mostra ai visitatori come la rappresentazione delle donne si è evoluta nel tempo. Così le immagini festose delle ballerine di samba che si riversano nelle strade durante il carnevale di Salvador da Bahia si alternano a quelle delle raccoglitrici di foglie di the in Sri Lanka. E ancora il ritratto di donna afghana in burqa integrale rosso che trasporta sulla testa una gabbia di cardellini, potente metafora di oppressione, si contrappone all’immagine di libertà e bellezza di una ragazza in pausa sigaretta a Lagos, in Nigeria.

A 100 anni dalla concessione del diritto di voto alle donne negli Stati Uniti, la mostra riflette sul passato, presente e futuro delle donne illustrandone alcuni aspetti e incentrandosi sugli obiettivi di sviluppo che le vedono al centro di ogni processo di crescita sociale, politica, economica.

Completa la mostra la sezione Portraits/Ritratti, scatti intimi e biografici di un gruppo iconico di attiviste, politiche, scienziate e celebrità intervistate da National Geographic per il numero speciale della rivista di novembre 2019 pubblicato ai tempi della prima donna alla direzione del National, Susan Goldberg: tra esse Nancy Pelosi, Oprah Winfrey, il Primo Ministro neozelandese Jacinda Ardern e la Senatrice a vita Liliana Segre.

dal martedì alla domenica 10.00 - 19.00

info biglietti

Con Card Cultura ingresso ridotto a 8 €, invece di 10 €

Il 20 gennaio del 1920 nasceva a Rimini Federico Fellini, il Maestro del cinema mondiale.

Se l’Italia è diventata, per tutto il mondo, il paese della "dolce vita" lo si deve al suo sguardo unico e inconfondibile. Pochissimi artisti sono riusciti a rappresentare l’intera storia del nostro Paese come ha fatto Fellini. Un artista che attraverso il cinema è riuscito a inventare un mondo intero, creando un immaginario capace non solo di raccontare la propria generazione ma anche di entrare in contatto con quelle successive. Fellini ci ha mostrato come, viaggiando a ritroso nel tempo, si possono trovare magici suggerimenti per comprendere il presente. "Tutto si immagina" non è solo una celebre espressione del regista riminese, genio immortale, ma la chiave di volta per fotografarne l’eredità artistica e creativa attuale e senza tempo.

Questa grande mostra inaugura le iniziative dedicate al Maestro nel centenario della nascita.
Allestita a Castel Sismondo, parte della sede futura del Museo Fellini, l’esposizione ruota attorno a tre nuclei di contenuti, nella cornice di un allestimento scenografico innovativo:

• il primo racconta la Storia d’Italia a partire dagli anni Venti-Trenta per passare poi al dopoguerra e finire agli anni Ottanta attraverso l’immaginario dei film di Fellini.
• Il secondo nucleo è dedicato al racconto dei compagni di viaggio del regista, reali, immaginari, collaboratori e no.
• Infine il terzo nucleo sarà dedicato alla presentazione del progetto permanente del Museo Internazionale Federico Fellini.

La Mostra presenta tanto materiale inedito che ci restituirà l’immaginario felliniano. Tra le varie sezioni che la compongono, una presenta il materiale del Fondo Nino Rota, il celebre compositore che ha collaborato con Fellini su molti film. In particolare è esposta, per la prima volta, una serie di taccuini originali sui quali Rota appuntava le indicazioni del Maestro sulla musica che avrebbe dovuto accompagnare ed esaltare le sue scelte registiche.

​Con Card Cultura ingresso ridotto a 8 €, invece di 10 €

A cura dell'Associazione Porto dei Benandanti di Portogruaro e di concerto con le MagnificheEditrici, l'undicesima edizione dell'esposizione LIBRI DI VERSI approda a Casa Carducci.

La mostra è allestita proprio nelle stanze del poeta, dove verranno collocati i libri-oggetto e i libri d'artista creati da 21 coppie di artisti visivi e poeti. La parola prende forma nella materia e la materia parla attraverso i versi.

LIBRI DI VERSI rappresenta una proposta unica nel panorama delle iniziative dedicate a questo peculiare genere ed è arrivata all'undicesima edizione. Le opere sono pezzi unici o al massimo replicate in pochissime copie. Il libro non è inteso quindi come semplice supporto della poesia ma come opera/oggetto che nasce da una relazione di confronto e di dialogo con il verso poetico in un continuo scambio di senso.
INAUGURAZIONE sabato 22 febbraio alle ore 18

ORARI DI VISITA