Bologna Agenda Cultura

Esiste una sensazione geometrica dello spazio? È possibile percepire lo spazio collettivo come la somma degli spazi individuali? L’arte è una pratica di conoscenza empirica dell’esistente: la sperimentazione dei molteplici e possibili modi di relazione con il reale. Tra questi, la scelta di Monica Mazzone di utilizzare una prassi logica e un linguaggio geometrico come strumenti di un’indagine dove le regole e le forme si propongono come l’alfabeto di una riflessione aperta sul mondo.
Con "Non appena fuori di me" Monica Mazzone presenta un nuovo ciclo di lavori che sviluppano il percorso intrapreso nell’ultimo anno con la serie degli autoritratti, concentrandosi sul concetto di territorio inteso come esperienza del quotidiano. Un racconto fisico e oggettivo dell’ambiente ma allo stesso tempo intimo in cui la natura delle cose viene filtrata attraverso il corpo che diventa quasi un parametro di misurazione empirica. Il territorio inizia dalla fisicità corporea: l’artista delinea così il rapporto tra il suo spazio personale, interiore – quello concreto e parallelamente virtuale dell’ingombro e dei movimenti del suo corpo nel tempo – e il luogo oggettivo con cui entra in relazione.
Le opere si concentrano sulla possibilità di razionalizzare e di tradurre logicamente l’analisi dello spazio da diversi punti di vista tra cui l’architettura, l’estetica investigativa e l’astrazione spaziale. Evitando di imitare l’idea pregressa di spazio che è insita nella comune concezione, l’artista lo interpreta ricordandolo “a memoria”, approfondendo il significato delle entità che sono comunemente chiamate dimensioni in riferimento allo specifico luogo che quotidianamente invade e da cui è invasa - in questo caso il museo, che con le sue vetrate si proietta direttamente verso la città.
 

Utilizzando l’alluminio e l’intervento pittorico, Monica Mazzone rende visibili queste dinamiche creando strutture percepite come parti di un ordine, per mostrare una reciprocità tra vedere e conoscere, offrendo un modo rigoroso ma ambiguo di implicare il corpo stesso e le sue proporzioni. Una geometria emozionale che offre un paesaggio intimo, sintesi sempre provvisoria e in divenire, tra l’ambiente e il vissuto.
 

La mostra è accompagnata da un testo critico di Rossella Moratto.
 

Monica Mazzone (Milano, 1984) è un’artista visiva, vive e lavora tra Milano e New York. Consegue la laurea in Arti Visive presso l’Accademia di Belle Arti di Brera e in seguito all’Istituto Europeo del Design.  Ha esposto in spazi pubblici e privati, in Italia e all’estero, tra cui: Fondazione la rada Locarno, NARS Foundation e The Border New York, Palazzo Reale, Studio Maraniello, Palazzo Lombardia, Galleria Giuseppe Pero Milano, riss(e) Varese, Merkur Gallery Istanbul, Villa Contemporanea Monza, Fondazione Bandera Busto Arsizio, Satzyor Gallery Budapest, Museo Arte Contemporanea Lissone, Spazio Thetis Venezia, MIDEC Laveno.

Dal 27 settembre al 26 ottobre 2019.

Opening venerdì 27 settembre 2019 ore 18.00. 

Orari: martedì, giovedì, sabato dalle 15 alle 19 o su appuntamento.

Mostra a cura di Marcello Fini e Michele Righini con la collaborazione di Wu Ming.

In occasione del ventennale della pubblicazione del romanzo Q. di Luther Blissett (Torino, Einaudi, 1999), la Biblioteca dell’Archiginnasio esporrà i propri materiali documentari - testi a stampa, manoscritti, stampe, disegni - riferibili alle vicende narrate nel romanzo e ai personaggi storici che vi compaiono.

In particolare si porrà attenzione allo sviluppo della stampa e alla sua importanza per il dibattito dottrinale che si sviluppa nella prima metà del secolo XVI in conseguenza della Riforma protestante.
La mostra - e la sua versione online, più ricca e completa di documenti - non solo mette sotto gli occhi di tutti oggetti e persone che hanno affascinato i lettori del romanzo - il volto di Carafa e quello di Reginald Pole, Münster, nuova Città di Dio, e Anversa, centro del commercio, i libri stampati da Oporinus e Pietro Perna e l’Indice che li condanna, ma col romanzo dialoga, ne amplia i confini, approfondisce aspetti che in quelle pagine erano di necessità appena accennati.

Sono previste VISITE GUIDATE alla mostra, alle ore 17.30 e secondo il seguente calendario:

• 11 giugno
• 27 giugno
• 8 luglio
• 5 agosto
• 9 settembre
• 9 ottobre
• 22 ottobre

La mostra è visitabile dal 4 Giugno al 3 Novembre 2019 lunedì - sabato: 9>19; domenica: 10>14​

Informazioni: Biblioteca dell'Archiginnasio Tel. 051 276811

La mostra sarà anche online con un sito dedicato, in cui saranno presentati, secondo la stessa struttura, i materiali esposti e altri documenti aggiuntivi, alcuni dei quali finora inediti.

Trailer di introduzione alla mostra: QUI

Alla Fondazione MAST di Bologna arriva in anteprima in Europa la mostra “Anthropocene” che indaga l’impatto dell’uomo sul pianeta attraverso le straordinarie immagini di Edward Burtynsky, i filmati di Jennifer Baichwal e Nicholas de Pencier e le esperienze immersive di realtà aumentata.

Il progetto Anthropocene è un’esplorazione multimediale che documenta l’indelebile impronta umana sulla terra: dalle barriere frangiflutti edificate sul 60% delle coste cinesi alle ciclopiche macchine costruite in Germania, dalle psichedeliche miniere di potassio nei monti Urali in Russia alla devastazione della Grande barriera corallina australiana, dalle surreali vasche di evaporazione del litio nel Deserto di Atacama alle cave di marmo di Carrara e ad una delle più grandi discariche del mondo a Dandora, in Kenya.

Anthropocene è frutto della collaborazione quadriennale tra il fotografo di fama mondiale Edward Burtynsky e i pluripremiati registi Jennifer Baichwal e Nicholas de Pencier che, combinando arte, cinema, realtà aumentata e ricerca scientifica, documentano i cambiamenti che l’uomo ha impresso sulla terra e testimoniano gli effetti delle attività umane sui processi naturali. La mostra è a cura di Sophie Hackett, Andrea Kunard, Urs Sthael.

È parte integrante della mostra il film “Anthropocene: l’Epoca Umana”, codiretto dai tre artisti, che verrà distribuito nei cinema italiani dal 19 settembre – Info proiezioni

Orari di apertura
da martedì a domenica 10.00 - 19.00

Ingresso gratuito

La mostra è parte della IV edizione di Foto/Industria (24 ottobre-24 novembre 2019), promossa dalla Fondazione MAST - Info badge Foto/Industria

“Vivaldi. La mia vita, la mia musica” è il titolo della nuova mostra in programma a Palazzo Fava. Palazzo delle Esposizioni dal 24 maggio al 3 novembre prossimi.

Prodotta da Emotional Experiences Srl e da Genus Bononiae. Musei nella città, la mostra-show intende raccontare il grande compositore veneziano ad un vasto pubblico, dagli appassionati di musica classica a quelli che vorranno esplorare la vicenda umana ed artistica dell’autore de “Le Quattro Stagioni” che si “racconta” in prima persona con la voce del grande Giancarlo Giannini, attore e doppiatore delle star hollywoodiane.

Biglietto intero: 15€

Card Musei Metropolitani Bologna: 7,50€

Venerdì 21 giugno, in occasione della Festa della Musica 2019 a tutti ingresso ridotto (11 euro anzichè 15)

La mostra è curata e organizzata dal Museo Ebraico di Bologna, dalla Soprintendenza Archeologia, Belle Arti e Paesaggio della Città metropolitana di Bologna e con la collaborazione della Comunità ebraica di Bologna.

Gli straordinari reperti di uno dei più ampi cimiteri ebraici medievali del mondo, rinvenuto alcuni anni fa a Bologna in via Orfeo, poco lontano dalle mura trecentesche, sono finalmente visibili dopo anni di studi e restauri in una mostra che intende raccontare la storia della comunità ebraica cittadina nei secoli del suo massimo splendore.

“La Casa della Vita” o Bet ha-chayyim è uno degli eufemismi con cui gli ebrei tradizionalmente indicano il cimitero (Bet ha-Qevaroth), poiché come si di legge nel Deuteronomio (30,19) “… ti ho posto davanti la vita e la morte … scegli dunque la vita, onde tu viva, tu e la tua progenie”. E dagli scavi condotti nell’area cimiteriale sono emerse straordinarie tracce di vita vissuta. Gioielli in oro di eccezionale fattura e bellezza, pietre incise, oggetti in bronzo recuperati in oltre quattrocento sepolture, attestano la presenza a Bologna di una fiorente comunità, proficuamente inserita nel contesto culturale e sociale fino all’espulsione, avvenuta per volere del papa nel 1569, e offrono lo spunto per ripercorrere, in maniera globale e sistematica, la storia di una minoranza, i suoi usi, la sua cultura e le sue interazioni con la società cristiana del tempo. Una settantina circa sono i reperti esposti in mostra a dare testimonianza di un luogo di cui era nota l’esistenza ma ormai perduta ogni traccia, a sollevare interrogativi e a ridestare ancora una volta la curiosità verso un’epoca tra le più interessanti ed enigmatiche nella storia culturale italiana. “Dalla condivisione al ghetto. Lo spazio degli Ebrei a Bologna dal XIV al XVI secolo” è il film appositamente prodotto dal Museo Ebraico di Bologna per narrare una storia, quella della Bologna ebraica, ancora inedita e di grande rilievo. In mostra anche documenti provenienti dall’Archivio Generale Arcivescovile e – dal 15 settembre 2019, in occasione della Giornata Europea della Cultura Ebraica – la riproduzione fotografica del Canone di Avicenna, fondamentale summa del sapere medico di allora, di cui la Biblioteca Universitaria di Bologna conserva un superbo manoscritto del XIV secolo ornato da splendide miniature a piena pagina con scene che illustrano le principali pratiche mediche e terapeutiche.

Nel Ventennale del Museo Ebraico di Bologna si torna parlare della presenza ebraica tra Quattro e Cinquecento in uno dei centri più importanti dell’ebraismo italiano. Durante il periodo di mostra, un percorso espositivo diffuso in musei e istituzioni culturali della città – Museo civico Medievale, Biblioteca Universitaria, Museo Internazionale e Biblioteca della Musica, Museo del Patrimonio Industriale, Museo civico del Risorgimento-Certosa di Bologna – darà occasione al pubblico di conoscere luoghi, episodi, persone che hanno fatto la storia ebraica di Bologna. Il quadro che ne emerge è di grande respiro e di ricchezza insospettabile.

Orari di apertura
da domenica a giovedì 10.00-17.30 | venerdì 10.00-15.30
sabato e festività ebraiche chiuso

Biglietto
intero 7 €
ridotto 5 € (la riduzione si applica anche agli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna)

Dal 5 luglio 2019 al 26 aprile 2020 la Fondazione di Vignola ospita “Ora più rada ora più densa. Architetture dell’immaginario”, una rassegna di arte contemporanea a cura di Lucia Biolchini.
Tra le mura della storica Rocca di Vignola si alterneranno gli artisti Marina Fulgeri, Sabrina Muzi, Alessandro Moreschini, Linda Rigotti e Giorgia Valmorri.

Sarà un laboratorio di cultura che richiama nel titolo le “Città invisibili” di Italo Calvino, immaginando l’architettura come luogo in cui l’arte si traduce in pratica quotidiana. Rocche e Torri antiche vibreranno di lingue inedite dichiarando un’esplicita continuità culturale.

Il primo appuntamento che aprirà la rassegna sarà “Self expression” di Marina Fulgeri, dal 5 luglio all’8 settembre (inaugurazione il 5 luglio alle ore 19.00).
Nelle sue mani luce e colore diventano strutture. Con questo lavoro l’artista pone l’attenzione sul potere attrattivo che le frequenze cromatiche possono generare e su come la loro lettura in chiave psicologica possa fornire indicazioni per la conoscenza di sé e dello spazio di cui siamo fatti (www.marinafulgeri.com)

A seguire, dal 21 settembre al 10 novembre, Sabrina Muzi propone un’estensione e un approfondimento di “Shān”, un corpus di lavori che comprende un’installazione
pittorica, una serie di acquerelli, fotografie e video (www.sabrinamuzi.it).

Dal 14 dicembre al 2 febbraio 2020 sarà poi la volta di Alessandro Moreschini, con "Beata solitudo”, il cui obiettivo è quello di ritrovare una condizione per orientarci nell’“inquinamento immaginifico” prodotto dall’Horror Pleni da cui ci metteva in guardia Gillo Dorfles (www.alessandromoreschini.it).

Mentre a chiudere “Ora più rada ora più densa” saranno Linda Rigotti e Giorgia Valmorri con “Da dentro”, dal 7 marzo al 26 aprile 2020. L’architettura si sgretola e diventa memoria, nomadismo e mutazione, svincolata dalla necessità di fissarsi in una struttura saldamente ancorata al terreno, è contro-architettura (www.lindarigotti.tumblr.com, www.giorgiavalmorriart.tumblr.com).

Ora più rada ora più densa. Architetture dell’immaginario
a cura di Lucia Biolchini

Marina Fulgeri - Self expression
Inaugurazione: 5 luglio alle ore 19.00
Periodo: 5 luglio - 8 settembre
Ingresso gratuito

Rocca di Vignola
Tel. 059.775246
In collaborazione con
Wunderkammer associazione culturale
www.dislocata.it

In occasione del bicentenario della nascita del pittore bolognese Alessandro Guardassoni (1819-1888), l’Istituto per i Beni Artistici, Culturali e Naturali della Regione Emilia-Romagna, l’Istituzione Bologna Musei | Musei Civici d’Arte Antica, la Fondazione Gualandi a favore dei sordi e la Diocesi di Bologna hanno realizzato un itinerario diffuso nella città metropolitana – a cura di Silvia Battistini e Claudia Collina con la collaborazione di Chiara Sanfelici, Patrizia Tamassia, Valentina Volta – per valorizzare l’attività dell’artista: dal naturalismo storico-romantico alla svolta purista sino allo sviluppo di un linguaggio devozionale, che fece di lui il più importante pittore ecclesiastico di Bologna nel XIX secolo.

Dopo una prima formazione in città, egli fece esperienze di studio e di viaggio all’estero e dal 1856 iniziò a partecipare con successo non solo alle mostre accademiche, ma anche a quelle di rilevanza internazionale, proponendo quadri di soggetto storico-romantico, biblico-sacro e ispirati alla letteratura, divenendo in particolare famoso per l’episodio del La conversione dell’Innominato tratto da I promessi sposi di Alessandro Manzoni.

Parallelamente, dal 1859 iniziò a studiare ottica e ad avvalersi della stereoscopia per fissare in un’immagine fotografica l’effetto del vero da rendere in pittura, divenendo un importante sperimentatore nella resa degli effetti di luce e tridimensionalità.

La mostra alle Collezioni Comunali d’Arte propone opere di Guardassoni presentate in esposizioni ufficiali e realizzate per commissioni importanti, che narrano l’evoluzione del suo stile, rendendo possibile un confronto con gli altri pittori attivi in quegli anni a Bologna e riproponendone l’atmosfera culturale attraverso 40 dipinti.

Contemporaneamente alla Fondazione Gualandi vengono esposti 60 disegni preparatori e bozzetti per le pitture realizzate nelle chiese bolognesi. Un video – realizzato dagli studenti del Dipartimento di Architettura dell’Università di Bologna-Corso di laurea in design del prodotto industriale – mostra al visitatore la relazione tra le fasi preparatorie e i lavori finiti, in un percorso virtuale all’interno di alcune chiese in cui Guardassoni lavorò.

Una mappa, distribuita nelle sedi delle mostre, permette di raggiungere con facilità le chiese cittadine e dei dintorni, nelle quali sono organizzate specifiche visite guidate a cura dell’associazione Arte e Fede.

Le sedi:

Collezioni Comunali d’Arte | Piazza Maggiore 6
aperto: martedì-domenica e festivi h 10-18.30
Ingresso mostra: € 6,00 intero / € 3,00 ridotto / € 2,00 per i giovani tra 18 e 25 anni / gratuito per possessori di Card Musei Metropolitani Bologna
Info: tel. 051 2193998 / www.museibologna.it/arteantica / museiarteantica@comune.bologna.it

Fondazione Gualandi | via Nosadella 49
aperto: sabato e domenica h 10-17 (giorni feriali su appuntamento)
Ingresso libero
Info: tel. 051 3399506 / www.fondazionegualandi.it / iniziative@fondazionegualandi.it

Chiese dell’Arcidiocesi di Bologna
Per informazioni e prenotazioni: Arte e Fede – tel. 351 98577704 / www.artefede.com

ACCESSIBILITÀ: ausili e servizi disponibili nelle sedi delle mostre

Opening:

venerdì 13 settembre:
h 17 > Collezioni Comunali d’Arte | Piazza Maggiore 6
h 18.15 > Fondazione Gualandi | via Nosadella 49
h 19.15 > visita alla chiesa di Santa Caterina | via Saragozza 61

Visite guidate:

domenica 15 settembre h 10.30; domenica 6 ottobre h 17; giovedì 17 ottobre h 17; domenica 10 novembre h 10.30; giovedì 21 novembre h 17; domenica 1 dicembre h 16.30; giovedì 19 dicembre h 17; domenica 29 dicembre h 16.30; domenica 5 gennaio h 10.30; domenica 19 gennaio h 16.30

L’esposizione costituisce il primo appuntamento di un più ampio progetto dedicato al tema Lavoro, formazione e cultura tecnica femminile, nato da una partnership tra il Museo del Patrimonio Industriale e l’Unione Donne in Italia (UDI), sede di Bologna, e che vede, per questa mostra, la collaborazione della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna e dell’Organizzazione Internazionale del Lavoro (ILO), Ufficio per l’Italia e San Marino.

Al centro del percorso vi è il tema dell’istruzione professionale e del lavoro femminile nei contesti industriali, con un focus sul territorio bolognese.

Bologna, e l’Emilia-Romagna nel suo complesso, conobbero un’impetuosa espansione industriale negli anni del miracolo economico (1958-1963), della quale anche le donne furono protagoniste. All’importante crescita quantitativa dell’occupazione femminile industriale, non corrispose tuttavia una qualificazione del lavoro delle donne.

L’istruzione professionale divenne così un tema di discussione e azione politica per le associazioni femminili, impegnate a promuovere l’ingresso delle donne in istituti tecnico-industriali come l’Aldini Valeriani per offrire nuove opportunità di lavoro qualificato e una formazione non orientata esclusivamente ai lavori femminili tradizionali.

Le fotografie esposte abbracciano l’arco cronologico compreso tra la seconda metà degli anni Quaranta e la fine degli anni Sessanta del Novecento e provengono dagli Archivi fotografici dell’UDI di Bologna, del Museo del Patrimonio Industriale di Bologna (Fondi Aldini Valeriani e Fototecnica Bolognese) e della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna (Fondo dello Studio fotografico Villani).

Nella parte iniziale spiccano due nuclei principali: le immagini relative ai corsi di cucito e sartoria, in particolare per ragazze disoccupate, e quelle dell’Istituto Tecnico Industriale Femminile, una nuova scuola afferente all’Aldini Valeriani. Nella seconda parte, dedicata al lavoro in fabbrica, si distinguono alcune serie relative ad ambienti e reparti di aziende storiche bolognesi, come Farmac-Zabban, Weber, Ducati Elettronica e Arco.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

A Palazzo Albergati di Bologna una mostra dedicata al grande artista russo, Chagall. Sogno e Magia: opere che raccontano l’originalissima lingua poetica di Marc Chagall (1887-1985) attraverso il filo conduttore della sensibilità poetica e magica. Dal 20 settembre 2019 al 1 marzo 2020.

La cultura ebraica, la cultura russa e quella occidentale, il suo amore per la letteratura, il suo profondo credo religioso, il puro concetto di Amore e quello di tradizione, il sentimento per la sua sempre amatissima moglie Bella, in 160 opere tra dipinti, disegni, acquerelli e incisioni. Un nucleo di opere rare e straordinarie, provenienti da collezioni private e quindi di difficile accesso per il grande pubblico.

La mostra Chagall. Sogno e Magia, prodotta e organizzata dal Gruppo Arthemisia con il patrocinio del Comune di Bologna, è curata da Dolores Duràn Ucar  e racconta il mondo intriso di stupore e meraviglia dell’artista. Nelle opere coesistono ricordi d’infanzia, fiabe, poesia, religione ed esodo, un universo di sogni dai colori vivaci, di sfumature intense che danno vita a paesaggi popolati da personaggi, reali o immaginari, che si affollano nella fantasia dell’artista. Opere che riproducono un immaginario onirico in cui è difficile discernere il confine tra realtà e sogno.

La mostra si divide in cinque sezioni in cui sono riassunti tutti i temi cari a Chagall: la tradizione russa legata alla sua infanzia, dalla quale non si allontanò mai; il senso del sacro e la profonda religiosità che si riflettono nelle creazioni ispirate alla Bibbia; il rapporto con i letterati e i poeti; l’interesse per la natura e gli animali e le riflessioni sul comportamento umano che trovarono espressione nelle acqueforti delle Favole; il mondo del circo, che lo affascinava sin dall’infanzia per la sua atmosfera bohémienne e la sua sete di libertà; e ovviamente l’amore, che domina le sue opere e dà senso all’arte e alla vita.

Durante il percorso di mostra ci si troverà all’interno di una Dream Room: una video installazione - che vede l’ideazione e la regia di Vincenzo Capalbo e Marilena Bertozzi - che permette al visitatore di immergersi in immagini svincolate dal reale che si frammentano come percezioni illogiche ed emozioni dell'inconscio. In Dream Room le opere di Chagall si liberano nello spazio della stanza dando vita a un'opera ambientale onirica, una realtà superiore come fosse una sub-realtà. La realizzazione è di Art Media Studio di Firenze.

Orario apertura
Tutti i giorni dalle 10.00 alle 20.00
(la biglietteria chiude un’ora prima)
 
Aperture straordinarie
1 novembre 2019 ore 10.00 – 20.00
8 dicembre 2019 ore 10.00 – 20.00
24 dicembre 2019 ore 10.00 – 17.00
25 dicembre 2019 ore 16.00 – 20.00
26 dicembre 2019 ore 10.00 – 20.00
31 dicembre 2019 ore 10.00 – 17.00
1 gennaio 2020 ore 10.00 – 20.00
6 gennaio 2020 ore 10.00 – 20.00

Info biglietti e prevendita

Riduzioni riservate agli abbonati Card Musei Metropolitani
​possessori card € 7,00 (audioguida inclusa)
biglietto famiglia € 26 (fino a 2 adulti possessori di card € 7,00 a testa + fino a 2 bambini / ragazzi dai 4 agli 11 anni € 6 a testa + 3° bambino omaggio)

Infoline
T. 051 030141 (attivo dal lunedì al venerdì ore 10 – 17)

Morandi-esque presenta, attraverso la lente delle fondamentali nature morte di Giorgio Morandi, alcune interpretazioni architettoniche che passano dal piano bidimensionale a quello tridimensionale.

Il lavoro si muove dalla prospettiva pittorica a quella architettonica definite dall’architetto statunitense Peter Eisenman come “una semplice membrana, una linea tra figura e piano verso un profilo architettonico che è un contenitore costruito tridimensionalmente.” Il punto di partenza architettonico di Morandi trasforma i suoi soggetti in archetipi geometrici astratti, svelando forme, profili e gruppi di oggetti che si toccano, si nascondono o affiorano. Tale lettura non intende definire Morandi un pittore astratto, ma sottolinea invece usando le le sue stesse parole che “non c’è nulla di più surreale e nulla di più astratto del reale”.

Questa ovvia correlazione tra rappresentazione e oggetto della rappresentazione è inerente alla pratica dell’architettura – tra il disegno e il modello, tra il disegno e la costruzione. Il procedimento è un tentativo di conferire agli oggetti una certa misura di autonomia, assicurandosi però il rispetto della fonte.

Le riproduzioni hanno richiesto quindi rigorosi ricalchi delle silhouette attraverso l’uso di archi. Questi sono stati poi proiettati e costruiti in base ai loro stessi angoli prospettici per evitare distorsioni allo schema morandiano. Il divario ottenuto tra quello che può essere costruito come speculazione dell’immaginazione del pittore rispetto alla realtà fisica è ben espresso dallo storico dell’architettura Robin Evans quando sostiene che il disegno non “domina, ma si interfaccia sempre con quello che rappresenta”. Gli oggetti morandiani rappresentati in molteplici forme e da molteplici punti di vista permettono così al pubblico di vedere - letteralmente - oltre la superficie.

Mostra realizzata da House of ZKA nell’ambito di Bologna Design Week.
Designer e curatore: Zaid Kashef Alghata
Assistente alla mostra: Tucker van Leuwen-Hall
Digital production: Mohammed Adel, Yazeed Al-Amasi, Hissa Al-Hamer, Abdulaziz Al-Jasim, Yasmeen Al-Rumaidh, Hanan Al-Shehri, Batool Ebrahim, Alaa Janahi, Fatima Khamis
Produzione: LA-3D, Los Angeles, CA
Coordinatore Robot Lab: Curime Batliner

Un ringraziamento speciale a: Cynthia Davidson, direttore esecutivo di Anyone Corporation, Saleh Buaneq, Centro di formazione Bara’a, University of California, Bologna

Questo progetto è reso possibile con il generoso supporto di Tamkeen, Bahrain.

Orari di apertura

dal 25 al 28 settembre: h 17-21
29 settembre: h 11-13 e 17-21
dal 4 ottobre al 1 dicembre:
su appuntamento nelle giornate di venerdì e sabato (h 14-16) e domenica (h 11-13)

ONO arte è lieta di presentare la mostra “Pink Floyd: il lato oscuro” che ripercorre la carriera di uno dei gruppi più amati della storia della musica attraverso le immagini di Storm Thorgerson, artista grafico che ha contribuito a creare l’identità visiva della band, Jill Furmanovsky, una delle fotografe britanniche più importanti nel mondo del rock, Colin Prime e Baron Wolman.

I Pink Floyd nascono a Londra nel 1965 proprio all’apice della Beatlesmania. A metà degli anni 60 la psichedelica e, più in generale il cambiamento radicale delle tematiche raccontate nella maggior parte delle canzoni dovuto anche alle nuove sostanze stupefacenti, si stava insinuando velocemente anche nella musica pop britannica.
Tra i fondatori del gruppo figurava un giovane di Cambridge chiamato Syd Barrett. Barrett dipingeva, disegnava, gli piacevano i giochi di parole e il nonsense. La musica era per lui un interesse marginale fino ai 14 anni, quando attorno a lui ci fu un fiorire di gruppi che suonavano un genere chiamato skiffle, una sorta di rock and roll primordiale con varie influenze, che lo spinse a prendere in mano uno strumento musicale. 
La natia Cambridge ebbe un impatto significativo nella vita di Syd, non solo dal punto di vista musicale, ma anche personale: l’LSD infatti si diffuse in città più velocemente che in qualunque altor luogo in Europa. Tra la scuola d’arte e i primi gruppi nei quali suonò, Syd iniziò a comporre, spesso sotto l’effetto di droghe, canzoni con riferimenti alle sue passioni, come appunto il nonsense e l’arte. In quel periodo incontra Roger Waters, aspirante musicista, il quale in seguito introdurrà gli altri futuri membri del gruppo Mason e Wright. 

Nel 1965 nascono ufficialmente i Pink Floyd. La follia creativa,di Barrett a quel punto, è tale che la critica e gli addetti ai lavori iniziano ad interessarsi a quel nuovo fenomeno musicale il cui nome, inventato da Barrett, unisce i nomi di battesimo dei bluesman Pink Anderson e Floyd "Dipper boy" Council. Se l’utilizzo massiccio di droghe aiuta Barrett a produrre la sua miglior musica, allo stesso tempo danno il via ad un processo di alienazione da tutto che lo avrebbe, nel giro di pochi anni, allontanato sia dal gruppo che aveva fondato che dalla vita sociale. L’eccesso di LSD rese problematica anche la registrazione del primo disco The Piper At The Gates of Dawn. Barrett era geniale quando si trattava di scrivere canzoni ma, in uno studio di registrazione, diventava scarsamente professionale e collaborativo. Nel 1968 sarà il suo amico di infanzia David Gilmour a sostituirlo. 

Waters prese la guida dei Pink Floyd e, con Gilmour come chitarrista, la loro musica diventò accessibile ad un pubblico più vasto, rendendoli uno dei gruppi di maggior successo nella storia del rock, ma anche meno visionaria e surreale. I fatti accaduti in seguito - l’uscita di Roger Waters e le battaglie legali per l’utilizzo del nome, lo scioglimento del gruppo nel 1995 e la morte di Richard Wright nel 2008 - sono oramai storia della cultura popolare. Rimarranno senza risposte invece molte domande legate a Syd Barrett, alla sua scelta di allontanarsi da tutto e ai territori musicale nei quali avrebbe potuto portare il suo gruppo se avesse continuato a produrre musica piuttosto che recitare la parte dell’anticonformista o perdersi in un trip di droghe senza fine. Dopo essere stato allontanato dai Pink Floyd esce con un paio di album solisti prima di tornare a Cambridge, dove vivrà una vita al riparo dal clamore suscitato dalla notorietà conquistata dalla sua creatura per poi morire da solo nel 2006.

Un altro grande protagonista della storia Pink Floyd è stato Storm Thorgerson, fotografo e graphic designer co-fondatore nel 1968 dello Studio Hypgnosis, studio che ha realizzato le copertine più iconiche e memorabili del gruppo. Thorgerson ha saputo catturare l’essenza della loro musica dando vita ad immagini inscindibili dalla produzione artistica dei Pink Floyd. La mostra raccoglie una selezione di questi lavori a testimonianza di una collaborazione che decennale divenuta, fin dalla fine degli anni 60, simbiotica. Molti lavori di Thorgerson sono stati esposti in musei britannici a testimonianza della qualità del lavoro di Studio Hypgnosis il quale ha realizzato cover anche per artisti come Peter Gabriel, Muse, Led Zeppelin, Black Sabbath e tanti altri. 

Le foto di Furmanovsky e Prime invece mostrano il gruppo al pieno del suo splendore, mentre quelle di Baron Wolman immortalano i Pink Floyd, con ancora Syd Barrett, a San Francisco, durante il loro primo tour americano nel 1967.

La mostra (26 settembre – 30 novembre) si compone di 40 scatti e presenta i lavori di Storm Thorgerson, Jill Furmanovsky, Baron Wolman e Colin Prime.

martedì - venerdì 15 - 20
sabato 10 - 13 e 15.30 - 20
domenica e lunedì chiuso
ingresso libero

Sospesi nello spazio e nel tempo, i misteriosi personaggi che hanno reso tanto celebre la Metafisica di Giorgio de Chirico sono stati proposti innumerevoli volte, non solo con la grafica e la pittura ma anche nella versione tridimensionale, in una produzione scultorea di cui probabilmente il grande pubblico ancora non conosce la particolare suggestione. Meno nota della produzione pittorica, ma certamente non meno evocativa, la scultura del grande maestro offre infatti l’occasione per approfondire alcuni dei soggetti che hanno dominato la sua poetica, tra i quali spiccano l’enigmatica presenza dei manichini e la persistenza del mito e della memoria dell’antico.

L’incontro di De Chirico con la scultura avvenne solo in età matura quando, intorno al 1940, il pittore iniziò a realizzare alcune piccole terrecotte dipinte in cui riprendeva i temi dei suoi dipinti del periodo metafisico. Più tardi l’artista decise di far tradurre quelle fragili opere in più durevoli esemplari in bronzo, realizzando piccole tirature di diversi formati. Il corpus della sua ricerca plastica è successivamente stato riproposto dalla Fondazione Isa e Giorgio de Chirico di Roma, che ne ha commissionato la fusione in una nuova edizione limitata, in occasione del centenario della nascita dell’artista celebrato nel 1988.

Per presentare al pubblico un importante nucleo composto da 19 di queste sculture, recentemente acquisite nella collezione permanente del MAGI’900 insieme a pregevoli opere grafiche, il museo propone un allestimento particolare che intende mettere in relazione le rappresentazioni bidimensionali e la loro restituzione a tutto tondo. Tra le opere esposte ricorrono alcune figure chiave dell’immaginario dechirichiano, come gli Archeologi, i Trovatori, i Manichini Coloniali, Le Muse, i Cavalli, temi dei quali vengono presentate diverse varianti, offrendo una delle più significative ricognizioni sulla scultura metafisica mai allestite in Italia.

I bronzi, esposti insieme a un gesso preparatorio, dipinti, disegni, grafiche e a due rare edizioni illustrate dell’Apocalisse di Giovanni, sono presentati al pubblico in un allestimento corale, reso particolarmente intenso da un’installazione di pannelli luminosi, provenienti dal Museo Documentario della Metafisica di Ferrara, pionieristico museo “virtuale” inaugurato nei primi anni ’80 e oggi non più esistente, ideato dall’allora direttore del Palazzo dei Diamanti Franco Farina, al quale la mostra è dedicata a un anno dalla sua scomparsa.

La regia dell’allestimento è curata da Valeria Tassinari.

Orari d’apertura:
da martedì a domenica 10.00 - 18.00 (la biglietteria chiude alle ore 17.00).

Info biglietti

Ingresso ridotto per gli abbonati Card Musei Metropolitani :
- Collezione permanente + mostre temporanee € 10 anzichè € 15
- Collezione permanente € 7 anzichè € 10
– Mostre temporanee, 1 mostra € 5 anzichè € 7; 2 mostre € 7 anzichè € 10

Sul finire del XIX secolo la scoperta delle arti decorative giapponesi diede una notevole scossa all’intera Arte europea. Un potente vento di rinnovamento che dall’Oriente investiva modelli, consuetudini stratificate nei secoli, conducendo l’arte del Vecchio Continente verso nuove e più essenziali norme compositive fatte di sintesi e colori luminosi.

Il taglio che il curatore della mostra, Francesco Parisi, ha scelto per descrivere questa effervescente pagina della storia dell’arte europea, è decisamente originale. Per la prima volta sono state mappate le tendenze giapponiste dell’Europa tra Ottocento e Novecento: dalla Germania all’Olanda, al Belgio, dalla Francia all’Austria, alla Boemia, fino all’Italia. 

Nelle quattro ampie sezioni in cui è dipanato il racconto, Parisi affianca originali e derivati, ovvero opere scelte fra quelle che giungendo dal Giappone divamparono a oggetto di passioni e di studi in Europa, accanto alle opere che di questi “reperti” evidenzino la profonda influenza. 
Pittura e grafica, certo. Ma anche tutto il resto, dall’architettura, alle arti applicate, all’illustrazione, ai manifesti, agli arredi,…. A dar conto, per la prima volta in modo organico, di quanto capillarmente e profondamente quel Giapponismo sia entrato nel corpo della vecchia Europa.

Accanto ai capolavori di Gauguin, Touluse Lautrec, Van Gogh, Klimt, Kolo Moser, James Ensor, Alphonse Mucha si potranno ammirare le tendenze giapponiste nelle opere degli inglesi Albert Moore, Sir John Lavery e Christopher Dresser; degli italiani Giuseppe De Nittis, Galileo Chini, Plinio Nomellini, Giacomo Balla, Antonio Mancini, Antonio Fontanesi e Francesco Paolo Michetti con il suo capolavoro La raccolta delle zucche; e ancora i francesi Pierre Bonnard, Paul Ranson, Maurice Denis ed Emile Gallé; i belgi Fernand Khnopff e Henry Van De Velde.

La mostra è un’iniziativa della Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, con il Comune di Rovigo e l’Accademia dei Concordi

Biglietti

Ingresso intero 12 €
Ingresso ridotto per gli abbonati Card Musei Metropolitani 8 €

Info orari e biglietti

Il progetto “ I Santi Accanto” dà un volto contemporaneo a  uomini e donne Santi e lo fa attraverso soggetti riconoscibili, facce che appartengono alla quotidianità di chiunque, sono persone da chiamare per nome, sono ritratti che raccontano storie. In esposizione sono raccolti dodici lavori, olio su tela, che rappresentano I Santi della devozione popolare bolognese, donde il titolo “Pietas Bononiensis”, con i simboli e gli attributi che li caratterizzano e che li rendono riconoscibili pur arrivando a santificare alla fine del progetto il soggetto stesso nella bellezza della sua unicità e singolarità. Un inno all'esistenza in quanto tale, alla bellezza dell'essere umano in tutte le sfaccettature del suo vivere nella regalità del quotidiano.

Con la collaborazione del Centro Studi per la Cultura Popolare è inserita nelle manifestazioni della Festa Internazionale della Storia.

“Molte volte abbiamo la tentazione di pensare che la santità sia riservata a coloro che hanno la possibilità di mantenere le distanze dalle occupazioni ordinarie, per dedicare molto tempo alla preghiera. Non è così. Tutti siamo chiamati ad essere Santi vivendo con amore e offrendo ciascuno la propria testimonianza nelle occupazioni di ogni giorno, lì dove si trova”. 

Gaudete et exsultate
Francesco

L’autrice Roberta Dallara, rivisita in chiave attuale l’iconografia dei santi ai quali va la devozione dei bolognesi, ripresentandoli nelle vesti di quei “santi della porta accanto” di cui parla papa Francesco nell’esortazione apostolica “Gaudete ed exultate”, quelli che ancora non sono onorati sugli altari ma vivono tra gli uomini e per gli uomini. Così, prima della gloria degli altari, furono probabilmente gli antichi patroni di Bologna e altri. Procolo, Vitale e Agricola, Floriano, Petronio, Lucia, Domenico, Francesco, Caterina da Bologna, Antonio di Padova, Rita da Cascia, Ignazio di Loyola, Francesco Saverio, appaiono come uomini di oggi di cui non ci accorgeremmo perché ancora non ne riusciamo a vedere l’esplicito “riflesso della presenza di Dio”: li riconosciamo dagli attributi iconografici tradizionali presentati in maniera sorprendente. Questi dipinti vogliono essere un richiamo a tenere occhi attenti e pieni di stupore sulla “presenza di Dio” tra noi, che ci costituisce come popolo di Dio, e che sovente neppure vediamo. La mostra è all’interno della XVI edizione della Festa Internazionale della Storia. 
Gioia Lanzi

ingresso: libero

orari: martedì 9.00 / 13.00 – 14.00 / 17.30
giovedì 9.00 / 13.00 – 14.00 / 17.30
sabato  9.00 / 13.00  
domenica  10.00 / 17.00

Quattro mostre celebrative dei 110 anni di storia del Bologna Football Club nelle sedi di Villa delle Rose, Museo Civico Archeologico, Museo Civico Medievale e Salaborsa.

Un interessante percorso fra sport e storia per ripercorre le tappe principali dell’amore per lo sport a Bologna, attraverso tre delle più importanti realtà museali della città.

Tra le ricchezze vivide del Museo Civico Archeologico è possibile scorgere le storiche tracce legate all’attività sportiva nel mondo antico, al concetto di gara e cura del corpo degli atleti.

È invece al Museo Civico Medievale, che avverrà l’incontro con il gioco cortese: il racconto dello sport nella Bologna del Rinascimento e del Barocco, in una narrazione cavalleresca attraverso giostre e tornei, elmi, lance e armature.

Con Villa delle Rose arriva al culmine il viaggio alla ricerca della passione sportiva bolognese, con un focus sulla fede calcistica verso l’esplorazione di una grande collezione di memorabilia, maglie e trofei, installazioni tecnologiche e gadget da collezionare.

In Salaborsa è allestita una mostra fotografica celebrativa dei 110 anni del Bologna FC 1909, a ingresso libero, per mostrare tutte le foto legate alla storia e alla passione per il Bologna FC 1909 alle quali i tifosi sono maggiormente legati. Alcune delle foto, inoltre, saranno scelte dagli stessi supporter, con un contest speciale che metterà in mostra le originali emozioni che si provano sugli spalti e una postazione eSports che farà sentire tutti campioni!

Un unico biglietto permette la visita, oltre che alla mostra dedicata ai rossoblù a Villa delle Rose, anche ai percorsi allestiti al Museo Civico Archeologico e al Museo Civico Medievale.
La mostra in Salaborsa è gratuita.

Info e biglietti: https://bfc110.it/le_mostre.html

Per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso alla mostra a Villa delle Rose è ridotto a 10€, anzichè 15€, mentre gli ingressi alle altre due mostre sono gratuiti.

I Musei dell’Alma Mater continuano a riservare sorprese.

L’occasione, in questo caso, è offerta dal bicentenario della presenza diplomatica degli Stati Uniti d’America a Firenze. L’Università di Bologna, ad unificazione appena avvenuta, si distingue per la precocità dell’interesse riservato alla Repubblica nordamericana.

È Giovanni Capellini, giovane e brillante geologo, a comprendere che i grandi giacimenti paleontologici al di là dell’Atlantico rappresentano una straordinaria opportunità di ricerca e, nello stesso tempo, una risorsa da valorizzare: gli americani, con indiscutibile capacità, lo fanno dagli inizi dell’Ottocento.

Questa è l’origine del viaggio di Capellini negli USA, nel 1863, e dell’avvio di rapporti così solidi da sfociare, nel 1909, nel grande dono del modello di Diplodocus, ad opera di Andrew Carnegie.

ORARI DI APERTURA:
da martedì a venerdì: 9.00 - 13.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 - 18.00
chiusure: 24 e 25 dicembre, 1 gennaio

BIGLIETTI
Intero 3€
Ridotto 1€: scolaresche in visita autonoma (tariffa per persona)
Gratuito: bambini 0-6 anni; scolaresche che abbiano richiesto il servizio di visita guidata/percorso didattico (N.B. il costo del servizio resta invariato a 2€ a partecipante)

Iniziativa realizzata con il patrocinio del U.S. Consulate General Florence

Arriva nella Sala delle Ciminiere del MAMbo Un certo numero di cose / A Certain Number of Things, un progetto di Cesare Pietroiusti promosso dal MAMbo, vincitore della IV edizione del bando Italian Council (2018), concorso ideato dalla Direzione Generale Arte e Architettura contemporanee e Periferie urbane (DGAAP) del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, per promuovere l’arte contemporanea italiana nel mondo.

L’idea dell’esposizione - la prima antologica dell’artista italiano in una istituzionale museale - prende avvio da una riflessione sul concetto stesso di mostra retrospettiva e sulla effettiva possibilità di rappresentare un percorso di ricerca artistica in tale formato. Da questa indagine nasce l’idea-provocazione di Cesare Pietroiusti: autonarrarsi non solo attraverso le opere prodotte ma anche tramite oggetti, suggestioni, episodi, gesti, azioni, comportamenti, ricordi riferiti alla propria vita, a partire dall’anno di nascita, il 1955.

Il percorso espositivo si articola attraverso l’esposizione di quelli che l’artista definisce “oggetti-anno” allestiti in ordine non rigorosamente cronologico. Si inizia dalla foto del piccolo Cesare in braccio alla balia proteso verso un grappolo d’uva (1955) per proseguire fino al 1976 con documenti, foto, dischi, cassette, lettere, album di disegni, temi scolastici, storie, pagelle, tessere, libri, ricordi di viaggio, poesie che tracciano una linea lungo la crescita del bambino, adolescente e giovane Cesare.

A partire dal 1977 gli oggetti si spostano prevalentemente dalla sfera personale all’attività artistica, con lavori di Pietroiusti realizzati nell’arco di quarant’anni.

Gli oggetti che rappresentano gli anni dal 1955 al 2018 sono allestiti intorno all’ultimo oggetto-anno, relativo al 2019, che è collocato al centro della sala: si tratta di un'opera in fieri, che si realizza grazie a un laboratorio condotto da Pietroiusti su due sedi, al MAMbo e al Grazer Kunstverein di Graz (Austria). Il workshop coinvolge studenti e giovani artisti, con l’obiettivo di riprodurre insieme all’artista in forma fisica, performativa e narrativa, secondo un meccanismo di mise en abyme della mostra stessa, tutti gli oggetti esposti, in una forma di co-autorialità che interessa anche la fase ideativa. L’opera scaturente dal workshop avrà come istituzione di destinazione il Madre · museo d’arte contemporanea Donnaregina di Napoli.

La mostra è a cura di Lorenzo Balbi con l’assistenza curatoriale di Sabrina Samorì.

Ingresso € 6,00 intero / € 4,00 ridotto

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso ridotto € 3,00

In occasione di Pensatevi liberi. Bologna Rock 1979. Finissage un tributo che Vitruvio Virtual Museum ha dedicato a uno degli artisti italiani più sovversivi e destabilizzanti della storia musicale del nostro paese.

L’opera di realtà virtuale immersiva, esperibile attraverso il visore Oculus Go, dialoga direttamente con la scultura in marmo di Carrara realizzata dello scultore Daniele Rossi che ritrae Freak Antoni all’interno di un water dotato di razzi.

Attraverso la realtà virtuale i razzi vengono attivati e il fruitore dell’esperienza compie un viaggio su Bologna fra le note di Ludovico Einaudi e i versi di Leggero, delicata e sorprendente poesia dello stesso Antoni.

Ingresso biglietto museo (€ 5,00 intero / € 3,00 ridotto) (opera visibile nella Sala 7 del museo)
Ingresso gratuito 5 e 6 ottobre, 3 novembre

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

Nello spazio Open Box del Museo Magi’900 l’artista Paola Paganelli affronta il tema della follia denunciando la condizione di sofferenza e solitudine dei tanti adulti e bambini che erano costretti a vita nelle strutture di detenzione psichiatrica

Non l’esaltazione romantica dell’alienato, e neanche il crudo documentario, ma un racconto evocato, delicato e fragile che, non senza asprezze, si confronta con la verità, si inoltra nel dolore, nelle parole e nei gesti di chi si è sentito esiliato dal mondo, rinchiuso nel pregiudizio prima ancora che nella camicia di forza.

L’interpretazione dell’artista si esprime attraverso una serie di opere nelle quali materiali di recupero legati alla memoria e creazioni polimateriche in tessuto cucito e ricamato, ferro e legno si integrano con le parole originali, con le immagini e le riscritture di testimonianze reali; mentre fantocci strani, come bambole di pezza mal cucite, evocano disagio e compassione per corpi e anime tormentati e chiusi in una solitudine assordante .

L’idea è ridare visibilità alla sofferenza dei detenuti in strutture psichiatriche è nata dalla riflessione su indagini e testimonianze letterarie, e dal riaffiorare di alcune memorie personali, come l’artista stessa ci ricorda:

“Le opere di questa mostra tentano di dare una rappresentazione, seppur immaginaria, di quel contesto di cui ancora troppo poco si sa e le cui atrocità tentiamo spesso di rimuovere. Una verità dura e difficile da accettare ma che dovrebbe essere conosciuta, comunicata, compresa. Lontano da me, ogni tentativo di dare giudizi sul passato, pur conoscendone gli aspetti a dir poco disumani, e tanto meno sul presente dei malati di mente di cui so pochissimo, ma di cui immagino le tante problematicità. Il mio vuole essere soprattutto un lavoro sul ricordo di un momento buio della nostra storia abbastanza recente. Un lavoro sulla memoria di tantissime persone anonime, di vite svanite nel nulla, scarti della società, ai quali ho tentato di dare un minimo di dignità. Di questi sfortunati ho immaginato gli incubi, le paure, le speranze, i dolori, ma anche gli oggetti personali come gli abiti, le fotografie, le lettere, i documenti che conservavano in quei luoghi così ostili , lontani dalle loro case e dagli affetti più cari.” Paola Paganelli

L’intento è spingere il pubblico a una reazione emozionale, attraverso la quale riflettere sulla terribile condizione vissuta dai malati di mente.

La mostra è a cura di Valeria Tassinari. Sarà visitabile gratuitamente fino al 3 novembre 2019.

Orari d’apertura:
da martedì a domenica 10.00 - 18.00 (la biglietteria chiude alle ore 17.00).

Al manifesto e agli altri strumenti della comunicazione pubblicitaria è dedicata la terza edizione del ciclo di mostre Impresae da Raccontare dal titolo “L’evoluzione della comunicazione pubblicitaria nel Gruppo Unipol”. La mostra, a cura dell’Archivio Storico è l’appuntamento annuale che CUBO, il Museo d’impresa del Gruppo Unipol, organizza per valorizzare il proprio patrimonio archivistico, divulgando la storia dell’azienda e rendendola fruibile al pubblico.

In questa mostra - che si terrà presso le sedi Unipol di Bologna (CUBO) e Milano (Corso di Porta Romana, 19 / Inaugurazione 15 ottobre ore 18:00) con due allestimenti simili ma nello stesso tempo diversi per la conformità dei luoghi espositivi - vengono mostrate e analizzate alcune comunicazioni pubblicitarie delle Compagnie del Gruppo Unipol presenti nella raccolta archivistica e delle sue appendici apparse su cartelloni, dépliant o in televisione allo scopo di evidenziare i cambiamenti del discorso pubblicitario durante la storia dell’azienda e delle sue compagnie via via confluite in essa. Il tema della pubblicità assicurativa si interseca anche coi temi della memoria, della storia e dell’identità di alcune compagnie assicurative storiche (Milano Assicurazioni, Fondiaria) che nate nell’800 hanno attraversato tutto il ‘900 e di compagnie più moderne (SAI, Winterthur, Meie) che nell’ultimo ventennio sono poi confluite nel Gruppo Unipol.

La mostra racconta anche come la comunicazione legata ad un’esigenza commerciale immediata non esaurisce la comunicazione d’impresa. Altrettanto importante è l’immagine di sé che l’impresa
intende proporre, i valori a cui intende essere associata nell’immaginario dei consumatori, come la
serietà, l’affidabilità, oppure l’etica e la solidarietà sociale. L’importanza di questo tipo di pubblicità
istituzionale o d’immagine è cresciuta nel tempo, portando spesso il proprio contributo alla crescita
nella società civile della sensibilità per alcune tematiche come la difesa dell’ambiente e la sicurezza
stradale.

Mercoledì 9 ottobre ore 18:00 – c/o Spazio Arte CUBO
Inaugurazione mostra di Bologna

Mercoledì 9 ottobre ore 19:00 – c/o Mediateca CUBO
“CHE IMPRESA!” spettacolo teatrale sulla storia dell’assicurazione a cura di Michela Marelli

Ingresso libero

Orari di apertura sul sito cubounipol.it

Il celebre fotografo Steve McCurry (Philadelphia, 1950), che si è recentemente raccontato in un documentario a cura dell’editore Phaidon, è protagonista di una nuova mostra ai Musei San Domenico di Forlì, prodotta da Civitas con il sostegno della Fondazione Cassa dei Risparmi. 

Questa volta, il soggetto ricorrente dei suoi scatti è il cibo, considerato nella diversità che caratterizza ogni cultura, ma anche come necessità universale che lega tutti gli individui. “Ogni fotografia di Steve McCurry cerca l’universale nel particolare”, spiega  Monica Fantini, curatrice delle Mostre del Buon Vivere, “è paradigmatica di una persona o di un’intera comunità: vale per le figure commoventi che consumano un pasto nella solitudine o nel dolore, come per i frammenti di mercati in cui i pesci, la frutta o le spezie si fanno odori, suoni, sapori e partecipazione emotiva a una realtà che, nelle differenze, riporta all’uguaglianza degli esseri umani”.

Le opere, esposte per la gran parte in anteprima mondiale, saranno divise in cinque sezioni: un’introduzione al ciclo della vita del cibo, il pane come alimento primario, il lavoro nelle piantagioni e in mare, la trasformazione del cibo e la coesione che esso genera. 

Orari

Apertura: dal martedì alla domenica dalle ore 9.30 alle 19.00. La biglietteria chiude un’ora prima
Chiusura: tutti i lunedì e il 25 dicembre ad eccezione del 6 gennaio
Aperture straordinarie: 24 e 31 dicembre dalle 9.30 alle 13.30. 1° gennaio 2020 dalle 14.30 alle 19. Il 26 dicembre dalle 9.30 alle 19

Biglietti

Intero € 12,00
Ingresso ridotto € 10,00 per gli abbonati Card Musei Metropolitani

In occasione del cinquecentenario della morte di Leonardo da Vinci, il Polo Museale dell’Emilia Romagna organizza presso la Pinacoteca Nazionale la mostra “Il Genio in guerra nell’età di Leonardo, Michelangelo, Dürer” dedicata alle abilità del Maestro come ingegnere militare nella pianificazione difensiva delle città e nelle modalità di attacco per mezzo dell’artiglieria.

La mostra, a cura del Direttore del Polo Museale Mario Scalini, intende mettere a fuoco uno degli aspetti meno indagati dell’attività ingegneristica del vinciano: esperto in idraulica così come nell’ “ingegneria delle macchine” ebbe sovente interessi con risvolti militari (si pensi alle bombarde speciali od alle stravaganze come i carri falcati o le armi inastate contro la cavalleria).

Nella sua intensa produzione artistica Leonardo ebbe a preoccuparsi anche di vari aspetti architettonici, compresi quelli relativi alle difese delle città e della loro conseguente urbanistica, così come della vera e propria definizione delle bastionature, dei rivellini e di altri approntamenti legati alla conformazione delle fortezze.

Fino ad oggi un solo studio monografico ha affrontato la questione con attenzione alle soluzioni teoriche, più che pratiche, riscontrabili in contemporanei quali Filarete, i Sangallo e Francesco di Giorgio Martini; in un solo caso, in Emilia Romagna, si è discusso della questione, di rilievo per l’area, visto che il vinciano vi operò al servizio del Valentino (Cesare Borgia) per qualche tempo.

Recenti studi hanno messo in luce come il Maestro abbia approntato alcune soluzioni del tutto originali che sono riscontrabili sul territorio e che pochi anni dopo vennero applicate, per altro, dall’ordine di Malta in oriente.

La possibilità di prendere atto di queste invenzioni straordinarie, attraverso materiali originali, potrà indurre la ricerca a svilupparsi in questo settore ancora ben poco praticato.

Accanto a planimetrie e mappe che propongono centri abitati, verranno esposte alcune carte con dettagli di fortificazioni, di apparecchi difensivi ed offensivi, sia eseguiti dalla mano di Leonardo che da quelle dei suoi contemporanei, per evidenziare la capacità innovativa sua e dei più rilevanti geni multiformi nel periodo delle cosiddette ‘Guerre d’Italia’ che videro nella penisola la presenza degli Imperiali come dei francesi.

Questa sarà l’occasione per dare rilievo ad un debito concettuale e tecnologico che Michelangelo e Dürer contrassero con gli ingegneri del primo Rinascimento al pari di Leonardo.

Un viaggio alla scoperta delle esperienze condotte sulle strutture fortificate dal 1470 al 1530 e della capacità innovativa degli ingegneri del tempo che il visitatore potrà seguire grazie ai prestigiosi prestiti di originali provenienti dalle biblioteche di Windsor, Milano, Firenze e da raccolte emiliane di Stato.

Uno degli aspetti meno indagati e meno messi in luce resta quello della attività ingegneristica di Leonardo da Vinci, perito in idraulica come nella ‘ingegneria delle macchine’ (sovente con risvolti militari – si pensi al carro armato, come alle bombarde speciali od alla ‘mitragliatrici’ od ai carri falcati). Leonardo ebbe a preoccuparsi di vari aspetti architettonici, compresi quelli relativi alla pianificazione difensiva delle città e della loro urbanistica conseguente, così come della vera e propria definizione delle bastionature, dei rivellini e di altri approntamenti legati alla conformazione delle fortezze. Sin qui un solo studio monografico affronta la questione con attenzione alle soluzioni teoriche (più che pratiche) riscontrabili in contemporanei quali Filarete, i Sangallo e Francesco di Giorgio ed in un solo caso, in Emilia Romagna si è affrontata la questione, di rilievo per l’area, visto che il maestro vi operò al servizio del Valentino (Cesare Borgia) per qualche tempo.

Biglietti

intero: 8€
ridotto: 2€ (ragazzi da 18 ai 25 anni e abbonati Card Musei Metropolitani Bologna)

La stagione autunnale a Palazzo Pallavicini si apre con un’importante esposizione dedicata all’artista colombiano Fernando Botero, dal 12 ottobre 2019 al 12 gennaio 2020.

Il corpus della mostra è costituito da 50 opere uniche mai viste prima nel capoluogo emiliano, comprendenti una serie di disegni realizzati a tecnica mista e un pregiato insieme di acquerelli a colori su tela. L’esposizione, articolata in sette sezioni, rispetta i temi cari all’artista e pone la sua attenzione all’occhio poetico che questi è capace di posare sul mondo, regalando una bellezza fatta di volumi abbondanti, colori avvolgenti e iconografie originali. Un visionario inno all’esistenza che approfondisce il disegno inteso come fondamento della forma, primario e imprescindibile strumento di bellezza. Tra i soggetti selezionati compaiono personaggi legati alla tauromachia e al circo, silenti ed equilibrate nature morte, delicati nudi, personalità religiose, individui colti nella propria quotidianità: una rassegna visiva che tiene conto dell’intensa ricerca visiva di Botero, tesa all’affermazione del suo caratteristico linguaggio.

Tra le opere esposte si nascondono i segreti della vita, celati sotto presenze dai volumi corpulenti, persone o oggetti in attesa di un movimento casuale o volontario.  In perfetto equilibrio tra ironia e nostalgia, atmosfere oniriche e realtà fiabesca, classicità italiana e cultura sudamericana, l’arte di Botero risulta creatrice e portatrice di uno stile figurativo e personale, capace senza indugio anche in questa occasione di coinvolgere e affascinare chi guarda.

Libertà creativa e monumentalità rappresentano il fil rouge dell’esposizione, il cui allestimento è stato progettato con l’Accademia di Belle Arti di Bologna diretta dal Prof. Enrico Fornaroli e realizzato in collaborazione con il Biennio specialistico in Scenografia e allestimenti degli spazi espositivi e museali grazie al Prof. Enrico Aceti, alla Prof.ssa Rosanna Fioravanti, al Prof. Michele Chiari e al Dott. Erasmo Masetti insieme agli studenti Alessandro Barbera, Larissa Candido Bergamaschi, Cecilia Giovine, Ester Grigoli, Sarah Menichini, Bianca Piacentini, Rossella Pisani, Elena Romagnani e Tatiana Sànchez Sandoval.
La mostra, promossa dal Gruppo Pallavicini S.r.l composto da Chiara Campagnoli, Deborah Petroni e Rubens Fogacci, è curata da Francesca Bogliolo in collaborazione con l’Artista.

Orari di apertura
da giovedì a domenica dalle 11.00 alle 20.00
Chiuso il lunedì, martedì e mercoledì.
(La biglietteria chiude 1h prima: ore 19.00 ultimo ingresso)

Aperture straordinarie dalle 11.00 alle 20.00 (ultimo ingresso ore 19.00)
1 e 2 novembre 2019
8 + 23 + 26 + 30 dicembre 2019
31 dicembre 2019 (dalle 11.00 alle 17.00)
1 + 6 + 7 + 8 gennaio 2020

Chiusure programmate tutta la giornata
17 e 18 ottobre 2019
24 e 25 dicembre 2019

Info biglietti e prevendita

Ingresso ridotto con Card Musei Metropolitani: 9 €

Grazie ad un accordo siglato tra Compagnia dei Lombardi e Istituzione Bologna Musei, un prezioso nucleo di otto tavole di epoca medievale appartenenti a due perduti polittici di Simone di Filippo detto 'dei Crocifissi' e di Giovanni di Pietro Falloppi detto da Modena, di proprietà dell’antica compagnia d’armi felsinea, viene concesso in comodato d’uso gratuito ai Musei Civici d’Arte Antica.

Per presentare alla città questa importante azione congiunta di tutela e valorizzazione di un patrimonio per secoli precluso a chiunque non fosse aggregato alla Compagnia, i Musei Civici d’Arte Antica promuovono presso le Collezioni Comunali d’Arte un progetto espositivo per consentire al pubblico di ripercorrere le vicende legate alle origini della Compagnia dei Lombardi - una delle antiche società d'armi sorte in età comunale a Bologna, l’unica ancora oggi attiva nella sede attigua al complesso monumentale della Basilica di Santo Stefano - e alla formazione di una prestigiosa, seppure quantitativamente esigua, collezione di opere d’arte.

Nella mostra, a cura di Massimo Medica e Silvia Battistini, è così possibile ammirare in anteprima le opere generosamente offerte in comodato, affiancate da una selezione di documenti storici provenienti dall’Archivio della Compagnia e dall’Archivio di Stato di Bologna, che illustrano le ritualità di una storia che la tradizione vuole iniziata nel 1170 con la fondazione di un’alleanza di mutuo soccorso tra esuli trasferitisi dalla Lombardia a causa delle lotte tra le fazioni Guelfe e Ghibelline e delle barbarie di Federico I Barbarossa.

Al termine dell’esposizione, le opere resteranno visibili nella Sala 6 del percorso espositivo del museo, dove sono testimoniati momenti della cultura figurativa del Cinquecento, non solo bolognese.

Visite guidate

domenica 13 ottobre h 10.30, sabato 26 ottobre h 11, sabato 9 novembre h 16.30, sabato 23 novembre h 10.30, sabato 7 dicembre h 16.30, sabato 4 gennaio h 16.30, domenica 26 gennaio h 16.30, domenica 9 febbraio h 10.30

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 3,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna l’ingresso è gratuito

È ormai ben noto quanto l’opera di Giorgio Morandi sia di per sè attuale e studiata da artisti che la guardano interpretandola e rendendola propria attraverso i più diversi e vari linguaggi.

Oggi la lezione del grande pittore è stata filtrata e riproposta dal duo Bertozzi & Casoni attraverso il mezzo di cui sono maestri, ovvero la ceramica. La loro attenzione si rivolge ad alcuni celebri dipinti raffiguranti vasi di fiori e paradossalmente sembra quasi che la pittura di Morandi sia stata per i ceramisti la chiave di volta per entrare in sintonia con le cose che ne sono state il modello. Nessuna bottiglia, nessuna ciotola o caraffa, ma quei vasi con fiori che ancora oggi si possono ammirare a Casa Morandi in via Fondazza 36 a Bologna.

Sappiamo, infatti, che il modello a cui l’artista guardava preferibilmente non era il fiore fresco, di per sé caduco, destinato a modificarsi giorno dopo giorno (e quindi a creare varianti indipendenti dalla sua volontà), ma il fiore di seta, oppure, il fiore essiccato che mantiene il suo stato inalterato e, al pari degli altri oggetti, raccoglie la polvere, creando effetti tonali a Morandi per nulla sgraditi e forse per questo volutamente ricercati. Un’indagine, dunque, che parte dall’assenza di vita che lui ricrea sulla tela attraverso soavi e morbide tonalità di cipria e preziose gradazioni di verde.

Bertozzi & Casoni interessati da sempre al tema floreale, sembrano invece voler concedere nuova vita a quelle rose dal gambo volutamente lungo sulle cui foglie s’aggirano presenze insettiformi dalla colorazione cangiante. Si tratta, al contrario, di una rivisitazione attenta e personale da cui nascono veri e propri “d’aprés Morandi” dopo quelli celeberrimi, firmati Gio Ponti, che più di settant’anni fa riproponevano bottiglie trafitte, ingioiellate, mascherate e addirittura abbottonate.

Ma cosa potrebbe pensare o borbottare a bassa voce tra sè e sè Morandi se vedesse le creazioni di Giampaolo Bertozzi e Stefano Dal Monte Casoni ispirate ad alcuni suoi dipinti di fiori? Chissà, forse, potrebbe sceglierle come modelli di un suo prossimo dipinto.

Ingresso biglietto museo (€ 6,00 intero / € 4,00 ridotto)

Per gli abbonati alla Card Musei Metropolitani Bologna ingresso gratuito

La mostra fotografica “Bologna s’industria. La rinascita economica dal secondo dopoguerra agli anni ’80 nelle immagini dell’archivio Fototecnica”, a cura di Cinzia Frisoni, offre al pubblico una sintesi della varietà della produzione industriale bolognese di quegli anni, con un’attenzione particolare al modo di documentare fotograficamente categorie di oggetti e prodotti molto distanti tra loro.

Gli autori delle immagini sono quattro operatori formatisi presso lo Studio Villani (Albuccio Arcani, Tiziano Calza, Sigfrido Pasquini e Pietro Roda), che dal 1948 si mettono in proprio orientando la loro attività verso la committenza industriale. Dal 1953 al 1962 la ditta prende il nome di Fototecnica Artigiana per poi trasformarsi in Fototecnica Bolognese dopo l’abbandono del gruppo da parte di Tiziano Calza. A partire dal 1981, dopo la morte dei fondatori, c’è un avvicendarsi di figure nella gestione dell’archivio (a quelle date ormai storico) fino alla cessione nel 1992 alla Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna.

Il percorso espositivo suddiviso in 10 sezioni tematiche e composto da 110 fotografie (stampe moderne da scansione digitale dei negativi originali su lastra in vetro), tutte provenienti dal fondo Fototecnica – conservato presso l’archivio della Biblioteca di San Giorgio in Poggiale – offre uno spaccato esaustivo e sfaccettato della varietà produttiva, punto di forza dell’industria di area bolognese: dal settore meccanico a quello agroalimentare, chimico-farmaceutico e radioelettrico, dalle immagini di vita nella fabbrica fino ai servizi di moda o legati all’arredo.

In occasione della mostra sono previsti 4 incontri (ingresso gratuito) che si svolgono nella Biblioteca d’Arte e Storia di San Giorgio in Poggiale, secondo il seguente calendario:
- Martedì 22 ottobre 2019, ore 17,30, Cinzia Frisoni, Fotografare il lavoro: immersioni nell’archivio Fototecnica
- Martedì 5 novembre 2019, ore 17,30, Gianluigi Bovini, Il miracolo della ricostruzione
- Martedì 26 novembre 2019, ore 17,30, Riccardo Vlahov, La fabbrica delle immagini
- Martedì 3 dicembre 2019, ore 17,30, Fotografia industriale e committenza, incontro con alcuni imprenditori, partecipano Patrizia Bauer (Casale Bauer), Giangiacomo Zabban (Farmac-Zabban), Gianfranco Dondarini (Viro).

Orario di apertura:
lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì ore 9-13; martedì ore 9-17

Ingresso gratuito

Nell’anno in cui celebra i suoi 30 anni di vita, la casa editrice Minerva di Bologna dedica una mostra a WALTER BREVEGLIERI, eccezionale fotografo bolognese e sensibile osservatore della realtà che lo circondava.

Una mostra e un catalogo antologici raccolgono alcune delle fotografie più belle tratte dall’archivio Breveglieri, che oggi è stato acquisito dalla casa editrice. Una gallery unica, nella quale si possono ritrovare splendidi bianchi e neri che rivelano il contesto sociale e politico nel quale sono state scattate e che svelano a 360 gradi questo grande artista dell’obiettivo.

La mostra sarà organizzata secondo 4 grandi tematiche: ritratti di personaggi famosi; momenti di grande sport; la cronaca, i processi, gli eventi che lo vedevano sempre in prima fila; gli attimi di vita cittadina nella sua Bologna, città in cui ha vissuto fino alla sua scomparsa nel novembre del 2000.

Orario: nelle giornate di domenica, martedì, mercoledì, giovedì e sabato dalle ore 10 alle ore 19; venerdì dalle ore 14.30 alle ore 19; lunedì chiuso
Inaugurazione: 19 ottobre alle ore 17.30

ingresso libero

A quasi due anni dalla sua riapertura al pubblico dopo l’intervento di restauro finanziato da Regione Emilia-Romagna e Comune di Bologna, il Padiglione de l’Esprit Nouveau ospita Dilettanti Geniali. Sperimentazioni artistiche degli anni Ottanta.

La mostra raccoglie le testimonianze della scena underground degli anni ‘80 in Italia che ha visto Bologna come centro propulsore. Anni d’invenzione e creazione di nuovi linguaggi – in perfetta sintonia con ciò che stava accadendo a Londra, New York o Berlino – che però non hanno ancora avuto il giusto riconoscimento a livello nazionale e internazionale.

La mostra si sviluppa come un racconto, una cartografia sulla cultura visuale di quegli anni, facendone riemergere la straordinaria vivacità della scena creativa attraverso una selezione di materiali d’archivio, poster, riviste, vinili, dipinti, disegni e documenti riguardanti la musica, l’arte, il fumetto e i graffiti.

Situazioni caratterizzate dal medesimo desiderio di allontanarsi dall’ortodossia modernista dei decenni precedenti, in cui s’inventano nuove professioni (il videomaker, il graphic designer, per ricordarne solo alcuni) e nuovi stili di vita. Il filo conduttore della mostra non è la nostalgia quanto il desiderio di mappare le avanguardie e la creatività di quel periodo, testimonianze di un futuro tutto da inventare.

Dilettanti Geniali. Sperimentazioni artistiche degli anni Ottanta è a cura di Lorenza Pignatti. L’art direction e l’allestimento sono di Alessandro Jumbo Manfredini.

L’esposizione si realizza grazie al contributo di Regione Emilia-Romagna, Slam Jam e WP Lavori in corso, in collaborazione con Istituzione Bologna Musei | MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna e MAMbo e Associazione Culturale STòFF di Modena.

Orari di apertura:

sabato e domenica: h 14-18

La produzione di stampe teatrali di Osaka rappresenta un capitolo a sé stante della lunga e gloriosa storia dell’ukiyo-e. Trascurate per molto tempo dagli studiosi e dal grande pubblico, negli ultimi decenni del secolo scorso queste stampe sono diventate oggetto di ricerche approfondite e di mostre importanti, che hanno permesso di far luce su una produzione relativamente poco abbondante, ma di grande originalità e di una straordinaria qualità esecutiva.

Con la mostra Kamigata-e: il coloratissimo mondo delle stampe di Osaka, il Museo di Palazzo Poggi, in collaborazione con il Centro Studi d'Arte Estremo-Orientale, vi invita a scoprire la cultura vivace e originale che si respirava a Osaka nel primo Ottocento, attraverso un selezione di 29 xilografie provenienti dalle collezioni del Centro Studi d'Arte Estremo-Orientale e della Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, in comodato d'uso all'Università di Bologna.

Orari di apertura

da martedì a venerdì: 10.00 - 16.00
sabato, domenica e festivi: 10.00 - 18.00
chiusure: 24 e 25 dicembre, 1 gennaio

Biglietti

Esposizione visitabile con il biglietto di ingresso al Museo (intero 5€; ridotto 3€)

Ingresso gratuito per gli abbonati Card Musei Metropolitani Bologna